L’iniziativa della “factory” è recente (fine 2009), nata a ridosso di una vita professionale vissuta per entrambi nell’illustrazione, la grafica e, soprattutto, la progettazione editoriale. Esperienze che, in parte, influenzano la produzione.

Davide Lopopolo è di Milano, diplomato al II° Liceo Artistico di Brera-Milazzo durante uno dei periodi che lui stesso reputa più liberi, creativi e stimolanti. Si è specializzato in fotografia, formandosi in agenzie di pubblicità e scegliendo la libera professione per occuparsi di art direction, progettazione editoriale e graphic design.

Loredana Cattabriga è nata a Napoli e si è diplomata al I° Liceo Artistico di Milano. Si è formata in un piccolo studio creativo di architetti, illustratori e designer milanesi, scegliendo poi la strada della grafica editoriale nelle maggiori case editrici italiane.

L’attuale crisi li ha spinti a riprendere in mano tele, pennelli (e computer Mac), per tuffarsi in quello che è sempre stato il grande amore: l’arte, il creare e la manualità, con la convinzione di avere, forse, qualcosa di interessante da dire.

Davide, dopo alcune partenze che non lo convincevano al cento per cento, è giunto alla creazione tridimensionale di installazioni e robot, con puntate nel figurativo, la grafica e i multipli. Loredana rappresenta invece la parte più creativa e visionaria della factory, grazie anche all’ottima mano nell’uso di colori e pennelli.

Dicono di loro: “Insieme formiamo lo Yin e yang che si equilibra e si sprona a vicenda, anche a costo di aspri conflitti.”

Di seguito, 4 serie diverse:

- Uomo Nero: acrilici su tela di dimensioni varie. L’uomo nero ormai non fa più paura. Oggi l’uomo nero porta giacca e cravatta e macina affari.

- Robot: realizzati con materiali di recupero, cartapesta e acrilici. Le dimensioni variano da 1,80 metri (robot esposti al Superstudio Più), a 55 cm.

- Serie Grafica: poster realizzati in stampa digitale numerata e con interventi che variano dai pastelli a olio al feltro. Formato 70×100.

- Varie: comprendono acrilici su tela (Nirvana, Fiori&Cuori), acquerelli e pastelli (cane&gatto) e acrilici.

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L’artista in questo caso evidenzia il processo creativo che porta alla nascita di un’opera astratta nascondendo alla vista dell’occhio un atroce realtà, simboli di lutto che si trasformano in opere piene di calore…

Pensate per un secondo quante persone acquistano opere astratte senza sapere il loro significato o quante di queste pensano che a monte non ci sia un senso logico nel loro esistere.

Le opere esposte alla Chiurato Art Gallery sono: fascismo, comunismo, brigate rosse, anarchia, nazismo.

Giorni: Dal 05 al 23 Ottobre 2010
Informazioni utili: Vernissage 5 Ottobre 2010 dalle ore 18,00 alle ore 20,00 Aperto tutti i giorni dalle 15,00 alle 19,00.

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Sabato 25, invece, in Piazza San Babila ha avuto luogo una sfilata un pò particolare, fuori dalle righe.. e dai vestiti! E’ opera dell’artista Fabio Weik l’ultima provocazione con una passerella di scheletri.

Per protestare contro la tendenza delle modelle-stampella, ‘contro i canoni estetici innaturali ed estremi diffusi nelle società dal fashion system’, l’artista ha fatto sfilare un gruppetto di Curvy Can (modelle con taglie conformate) vestite solo della loro pelle, anzi meno: solo del loro scheletro.

In questi giorni in cui infuria la polemica sulle taglie XXS e l’esclusione dalle passerelle di brand come Elena Mirò, quella di Fabio Weik è un’altra delle tante voci che si uniscono al coro di denuncia contro la bellezza ultra skinny.

Evidente lo stupore di passanti e curiosi tra le vie dello shopping meneghino per questo connubio tra moda plus size e arte.

NdR: “Curvy can. Insieme si può fare”. È questo il messaggio che sei modelle plus-size, Elisa D’Ospina, Mjriam Bon, Marina Ferrari, Valentina Fogliani, Aija Barzdina ed Eleonora Finazzerin in collaborazione con l’associazione Jonas onlus, hanno deciso di lanciare alle giovani che, per inseguire i canoni estetici proposti dalla moda e dalla società, sono precipitate nel tunnel dell’anoressia e della bulimia.

Lo scopo è promuovere l’idea che la bellezza nasce dalla consapevolezza del proprio corpo e dalla valorizzazione di quelle caratteristiche personali che rendono originali e uniche le donne. Il gruppo Curvy Can è attivo anche su Facebook.

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La tua è un’idea di arte fuori dagli schemi…

Attacco la societa’ materialista con i suoi falsi moralismi, le sue bieche congiutture, do’ una caricatura della societa’ odierna con un prodotto artistico deformato, viviamo in una societa’ deformata e dai mass media che inseguono valori ormai inesistenti se non mostruosi, in cui tutti indistintamente ci riconosciamo. La deformita’ mentale odierna viene ormai sdoganata da tutti i parametri sociali e anzi viene esaltata dalla comunicazione di massa.

I tuoi primi passi nel mondo dell’arte quali sono stati?

