Marco Crosera, Treviso, classe 1986.

Laurea con 110 e lode all’Accademia di Belle Arti di Venezia e si vede. Marco sperimenta molte possibilità dell’arte, video, pittura.. con uno stile molto particolare, quasi tetro, ma mai banale.

Questo è il suo sito internet: www.marcocrosera.tk

Ma vediamo di conoscerlo dalle sue parole:

Come vedi il veneto, con precisione il trevigiano per il mondo artistico?

Il Veneto, come un po’ tutta Italia, vive di inerzia del ruolo da regina che ha ricoperto in passato. Ora però il mercato è cambiato con l’entrata in scena di frontiere diverse dettate da nuovi materiali ed approcci, ma le galleria non sembrano rendersene conto (o volerlo fare). La forbice quindi tra la quantità di paesaggi ad olio che si riescono a trovare, rispetto per esempio ad installazioni interattive  o alle videoproiezioni è purtroppo ancora ampia. In quest’ottica Treviso rappresenta tutt’altro che un’eccezione.

Pensi riuscirai a vivere d’arte? Oppure hai altri obiettivi?

Più che altro vorrei vivere d’arte, ma oltre all’incognita  del “ma succederà?”, c’è anche quella del “e se sì, quando?” e del “e nel frattempo quindi?”. Essendo davvero fosca come questione mi sforzo di non pormi troppo il problema, e di arrotondare in veste di free lance con i suoi fratellini minori (web design, programmazione, grafica pubblicitaria, modellazione 3D, compositing video..).

Chi ispira maggiormente i tuoi lavori?

Molti mi chiedono se io guardi ai grandi del surrealismo come prima ispirazione, ma non è propriamente corretto. Non che non li consideri, beninteso, anzi li ho sempre studiati con morboso piacere. Quello che maggiormente ricerco però è una sintesi di senzazioni a livello ambientale; ricreare cioè un mood, dettato da determinati elementi catalizzatori, che permetta un’immersione verso ricordi ed odori.
Preferisco quindi dirigermi verso i film di Aronowsky o di Lars von Trier, a cui in realtà sono stato avvicinato da una persona a me molto vicina in tempi relativamente recenti.

Hai qualche amico da presentarci?

Persone che stimo profondamento sia dal lato umano che per la loro competenza e bravura nei rispettivi ambiti sono l’illustratore Stefano Franchetto (una vostra vecchia conoscenza, avendo già scritto di lui in passato) e Matteo Pignatelli (www.matteopignatelli.it) nell’ambito della modellazione 3D e dello sviluppo di filmati flash.

Descrivici il tuo spazio di lavoro.. anche con qualche emozione racchiusa in qualcosa che solo tu puoi vedere.

In realtà c’è ben poco da dire su un angolo della casa più vicina a un magazzino che altro. È un accumulo di strumenti e ricordi (che strizzano spesso l’occhio ad una archeologia informatica  anni ’80-’90). Sono solito infatti conservare i processori di tutti i miei precedenti computer (alcuni drasticamente deceduti, altri semplicememte sostituiti), quasi a riconoscimento dei loro sforzi.

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I suoi collegamenti:

www.artereazione.org

www.vimeo.com/bornholmer

E ora qualche domanda per capire meglio il suo lavoro, come la pensa, e come si vive a Berlino.

1. Nelle tue immagini vedo il colore come parte integrante della forma, quasi a
realizzarne un’unica visione astratta, in parole cosa vorresti trasmettere?
Parto subito da un esempio. In elektro-kokon si parte da una riflessione sulla struttura
dell’universo. L’universo come rete di onde elettro-magnetiche. Quando un essere compie
un’azione (nasce, si evolve, procrea, muore) sprigiona un’energia che tocca una o più di
queste onde che, come corde di un violino, vibrano e suonano. La “macchia” di colore nero,
il performer, nel video cosi come nella performance live, vuole rappresentare uno
qualunque di questi esseri: animale, pianta, pianeta, galassia che sia. Per tal ragione è
astratta, indefinita, universale.