Sono stato in America, Africa ed Oceania dove a Sydney ho frequentato un corso d’arte organizzato dall’Ente locale per Giovani Artisti che mi diede l’opportunità di accrescere la sua competenza in campo artistico e migliorare le mie abilità in campo tecnico.

Il tuo ultimo progetto artistico è “SuperSkull”, com’è nato e cosa vuole comunicare?

E’ un progetto artistico e culturale dove l’Arte si fonde ancora una volta nel socio-contemporaneo. Il supercranio è disegnato da me, l’ho ideato e progettato e tutt’oggi lo dipingo, in tutti i suoi innumerevoli mutamenti e stati d’animo. La sua testa enorme deformata è la conseguenza di un ‘alterazione genetica per poter aumentare a dismisura le potenzialità del suo cervello nel poter immagazzinare sempre più informazioni e sapere tecnologico. La sua bocca a forma di sega elettrica smisuratamente aperta è un grido , un urlo contro una società stereotipata e sempre più invasiva nella sfera personale umana, c’è una piccola figura un piccolo uomo sopra la sua testa che rappresenta la sua coscienza, come un piccolo grillo parlante, che purtroppo non viene quasi mai ascoltato con la conseguenza dell’imbarbarimento mentale e morale odierno. Ha un solo occhio poiché l’altro è occupato a fare altro come spesso succede nei nostri rapporti interpersonali sempre più spesso fugaci e senza una dovuta attenzione.

La tua arte trova posto su diversi supporti,a quale sei più affezionato?

Sicuramente nelle mie tele in lamina di ferro spesse 1 millimetro, il ferro ha dell’anima dentro ed e’ immortale, son sculture pitture.

C’è qualche consiglio che daresti ai ragazzi che vorrebbero vivere di arte oggi?

Uscire dagli schemi, essere unici porta a non seguire e a non copiare nessuno.
E’ necessario avere un linguaggio assolutamente chiaro per tutti ma unico raccontatore della vita.

www.marcoantonio.it

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Lisa è in questo momento protagonista di due mostre personali, una a Badoere (Treviso) e l’altra a Carpi (Modena).

Ma vediamo nel dettaglio che cosa ci riserva questa volta!

ORGANIC SCAPES

11 settembre – 3 ottobre_venerdì e sabato 15.30-19.00; domenica 10.00-13.00, 15.30-19.00. Ingresso libero.

Sei installazioni, sei progetti site specific dedicati al “mondo minore”, fatto di quotidianità e storia condivisa, di ricerca del proprio lato naturale, arboreo addirittura! Una fusione di tonalità inaspettate, che non coglieremmo se non grazie all’artista che sa riconoscerli in maniera così delicata, attraverso tecniche sperimentali e sempre diverse.

Una solo exibition, nella splendida cornice dell’Ex Chiesetta Sant’Antonio in Piazza Indipendenza a Badoere di Morgano (TV), voluta da Carlo Sala e da lui curata per la rassegna Phada Murgania 2010, che esalta la sensibilità per frammenti organici, sia corporei sia vegetali, che diventano narrazioni di storie intime, da percorrere come radure.

[Ringraziamo Alessio Magenta per alcune delle foto del vernissage dell'esposizione.]

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LA GRANDE DANZA

17 settembre – 3 ottobre_dal martedì al venerdì dalle ore 17.00 alle ore 19.00 e sabato dalle ore 15.30 alle ore 19.30, presso ABITART, Piazza Martiri 33 – Carpi (MO). Ingresso libero.

In occasione del Festival Filosofia di Modena – Carpi – Sassuolo (17, 18, 19 settembre 2010) , anche a Lisa è stato chiesto, naturalmente dalla prospettiva a lei peculiare, quella artistica, di indagare e interpretare il tema di quest’anno: la Fortuna. Tre installazioni costruiscono un percorso che dalla millenaria arte divinatoria che scruta il cielo per riconoscerne i segni, attraverso il gioco di caso e necessità del volo di un aquilone, giunge a una pregnante riflessione sugli artisti e sul ruolo della fortuna nella loro vita e nella loro opera.

Sky Hunter (sequenza di telai circolari da ricamo dipinti e stampati con fotografie di porzioni di cielo)

Waves of me (video-performance)

State of grace (serie di calchi in paraffina bianca semitrasparente di mani di artisti, appesi sopra ad altrettante candele) rappresenta lo scontro fisico tra materia e visione, ossia riflette sulla difficoltà, propria ad ogni artista, di trovare un equilibrio tra la tecnica (le mani) e il proprio pensiero (il fuoco). I lumen dello spirito artistico rischia pertanto, se non adeguatamente controllato, di sciogliere l’arto, fisico artefice della creazione.

[Ringraziamo Lisa per le foto in anteprima dell'esposizione.]

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Kroon è un’artista che ha sempre giocato con le distorsioni di prospettiva, che portano lo spettatore alla consapevolezza del suo modo di osservare.

Ispirato dal cubismo, che vuole dimostrare che si può fermare un oggetto, una persona o un paesaggio, e contemporaneamente mostrarlo da angolazioni diverse, Kroon ha rivisitato una forma d’arte sviluppata all’inizio del 20° secolo con nuova intensità.

http://www.ennodekroon.nl/

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Con della vernice nera in lattice, Orion dipinge  interessanti graffiti per poi fotografare le persone che passano e interagiscono con loro. I

l risultato è una serie di graffiti altamente creativa che sono magicamente portati in vita! Orion trae ispirazione da molte cose: silenzio e  pensiero, esperienze e ricordi, felicità e sofferenza.

Lasciatevi affascinare dai lavori di questo talento scorrendo la gallery!

http://www.alexandreorion.com/_orion.htm

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Che dire, lui è un grande artista, e questa un’opera per beneficenza.. quindi ancora più uno splendido lavoro!

Contesa tra oltre 700vip, è la prima Audi A1 ad aver attraversato la Manica.

“‘Questo è l’oggetto più emozionante che abbiamo mai avuto in asta al Tie White’, ha detto Elton John

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La mia mente è così alterata…
sono allucinata
sono strafatta

Sballo psicosomatico
effervescenza fluorescente
paranoia insostanziale
languidezza sensuale
shakerato di algida indifferenza con bollente passione
…miscela fatale per morire d’amore

Alcuni frammenti di un angelo lunatico, o meglio Angelunatica.

Angela Barbato, classe ’87, è un giovanissimo talento nato nella provincia veronese e trapiantato nell’urbe vicentina. O forse è lei, piuttosto, ad aver trapiantato la sua fertile passione artistica su un pianeta lunare, notturno, comunque tutto suo, che SushIT vorrebbe darvi la possibilità di conoscere meglio? Non c’è modo migliore  che lasciare spazio alle sue parole, per calarci nel vivo di un universo costellato di estremi tracciati su carta.

Un talento precoce, approfittiamone per “accedere all’interiorità di un’artista”: raccontaci un pò di te bambina, di cosa ti piaceva disegnare, di quel che provavi e crescendo hai approfondito nella tua attitudine emozionale alla pittura..

Sono stata educata a sviluppare la mia creatività e la mia sensibilità estetica fin dall’infanzia, quando mia madre mi ha insegnato la tecnica degli acquerelli.

Il disegno è sempre stata la mia passione più forte; per ore interminabili disegnavo febbrilmente estraniandomi da ciò che mi circondava, completamente immersa nel mio mondo. I miei soggetti prediletti erano le persone e, soprattutto, gli animali. Avevo un’autentica ossessione per i cavalli, in seguito per i felini e per i cani. Da piccola amavo ritagliare le figure da me disegnate, ottenendo silhouette in carta.

L’interesse per diverse tecniche grafiche, dall’incisione al disegno, passando per il fumetto, un diverso modo di approcciarsi all’arte che permette di…

Più un artista sperimenta e conosce le tecniche artistiche, più possibilità espressive si aprono. Il talento, la sensibilità e l’attitudine artistica devono essere presenti a priori nell’artista, non si  acquisiscono attraverso la conoscenza e la bravura tecnica, arte non è artigianato. Ma se un artista ha già potenzialmente in sé le capacità, più tecniche artistiche egli impara e sperimenta, più la sua creatività può emergere ed esprimersi liberamente.

Grazie alle scuole ho imparato e affinato diverse tecniche e media artistici e questo è stato un notevole arricchimento per la mia personalità d’artista.

La tua attitudine è spiccatamente ritrattistica, specie per quanto riguarda i personaggi famosi: come ce la spiegheresti?

Ho uno spiccato spirito d’osservazione, un’intensa memoria visiva, un profondo senso critico ed estetico. I volti, l’aspetto fisico, i look e il modo di presentarsi delle persone mi colpiscono e si imprimono in maniera forte nella mia mente, sono molto attenta e analitica nell’osservare gli altri.

Per quanto riguarda i ritratti di personaggi famosi mi interessa scavare nel meccanismo che rende l’immagine di un divo un’icona mass mediatica. In questo lavoro è presente una forte influenza che proviene dal mio amore nei confronti di Andy Warhol.

Il mondo odierno, con le sue infinite contraddizioni, entra prepotente anche, forse soprattutto, nel campo artistico, che avverte il bisogno di far sentire la sua voce. Anche tu, individualmente e in quanto artista, ti sei sentita toccata da determinati fatti che passano dalla politica per  riguardare più profondamente la sfera dei diritti umani fondamentali; vuoi presentarceli e commentarceli personalmente?

Credo che ogni persona sensibile sviluppi una coscienza che le fa sentire responsabile anche in minima parte di ciò che accade nel mondo. Per quanto mi riguarda, credo di avere il dovere di parlare del mondo e di ciò che accade, di pormi e porre domande e provocazioni attraverso l’arte. Penso che gli artisti, avendo le capacità di esprimersi attraverso linguaggi che parlano direttamente alla parte psichica dell’uomo, e non fisica, abbiano una possibilità efficacissima di affrontare e riflettere su determinati argomenti.

L’arte che ragiona, rappresenta e parla di se stessa è già stata fatta, fa parte del passato. Da un pò di tempo essa deve rivolgersi al mondo esterno, abbandonando quell’autoreferenzialità che la caratterizzava soprattutto nei periodi di crisi del pensiero artistico.

Molto affascinante il tuo studio dedicato alle silhouette, oggetto anche della tua tesi di laurea, con particolare attenzione alla tua serie di opere che vedono protagonisti inquietanti personaggi Disney in pose suicide. Come nasce questo interesse e questo progetto in particolare?