Descrivimi le emozioni che vorresti trasmettere con le tue immagini, spesso coincide
con quello che ci vedono gli altri?
Nei miei progetti individuali così come in quelli di Artereazione si parte spesso da teorie biofisiche
o socio-antropologiche complesse, in un certo qual modo affascinanti perchè si
trovano al limite tra scienza e filosofia. Tutto passa però per il processo artistico che
scardina, semplifica, porta all’essenza la ragione per renderla emozione. L’emozione è
linguaggio universale e nel progetto artistico la teoria quasi si perde. Ma grazie
all’approccio multimediale, interattivo il visitatore/spettatore ha la possibilità di entrare
nell’opera, ricevere e dare feedback, vivere un’esperienza artistica che diventa una vera e
propria esperienza di vita.

Dall’estero come vedi l’Italia? E perchè siamo visti come i migliori creativi (forse di
un tempo) del mondo, ma il nostro sogno rimane quello di andare altrove?
Molto creativi noi italiani, è vero, spesso però pecchiamo di “romanticismo”. Ci crogioliamo
nell’etichetta dell’artista, nel suo clichè. O forse l’ambiente che ci circonda ci fa comportare
così. In altri paesi il settore artistico è più al passo coi tempi. Gli artisti si costruiscono
professionalità, competenze, specializzazioni; fanno investimenti, partnership; hanno a che
fare con clienti, investitori. Insomma gli artisti sono professionisti che rispondono ad un
mercato dell’arte che non è fatto più solo di gallerie, festival e teatri, ma anche di privati,
fondazioni, aziende che investono nell’arte, o ancora meglio, che comprano un prodotto
artistico. Forse per questo noi italiani andiamo altrove. Per sentirci e comportarci come
professionisti.
Berlino, cosa ne pensi?
Premessa: Berlino è al momento senza dubbio la capitale europea dell’arte. Premessa
necessaria visto ciò che dirò: a mio parere, la quantità di “arte” prodotta ed esposta a
Berlino è superiore alla sua qualità. E’ davvero difficile trovare qualcosa di interessante tra
le decine di vernissage e finissage che allietano ogni weekend berlinese. Credo che il
motivo principale (ce ne sono altri) per cui tanti artisti (me compreso) siano attratti da
questa città è molto semplice e schietto: Berlino costa poco. Questo aumenta la quantità e
abbassa la qualità. Tuttavia nella moltitudine nascono anche il confronto e la competizione.
Per esempio nel mio specifico ambito artistico multimediale ho trovato una professionalità a
livello tecnico e organizzativo che mi ha aiutato a ridimensionare il mio Ego e mi ha spinto
ad acquisire maggiori competenze per poter competere con gli altri.

Descrivi il tuo percorso formativo e dai un consiglio a chi è alla prime armi?
Un percorso che può sembrare forse atipico. Learning-by-doing. Senza alcun tipo di
formazione accademica, ho cominciato a lavorare saltuariamente come assistente,
collaboratore a progetti artistici di vario genere. Così ho imparato un approccio pratico al
lavoro artistico. Ed ogni volta ho imparato e sviluppato delle tecniche, dei linguaggi. Poesia,
performance, video, multimedia. Varie discipline certo, ma ho capito pian piano che non
erano indisciplinate le mie inclinazioni, solo multidisciplinari. Così ho cominciato a
sviluppare un mio proprio linguaggio artistico lavorando su miei progetti e coinvolgendo altri
giovani artisti. Insieme ad alcuni di loro si è deciso poi di dar vita ad un network artistico,
Artereazione, per continuare ad imparare dal mutuo confronto e sperimentare nuove
modalità di espressione artistica. Per onor di cronaca ho poi deciso di frequentare una
scuola, corso serale a quella del cinema.
Il consiglio?Prima di tutto bisogna trovare il proprio mezzo di espressione. Poi viene il resto.
Credi nei collettivi? E perchè è così difficile realizzarli e coordinarli?
Reputo imprescindibile il lavoro di gruppo in alcuni ambiti artistici quali produzioni video,
teatrali o multimediali. Poi il collettivo permette lo scambio di idee e tecniche, processi
creativi multiprospettici e la divisione di responsabilità e competenze. Spesso però i
collettivi diventano una firma e quindi si chiudono in sé stessi e rischiano di diventare
statici. Noi con Artereazione abbiamo scelto una formula diversa: il network artistico (si
potrebbe forse chiamare anche cooperativa). Il nome Artereazione vale solo come
produzione e non come autore. Esiste ovviamente una direzione artistica (linea estetica,
concettuale, tecnica, etc…), ma di fatto un progetto può avere autori e collaboratori diversi
dipendendo dalle necessità, dalle caratteristiche del progetto stesso.

Domanda geek. Strumenti che utilizzi?
Nell’ambito multimediale sono davvero tanti gli strumenti che bisogna padroneggiare. Io
personalmente utilizzo: come software, principalmente le suite FCP e Adobe per grafica e
video editing, VVVV per interazione e generazione audiovideo realtime, Resolume per live
streaming; come hardware, MIDI controller Korg, sensori di movimento e bio-metrici IcubeX
e vari modelli di videocamere e videoproiettori; e poi i cari vecchi attrezzi da
carpenteria per gli allestimenti! Poi durante i progetti collaboro sempre con qualcuno che
complementa le mie competenze così all’interno di Artereazione ci sono persone
specializzate in software e hardware per live streaming (isadora, vdmx), physical computing
(arduino), sound design (reaktor, processing, max/msp), progettazione scenografica
(vector, autocad) e poi gli immancabili performer specializzati in vari generi performativi.

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L’iniziativa della “factory” è recente (fine 2009), nata a ridosso di una vita professionale vissuta per entrambi nell’illustrazione, la grafica e, soprattutto, la progettazione editoriale. Esperienze che, in parte, influenzano la produzione.

Davide Lopopolo è di Milano, diplomato al II° Liceo Artistico di Brera-Milazzo durante uno dei periodi che lui stesso reputa più liberi, creativi e stimolanti. Si è specializzato in fotografia, formandosi in agenzie di pubblicità e scegliendo la libera professione per occuparsi di art direction, progettazione editoriale e graphic design.

Loredana Cattabriga è nata a Napoli e si è diplomata al I° Liceo Artistico di Milano. Si è formata in un piccolo studio creativo di architetti, illustratori e designer milanesi, scegliendo poi la strada della grafica editoriale nelle maggiori case editrici italiane.

L’attuale crisi li ha spinti a riprendere in mano tele, pennelli (e computer Mac), per tuffarsi in quello che è sempre stato il grande amore: l’arte, il creare e la manualità, con la convinzione di avere, forse, qualcosa di interessante da dire.

Davide, dopo alcune partenze che non lo convincevano al cento per cento, è giunto alla creazione tridimensionale di installazioni e robot, con puntate nel figurativo, la grafica e i multipli. Loredana rappresenta invece la parte più creativa e visionaria della factory, grazie anche all’ottima mano nell’uso di colori e pennelli.

Dicono di loro: “Insieme formiamo lo Yin e yang che si equilibra e si sprona a vicenda, anche a costo di aspri conflitti.”

Di seguito, 4 serie diverse:

- Uomo Nero: acrilici su tela di dimensioni varie. L’uomo nero ormai non fa più paura. Oggi l’uomo nero porta giacca e cravatta e macina affari.

- Robot: realizzati con materiali di recupero, cartapesta e acrilici. Le dimensioni variano da 1,80 metri (robot esposti al Superstudio Più), a 55 cm.