Dopo aver intrapreso varie strade stilistiche e contenutistiche, sono giunta alla conclusione che la mia pittura esigeva una purificazione. Avevo bisogno di tornare all’essenziale, spogliando la mia arte prediligendo un minimalismo essenziale ed elegante, come le silhouette. All’inizio, inoltre, l’uso delle silhouette mi permetteva di rappresentare contenuti socialmente scottanti, e difficili, in modo sobrio e discreto, ma al tempo stesso incisivo. La silhouette cela e, al tempo stesso, mostra in una figura monocromatica, accattivante e seducente.

La gallery di silhouette dei personaggi Disney re e regine di un mazzo di carte è un’operazione ironica e spiazzante che scardina i valori di felicità e spensieratezza tipicamente associati a Paperino, Topolino & co., punto di riferimento collettivo di distrazione culturale. I personaggi Disney sono caricature di noi stessi destabilizzanti, inquietanti e ironiche, vittime del sistema iperviolento e impazzito, sovrano della contemporaneità.

L’ispirazione dell’arte delle silhouette, proviene dalle installazioni dell’artista contemporanea Kara Walker. Ho incontrato la sua arte alla Tate Modern di Londra, dove le silhouette grottesche e oniriche dell’arista prendevano vita sulle pareti.

Kara Walker mi ha fornito lo spunto di partenza per la mia produzione artistica che, nel corso del tempo, ho evoluto autonomamente seguendo la mia ricerca e sviluppando il mio stile personale.

Si possono cogliere parallelismi nei temi e nei soggetti affrontati nei miei lavori e in quelli della Walker dove si stagliano silhouette scioccanti e ironiche, grottesche e satiriche, feroci e folli, dove si narra di razzismo, violenza, ingiustizie, vergogna, colpa, delirio, ironia e satira.

Il tuo ideale è anche quello di un’ “arte totale”, che si snoda fra attività di diverso genere, coniugando pittura, teatro e non solo: tanti veicoli per favorire un unico bisogno di esprimersi e sfruttare così ogni propria possibilità?

Mi sento figlia del credo della rivoluzione artistica avvenuta a partire degli anni ’60, secondo cui l’arte deve uscire dai propri limiti coinvolgendo più linguaggi in un’unione di più arti. In Italia c’è una forte limitazione e chiusura mentale che vede ogni arte come ben distinta e rinchiusa nel proprio campo di competenza. Se un artista è versato in diverse discipline, più sa sfruttarle e mescolarle insieme, più è un artista totale.

Sogni per il futuro di una giovanissima artista e consigli ad altri talenti emergenti…

Sogni: molti! Innanzitutto riuscire ad andare avanti con i miei lavori artistici in tutti campi: pittura, teatro, passione per la moda e i costumi di scena. Tarsferirmi all’estero, ma riuscire a risvegliare l’interesse per l’arte anche in Italia.

Consigli: non perdere il senso critico ed estetico, non uccidere la fantasia e non soffocare la creatività, non diventare schiavi del sistema economico che svilisce l’arte ad un lavoro in serie appartenente ad un sistema dove capeggiano indiscusse solo star idolatrate.

www.angelunatica.altervista.org

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Andrea Benetti è l’ideatore dell’Arte Nerorupestre, di cui ha presentato il Manifesto alla 53esima Biennale di Venezia presso il Padiglione “Natura e sogni”.

Il Manifesto dell’Arte Nerorupestre è stato presentato anche dal Museo di Arte Contamporanea Italiana in America. Nel corso degli anni importanti nomi della critica e della storia dell’arte hanno scritto in merito alla sua pittura ed ora è stato così gentile da farsi intervistare anche da noi di Sushit!

I suoi quadri conquistano lo sguardo dello spettatore riportandolo alle origini grazie ad un senso del primordiale e dell’incontaminato. In queste opere si può leggere una semplicità che parla di complessità; le potete trovare esposte Rinaldi – Paladino Art Museum Foundation (Lugano – Svizzera), Museo di arte  Contemporanea Fondazione Nazionale Logudoru Meilogu (Banari – Italia), Collezione Facchini La Fenice et Des Artistes (Venezia – Italia), Ambasciata d’Italia in Cina (Pechino – Cina), Pinacoteca Silvestro Lega (Modigliana – Italia), Museo di Arte  Contemporanea Italiana in America San José – Costa Rica, Ambasciata d’Italia  in Nuova Zelanda per il costituendo Museo di Arte Contemporanea Italiana (Wellington – Nuova Zelanda), Pinacoteca Amedeo Modigliani (Follonica – Italia), Istituto Europeo Pegaso (Foggia – Italia).

Com’ è iniziata la tua “AVVENTURA”?

Iniziai fin da bambino a sentire l’esigenza di creare, di esprimere una parte di me, attraverso le varie discipline che l’arte e la creatività in generale, offrono. Poi, dopo varie esperienze, tra cui 10 anni nel mondo della musica come professionista, passai alcuni anni scrivendo testi, soprattutto comici.  Successivamente, ho ripreso la mia vecchia passione adolescenziale per la pittura, che avevo studiato al liceo artistico e presso la “bottega” di alcuni artisti bolognesi. Un giorno mi alzai convinto di voler diventare un pittore professionista e vivere della mia arte (idea alquanto folle, ma con determinazione ed impegno è realizzabile). Contemporaneamente iniziai anche a scrivere sui temi che trattavo con la mia pittura e, quest’ultimo, è diventato un mio “modus operandi”, ovvero di scrivere e dipingere su un medesimo tema.

Qual’è il significato della pittura neorupestre e cosa vuoi comunicare?

All’alba dell’umanità, ancor prima di inventare la scrittura, l’uomo sentì la necessità di comunicare, di lasciare una traccia di sé nel mondo; tutto ciò lo fece grazie alla pittura. Quell’uomo si rapportava ogni giorno con il sole, con la terra, con l’acqua, con il cielo… integrandosi armonicamente nella natura; e quand’anche la natura non rappresentasse una minaccia, egli la rispettava, con il rispetto che si deve ad una divinità. L’uomo contemporaneo ha rinnegato quei limiti e calpestato quel rispetto, ponendosi prepotentemente al centro del mondo e mettendo al primo posto le proprie esigenze, il proprio egoismo. Così facendo, ha stupidamente distrutto un incantesimo e profanato la sacralità della natura e della vita. Allora, facciamo un passo indietro. Azzeriamo e ripartiamo da quel doveroso rispetto per la natura e per l’essere umano; l’arte deve ripartire dalla prima forma artistica, ovvero l’arte rupestre. Purtroppo, nella società, l’uso improprio e l’abuso di molti beni è ormai la prassi, divenuto un consolidato “modus vivendi” . Siamo dunque “pilotati” come una macchinina radio comandata ed abbiamo la sensazione di essere liberi, di decidere noi ciò che determina il nostro futuro; ma liberi non lo saremo mai, finché non spezzeremo questa catena di tacita e, molto spesso, inconsapevole obbedienza. Ecco perché l’arte deve simbolicamente ripartire dalle proprie origini!

Se ti chiedessi l’opera che per te è più importante?

Sinceramente, sarà scontato dirlo, ma le opere sono come figli e si amano tutte e, come capita sovente coi figli, si amano un po’ di più quelle che ti danno maggiore soddisfazione.
Quindi sicuramente le opere pubblicate nel catalogo della Biennale di Venezia e le otto opere che sono state acquisite nelle collezioni permanenti di musei, istituzioni internazionali ed importanti collezioni private.

Un progetto importante invece?

Il progetto che più mi sta a cuore è il libro “Esplorazione inconsueta all’interno della velocità” e le dodici opere che ho realizzato sul tema. Dopo un’attenta osservazione della metamorfosi comportamentale dell’uomo, sviluppatasi negli ultimi due secoli di storia, appare chiara la relazione tra i mutamenti comportamentali dell’individuo ed il progredire della velocità, introdotta nella dinamica  ociale dalle scoperte meccaniche, tecnologiche e scientifiche. La genesi cruciale del processo di “velocizzazione” coincide con l’utilizzo su larga scala della macchina a motore nei settori della produzione, del trasporto, della comunicazione, ecc. Perché questa sete di velocità colpisce l’uomo contemporaneo? Perché non si sottrae a questa folle corsa? Ritengo che le ragioni siano molteplici. Sicuramente una motivazione è che l’uomo sia ormai un ingranaggio, prigioniero di un meccanismo inarrestabile, che ha creato lui stesso. Ho ipotizzato, allora, la “teoria della fisarmonica”, in cui il musicista accresce nello strumento il numero delle “pieghe del soffietto”, con l’intento di aumentarne l’estensione; ovviamente, oltre la lunghezza delle braccia del suonatore, l’estensione del soffietto non potrà andare ed il probabile risultato sarà unicamente di peggiorare la qualità del suono. alla ricerca di controllare tutto, “l’effetto fisarmonica” appare come un’impropria risposta materialista dell’essere umano, all’atavica ricerca di immortalità.

www.andreabenetti.com

www.facebook.com/AndreaBenetti.Archivio

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Un cancello e uno spray.. nulla di nuovo in una città come Berlino!

Ma provate a cambiare il vostro punto di vista..

..ancora un pò!

.. non è spettacolare?? Giochi di prospettiva anamorfica!

via: 81m80.it

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In mostra a Roma dal 17 al 20 giugno presso il Forteprenestrino C.S.O.A troviamo Crack, fumetti dirompenti, sesto festival internazionale del fumetto, arte disegnata e stampata.

who do you HATE?
who do you LOVE?
or do you HATELOVE?

Vi invitiamo a visitare anche il blog dell’evento, sicuramente molto interessante per gli amanti del fumetto! crack.forteprenestino.net

Non solo fumetti, ma anche arte disegnata e stampata, con installazioni molto diverse tra loro, qui vediamo un esempio realizzato da HERO, nel suo sito: hero-parasite.com potrete trovare altro materiale!

Andremo a farci visita!

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Miss Mirma, alias Martina Corradi, è una giovane artista modenese, pittrice e illustratrice.

Diplomata in Grafica Pubblicitaria e laureata poi in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, ha lavorato poi come visual designer/stilista presso l’ufficio stile di Alessandra Gandolfi per brand quali Guru, Ferrari e Lapin House.