- Serie Grafica: poster realizzati in stampa digitale numerata e con interventi che variano dai pastelli a olio al feltro. Formato 70×100.

- Varie: comprendono acrilici su tela (Nirvana, Fiori&Cuori), acquerelli e pastelli (cane&gatto) e acrilici.

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La tua è un’idea di arte fuori dagli schemi…

Attacco la societa’ materialista con i suoi falsi moralismi, le sue bieche congiutture, do’ una caricatura della societa’ odierna con un prodotto artistico deformato, viviamo in una societa’ deformata e dai mass media che inseguono valori ormai inesistenti se non mostruosi, in cui tutti indistintamente ci riconosciamo. La deformita’ mentale odierna viene ormai sdoganata da tutti i parametri sociali e anzi viene esaltata dalla comunicazione di massa.

I tuoi primi passi nel mondo dell’arte quali sono stati?

Sono stato in America, Africa ed Oceania dove a Sydney ho frequentato un corso d’arte organizzato dall’Ente locale per Giovani Artisti che mi diede l’opportunità di accrescere la sua competenza in campo artistico e migliorare le mie abilità in campo tecnico.

Il tuo ultimo progetto artistico è “SuperSkull”, com’è nato e cosa vuole comunicare?

E’ un progetto artistico e culturale dove l’Arte si fonde ancora una volta nel socio-contemporaneo. Il supercranio è disegnato da me, l’ho ideato e progettato e tutt’oggi lo dipingo, in tutti i suoi innumerevoli mutamenti e stati d’animo. La sua testa enorme deformata è la conseguenza di un ‘alterazione genetica per poter aumentare a dismisura le potenzialità del suo cervello nel poter immagazzinare sempre più informazioni e sapere tecnologico. La sua bocca a forma di sega elettrica smisuratamente aperta è un grido , un urlo contro una società stereotipata e sempre più invasiva nella sfera personale umana, c’è una piccola figura un piccolo uomo sopra la sua testa che rappresenta la sua coscienza, come un piccolo grillo parlante, che purtroppo non viene quasi mai ascoltato con la conseguenza dell’imbarbarimento mentale e morale odierno. Ha un solo occhio poiché l’altro è occupato a fare altro come spesso succede nei nostri rapporti interpersonali sempre più spesso fugaci e senza una dovuta attenzione.

La tua arte trova posto su diversi supporti,a quale sei più affezionato?

Sicuramente nelle mie tele in lamina di ferro spesse 1 millimetro, il ferro ha dell’anima dentro ed e’ immortale, son sculture pitture.

C’è qualche consiglio che daresti ai ragazzi che vorrebbero vivere di arte oggi?

Uscire dagli schemi, essere unici porta a non seguire e a non copiare nessuno.
E’ necessario avere un linguaggio assolutamente chiaro per tutti ma unico raccontatore della vita.

www.marcoantonio.it

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Ne derivano immagini le cui suggestioni di non finito, approssimato e temporaneo prevalgono rispetto alle caratteristiche patinate dell’immaginario a cui si rifanno.

www.paolo-caravello.com

Gli abbiamo fatto quache domanda, per scoprire qualcosa in più su di lui e i suoi lavori..

Chi è Paolo? Da dove viene, e dove sta andando?

Vengo da Roma, e dalla facoltà di architettura. Sono andato in varie direzioni in passato, quasi sempre inaspettatamente e quasi mai mi sono pentito di aver provato nuove strade. Non so davvero dove stia andando, né geograficamente né metaforicamente, fare piani non è il mio forte.

Come ci spieghi questa scelta dei materiali?

É una conseguenza dell’aspetto più gestuale del mio lavoro: interagire con scarti, ritagli, materiali poco costosi o trovati mi dà la possibilità di tenere lontane le inibizioni, rielaborando quello che ho imparato e che è chiaramente frutto delle mie esperienze e del mio background, ma in maniera istintiva.

Carta riciclata, tovagliette, cartoncini vari e colori acrilici sono per me strumenti ideali per esprimere fattivamente e visivamente il tema dell’imperfezione.

Come ci spieghi il senso di “non finito, temporaneo” delle tue opere?

Sono intereressato al grezzo, alla bozza, alla caducità. In questo mi ispiro alla streetart, che seguo da sempre. Nell’idea di creare qualcosa che potrebbe durare anche solo poche ore vedo, in maniera forse iper-romantica, la constatazione del continuo, a volte imperceccettibile mutare delle nostre vite.

É il tema della caducità, appunto, che mi spaventa e mi affascina. Per esorcizzarlo mi servo di elaborazioni grafiche digitali che in qualche modo fissano il “non-finito” in un certo frammento di temporale.

Sappiamo della tua prossima esposizione a Glasgow: punto di partenza o un primo traguardo?

Sono molto attento a quello che succede all’estero. Aver vissuto a Londra per qualche anno mi porta ad avere una visione ampia del contesto in cui mi muovo. La collettiva a Glasgow è senz’altro una delle tante tappe del mio percorso, un’opportunità per collaborare con altri artisti alla quale tengo molto.

Cosa ne pensi del panorama artistico italiano?

Molto si muove, ma spesso ci si scontra contro un muro. Il lavoro dei creativi non è considerato adeguatamente e quasi sempre è sottopagato o non pagato affatto. Ma detto questo, credo che il sentimento diffuso di assenza di opportunità in questo paese vada affrontato in maniera propositiva, attraverso l’autopromozione, allargando i propri orizzonti e lavorando con consapevolezza del proprio valore, e con professionalità.

Di conseguenza, cosa consigli ai giovani talenti, oggi?

Di tenere sempre un occhio sul panorama internazionale e un piede sulla porta di casa. E di lavorare come matti, perché niente è gratis, ma di fermarsi anche, a volte, per studiare, pensare e sognare.

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In un mondo digitale risulta sempre più difficile trovare chi scatta in analogico, il commercio ci si mette pure lui, sempre più difficile reperire pellicole e fissanti..

A mio avviso una foto che nasce dalla pellicola racchiude in se una carica di emozioni, una forza, che il digitale a fatica riesce a raggiungere.

Ma conosciamo meglio bAku, spero  che le sue parole riescano a trasmettere la passione che mi ha fatto assaporare in tante mail scritte.

Perchè questa passione per la pellicola?
Quando ho deciso di iniziare a scattare, neanche un anno fa, ero di fronte ad un bivio: fotografare in digitale per poi editare con photoshop et similia, oppure cercare qualche vecchia macchina e scattare in analogico con la buona cara vecchia pellicola. Nel primo caso sarei andato ad aggiungermi ad una moltitudine, replicando prodotti che già esistono in sovrabbondanza, nel secondo caso avrei dovuto affrontare più spese economiche ed umane, ma sicuramente sarei riuscito a creare qualcosa di maggiormente originale, genuino. Non è che ce l’ho con chi scatta in digitale, solo che non credo ci sia nulla di particolarmente artistico in loro: fare mille foto dello stesso soggetto per poi passarci ore a editarlo in digitale… è da informatici, non da artisti. Sono altissime abilità tecniche, indubbiamente, ma quanta Arte c’è in tutto questo? La differenza tra fotografia digitale ed analogica è la stessa che c’è tra agricoltura intensiva ed agricoltura biologica: con la prima si ricerca un prodotto artificiale che appaia bello anche se non è gustoso e genuino, nella seconda invece il risultato può essere imperfetto ed approssimativo, ma rimane ottimo il contenuto e nobile lo sforzo attuato per arrivarci. La pubblicità digitale lasciamola ai grafici pubblicitari… a chi vuole passione consiglio la materia chimica, non i pixel. Sono sempre stato per l’Arte povera ed istintiva… diciamo un anti-tecnicista punk convinto.