Nelle sue opere tende a raffigurare un mondo fantastico, sognante e velato, avvolto in un alone di malinconica cupezza.

“Amo raffigurare ritratti di donne, volti i cui occhi devono  esprimere stati d’animo ed emozioni, che il più delle volte sono pacate ma ugualmente incisive.”

Il suo universo è popolato da animali, come se ad ogni persona raffigurata si associasse una creatura del mondo animale. Ama cervi, civette, corvi, falene.. animali del bosco che possano ricoprire un ruolo fiabesco.

“Le mie ispirazioni nascono dai paesi nordici, dagli antichi libri di favole  delle fiandre amo il simbolismo tipico di quei luoghi. Sono stata a Bruges e sono rimasta colpita dalla assoluta irriverenza degli artisti del primo novecento,tra cui Delville, Fernand Khnopff, Splinder.. e poi ho amato la assoluta negazione dei soliti canoni ecclesiastici di rappresentazione.”

Il pullulare di simboli l’ha ispirata quindi a creare la sua prima linea  di T-shirt, “Black Forest“, che si ispira infatti al popolo del bosco: il cervo rappresenta il mondo animale, la donna rappresenta il genere umano sovrastato da una farfalla, simbolo dell’aria e di ciò che non riusciamo ad afferrare, poi vi  è il teschio, specchiato simbolo di morte del corpo e dell’ anima. Infine un triangolo racchiude i tre elementi come la vita racchiude noi…

Questa t-shirt, per Martina, funge da mezzo di rapida diffusione di un’idea che deve arrivare alle persone sottoforma di oggetto d’uso comune, una sorta di messaggio subliminale, per far sì che la sua arte possa viaggiare oltre le mura di una galleria.

www.missmirma.com

Lo store: missmirma.bigcartel.com

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Supereroi umani. Adrian Tranquilli è un artista australiano di nascita, che con i suoi lavori ci ha portato fisicamente ed emotivamente più vicino a loro, a quelle figure che spesso ci hanno fatto sognare. Adrian ci mostra un lato tranquillo dei super eroi, una parte fragile alla quale non siamo abituati, un modo per discostarsi dal solito stereotipo, anche nel mondo dell’arte.

Ne abbiamo di tutti i generi, da wolverine a superman, da spiderman a…

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Non vi siete stufati delle solite strade tutte grigie?

A Berlino, in Rosenthaler Platz, un  gruppo di ciclisti ha versato diversi litri di vernice colorata a base d’acqua nella piazza, in un’azione durata pochi secondi!

Come se non bastasse, altri motociclisti hanno gettato della vernice davanti alle automobili che aspettavano ferme al semaforo; gli automobilisti volenti o nolenti sono diventati i protagonisti di quest’opera di guerriglia pubblica! Le auto, praticamente costrette a passarci sopra, hanno colorato l’intero incrocio.

Date un’occhiata al video e alle immagini per farvi un’idea del risultato!

via: abitare.it

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Uomo invisibile, camaleonte, colui che si mimetizza, il fantasma, potremmo chiamarlo in svariati modi ma Liu Bolin, giovane artista cinese sa veramente “nascondersi”!
Liu, si mimetizza, si nasconde in luoghi pubblici, dipinge e colora i propri vestiti e si fa inghiottire da ciò che lo circonda. Ed è questo che lui vuole sottolineare con la sua arte. Cosa porta lo sviluppo dell’essere umano?  Cosa porta tutto questo sviluppo tecnologico? “Porta l’uomo a scomparire nell’ambiente che lui stesso ha creato” dice l’artista.
Ma ora godetevi questa bellissima serie di scatti!

Via: corriere.it; ninjamarketing.it; artnet.com

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Oggi vi parliamo di “eventi mondani”…
Ma no, non vi preoccupate, non abbiamo cambiato linea! SushIT resta sempre il vostro sito di riferimento per tutto quel che riguarda la creatività!
E venerdì ha presenziato all’inaugurazione di un’esposizione presso la galleria Yvonne Artecontemporanea di Vicenza, dove resteranno in mostra sino al 15 maggio i lavori di 7 giovani artisti del territorio selezionati nell’ambito del concorso ArtsLive per la Giovane Arte in Veneto, indetto da DelirioCaneva.

Protagonisti della mostra collettiva di premiazione sono in realtà 22 artisti, le cui opere sono dislocate in tre sedi: Yvonne Artecontemporanea Selection a Vicenza; XX.912.FABBRICArte a Piombino Dese, Padova; Pieve Antica, Ronco all’Adige, Verona.

La curatrice del progetto, Carolina Lio, ha presentato l’esposizione di Vicenza delineando quelle che sono le connessioni tra il concorso, la galleria ospitante e il lavoro degli artisti coinvolti: la volontà di rilettura del presente lungo prospettive che siano in particolare quelle dei giovani, una linea di ricerca estetica che si coniuga con i temi contemporanei e una tensione all’espressione della leggerezza e della positività come approcci al mondo d’oggi.

L’evento è stato inoltre reinterpretato musicalmente da una performance live DJset, secondo l’ideale di contaminazione di Artslive, che si impegna a unire “giovani produttori di significati”, siano essi visual, fotografi, pittori, musicisti e così via, per dare spazio alla loro creatività e creare un’alchimia di suoni e visioni che sia espressione del loro talento.

Siete interessati? Ecco le coordinate giuste e qualche assaggio visuale di quel che troverete:

Yvonne Artecontemporanea
Contrà Porti 21 – VICENZA
periodo: 9 aprile – 15 maggio 2010
orari di apertura: martedì-sabato 15.30-19.30

artslive.it

Cataloghi & DJset

Veronica Organo, Koo-koo, 2010

Nicola Bettale, Il feltrinangolo e La draghicontrada, 2006

Dania Zanotto, Elmo e Vestito

Manuel Coletto, (an)architecture, 2010

photos by: samira

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Sempre a caccia di idee innovative e inusuali, questa volta SUSHIT ha il piacere di proporvi un incontro con un artista parmigiano, Fosco Grisendi!

Classe 1976, vive e lavora a Montecavolo di Reggio Emilia, dove espone in diverse gallerie, tra cui CSArt Vetrina, di cui vi abbiamo già parlato a febbraio scorso per Dieci di Cuori, la mostra temporanea che ospitava tra l’altro una delle sue tele, Are we out of sight?.
Ora invece è giunto il momento per lui di un’esperienza a nostro giudizio particolarmente interessante: Fosco sarà protagonista dal 27 marzo al 29 maggio di una personale allestita nello show room robertodallari di Parma.

Dodici dipinti ad olio su tela (e non solo!) che affrontano i temi più importanti dell’attualità: dalla famiglia al disagio giovanile, dalla violenza alla ricerca del proprio nome, della propria identità. E appunto a questo filo conduttore si richiama il titolo della mostra: My Name, in riferimento ad una pittura che muove alla ricerca di un significato personale e allo stesso tempo collettivo e che rimane, come quest’ultimo, riconoscibile ma sempre enigmatica, coi suoi personaggi e simboli estrapolati dalla vita quotidiana e ricombinati in un mondo a tinte forti.
La particolarità di questo evento e soprattutto della ricerca dell’artista? Una modalità espressiva che rompe gli schemi tradizionali che vogliono l’arte pittorica vincolata a una parete, e questa stessa arte che si proietta su un’altra tela, quella delle comuni t-shirts che ogni giorno indossiamo: l’elemento estetico tenta ancora di infiltrarsi nella trama di un sistema sempre più commercializzato e omologante, il desiderio di unicità bussa ancora alla porta per trovare espressione. Proprio durante il vernissage dell’esposizione verranno presentate le tees dipinte a mano da Fosco, veri e propri pezzi unici in grande stile.
Ma facciamoci introdurre da Fosco stesso nel suo mondo!

Come presenteresti te stesso, come persona e come artista, in poche righe?

Incontro sempre molte difficoltà nel parlare di me ed è proprio attraverso la pittura che do sfogo a dei sentimenti che raramente riesco a esprimere a parole. Ancora più complicato è per me scindere l’artista dalla mia persona: nella mia arte c’è tutto me stesso.

In che modo ti sei avvicinato al mondo dell’arte e cosa ti ha spinto a tentare di farne parte?

Fin da piccolo i miei pensieri si sono sempre manifestati sotto forma d’immagini. Inizialmente non avevo il coraggio di riprodurle perché non credevo di poterne essere in grado visto che mi mancava la tecnica. All’età di ventisette anni, visitando il Museo Van Gogh di Amsterdam, ho capito che non è indispensabile aver studiato la tecnica per poter diventare un artista, ma che è forse più importante saper trasferire sulla tela un sentimento, operazione che nessuna scuola può insegnarti. È stato dal quel momento che ho deciso di iniziare a dipingere. La mia speranza è di riuscire un giorno a trasmettere, attraverso le mie tele, le stesse emozioni che provo di fronte a certe opere d’arte.

Sei parmigiano e vivi e lavori a Reggio Emilia; ti piacerebbe che il tuo lavoro avesse risonanza anche in territorio nazionale e magari all’estero?

Credo che l’arte, in quanto forma d’espressione, debba farsi sentire ovunque e che ogni artista, per compiere un proprio percorso di crescita, debba necessariamente confrontarsi con nuove realtà.

My name: qualche notizia e commento sulla tua prossima e vicinissima esposizione personale ?

My name nasce da un’idea piuttosto innovativa di Roberto Dallari, titolare dell’omonimo negozio d’abbigliamento nonché spazio espositivo al centro di Parma, il quale, vedendo le mie opere, mi ha proposto di esporre i quadri assieme alle t-shirt da me realizzate. La mostra, grazie alla preziosa collaborazione di Chiara Serri, vuole narrare,  attraverso opere recenti e non, il mio percorso personale, da qui il titolo dell’esposizione.

Parlaci un po’ delle tue opere: come si collega il lavoro pittorico più tradizionale con quello più innovativo e commerciale dei “dipinti su t-shirt”?

Sia per il lavoro pittorico che per i dipinti su t-shirt parto da un mio sentimento personale. Colori, soggetti e tecnica sono gli stessi. Le t-shirt nascono in un momento successivo ai quadri. L’arte pittorica, rinchiusa fra le mura di una galleria d’arte, spesso mi risulta fine a se stessa, pare riservata ad un pubblico ristretto. La t-shirt invece mi ha permesso di dare più visibilità all’arte, di avvicinarla alla gente dando la possibilità a ciascuno di personalizzare il proprio modo di vestire. Mi piace l’idea di un capo d’abbigliamento non necessariamente commerciale ed omologato.

Domanda un po’ più canonica: tinte decise, campi cromatici definiti, silhouettes  un po’ alla Keith Haring, scenari riecheggianti De Chirico in cui si intersecano simboli emozionali e strani congegni moderni… a quali artisti ti ispiri particolarmente?

Da un punto di vista estetico mi sento molto vicino a Keith Haring , Roy Lichtenstein e alla Pop Art in generale. Da un punto di vista concettuale invece mi rivedo molto in Basquiat , Van Gogh e Banksy: i primi per la loro capacità di esprimere un loro disagio interiore, l’ultimo per la maestria nel sintetizzare messaggi molto importanti attraverso poche immagini.

Un giovane talento ad altri giovani talenti: la tua personale esperienza e qualche consiglio?

A chi, come me, cerca di districarsi nel mondo dell´arte, posso riportare la mia personale esperienza di sacrifici e rinunce. Non è facile trovare persone disposte ad investire sui giovani, ma negli ultimi anni mi sono accorto che se ci si riunisce in gruppo si possono ottenere grandi risultati.

www.csart.it/foscogrisendi

Fosco Grisendi, My Name, 2009, olio su tela di juta, cm.60×80

Fosco-Grisendi, In your message you said, 2010, olio su tela di juta, cm.80×60

FoscoGrisendi, There’s a hill on an Island, 2010, olio su tela di juta, cm.80×100

Fosco Grisendi, Good Trip

Fosco Grisendi, I can’t stay

Fosco Grisendi, It’s better than I thought

Fosco Grisendi, One

Fosco Grisendi, Someday

Fosco Grisendi, Twisted

Fosco Grisendi, Harder to Breathe

Un ritratto dell’artista

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Una dose di divertimento creativo per il weekend in arrivo?Lo spazio Brancaleone a Roma, di cui vi avevamo già parlato per il Meeting dei Visual Artists LPM di fine maggio prossimo, propone una tre giorni esaltante!

Il programma già ricco e intrigante di AB Factory, una sorta di installazione di diverse forme d’arte nel “garden” del Brancaleone (pittura, fotografia e proiezioni su grande schermo), si completa con 5 temporanee per 5  fine settimana tra marzo e aprile, che iniziano il giovedì con la proiezione di un film e si concludono il sabato con un finissage performativo.

Stavolta, dal 18 al 20 marzo, tocca alla mostra personale di illustrazione/fumetto di Emidio Giovannozzi, al film Fritz il gatto di Ralph Bakshi, alla consueta proiezione del film-documentario di Andrea Segre Magari le cose cambiano e alla performance teatrale tutta alternativa di Graziella Salerno Il principe azzurro è gay – una storia al femminile.

Il tutto accompagnato da serate in musica, che si concluderanno alla grande con il live dei Motel Connection!

Sushit vi offre la locandina dell’evento e una panoramica del sito: visitatelo perché la grafica è da applauso, e per finire… Have fun!

www.brancaleone.eu

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Ve le ricordate le famosissime ragazze-cartoon dall’emotività intensa ed esplicita, raffigurate col loro fumetto in stile pop?

Ebbene, niente di tutto ciò per l’esposizione dedicata dalla Triennale di Milano a Roy Lichtenstein, visitabile sino al 30 maggio e intitolata Meditations on Art.
Più di un centinaio di opere, meno note e persino mai esposte prima, dell’artista statunitense, che torna in Europa (a Milano, per poi spostarsi a Colonia) con una grande mostra antologica curata da Gianni Mercurio (già noto per aver firmato alla Triennale di Milano importanti mostre dedicate ad Andy Warhol, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat) e realizzata in collaborazione con The Roy Lichtenstein Foundation.

L’articolazione in sezioni tematiche rende più agevole addentrarsi nel poliedrico lavoro che ha impegnato Lichtenstein dagli anni Cinquanta ai Novanta, ispirato all’arte dei Pellerossa e alla storia americana come all’iconografia medievale e  alle maggiori correnti artistiche di primo Novecento: dal Cubismo all’Espressionismo, dal Futurismo al Modernismo, dall’Astrattismo minimalista all’Action Painting, riletti da uno dei pittori cui il Postmoderno deve di più.

Una rielaborazione della tradizione che converte, in pieno spirito pop, la dimensione ineffabile della pittura in oggetto stampato e commercializzato.

Un viaggio esemplare nell’arte dei nostri giorni che si presenta come uno dei maggiori eventi espositivi dell’anno.

via: triennale.it e polkadot.it

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Ormai Alice è un pò ovunque, una vera e propria mania, l’eroina indiscussa di oggi!

Con l’attesissimo film di Tim Burton, Curiouser & Curiouser ha invitato alcuni fra i più illustri nomi del panorama artistico contemporaneo per rappresentare la loro visione della storia e celebrare il mondo colorato e pazzesco di Carroll.

Le opere sono esposte nella galleria d’arte Nucleus e potete vederle (e magari anche acquistarle!) tutte qui.

www.gallerynucleus.com

via: waitmag.com

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