Domanda di rito. Con cosa scatti? e nel caso tuo.. pellicola preferita?
Ho iniziato con una Polaroid Supercolor 635CL, poi ho allargato l’armamentario: Polaroid sx-70, Polaroid supercolor 1000, Polaroid Polasonic Autofocus 4000, Diana F +, Lubitel 166 Lomo. La mia preferita rimane la Polaroid SX-70, un gioiellino… senza alcun dubbio. Riguardo le pellicole amo le Polaroid 600, ma le mie preferite in assoluto sono senza dubbio le Art(Z)istic, quelle manipolabili. Il poter spostare la materia chimica con la punta d’una penna scarica o con altri “attrezzi” improvvisati, fino a trasformare le pellicole in quadri beh.. è qualcosa di incredibile. Per scattare con 35mm o 120mm invece cerco principalmente pellicole diapositive, da sviluppare poi in C41 (cross process), ordunque Fuji Provia e Fuji Velvia, ma benvengano anche le Kodak od altre marche. Per quanto riguarda il b/n sempre e solo Rollei. Ovviamente poi, aldilà di polaroid o pellicola 35/120mm, non so resistere alle pellicole scadute: il loro fascino è direttamente proporzionale al periodo di scadenza già avvenuta.

Cosa si potrebbe fare per non rischiare di vedere la fotografia analogica come vecchia o vintage?
Ottima domanda. Bisognerebbe far capire, sopratutto ai neofiti, che la fotografia analogica è un’ottima alternativa a quella digitale, e non qualcosa di “obsoleto”.  E non è poi così difficile o economicamente pesante fotografare in analogico, è semplicemente più “impegnativo”. Ma il sudore viene ampiamente ricompensato. Dal punto di vista pratico, quando qualcuno mi chiede come scatto, cosa utilizzare, dove trovare macchina e pellicole, io cerco di essere di maggior aiuto possibile. Propagandare attivamente l’analogico, mostrare con orgoglio e passione i nostri risultati, condividere le nostre conoscenze…  è la nostra unica arma, ora come ora.

Cosa porti nel tuo zaino da foto?
Quando scatto con la Polaroid ho lei e basta. Se scatto con la Diana f+ porto le varie lenti (fisheye, grandangolo, close up, teleobiettivo, ect) il flash e lo splitzer. Ed ovviamente, se ce l’ho, la pellicola di riserva

Un sogno per domani e un ricordo di ieri.
Un sogno per domani: realizzare una mostra fotografica di soli scatti in analogico, di almeno dieci artisti. Esponendo dal bianco e nero al crossprocess, redscale e giochetti vari, passando ovviamente per le intramontabili ed eternamente vintage-chic Polaroid. Un ricordo di ieri? Non scorderò mai la prima polaroid scattata: Il Nettuno di Piazza Maggiore, Bologna. E’ una delle migliori che mi siano mai venute.

Questo è tutto, non si sa mai che vedrete le sue foto a qualche mostra organizzata da sushit.net, ma di questo ne parleremo più avanti!

Per il momento vi segnalo un gruppo su flickr creato proprio da lui:

Analog will beat! (Vintage is not dead).

e ovviamente la sua pagina!

http://www.flickr.com/photos/b-a-ku/collections/72157622985414450/

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Dilomatosi all’Istituto Statale d’Arte Michele Fanoli e attualmente laureando all’Accademia delle Belle Arti di Venezia.

Nonostante ancora uno studente, ha un curriculum invidiabile: stage, lavori, collaborazioni e concorsi. Sappiamo poco di lui.. mi viene descritta come una persona timida ma piena di talento. Ci credo, lo vedo.. e ne ho subito la conferma!

Rivolgiamogli qualche domanda ma, soprattutto, lasciamo parlare le immagini!

Dai parla.. chi sei?

Sono uno studente laureando in arti grafiche all’Accademia di Belle Arti a Venezia.

La passione per l’arte è nata quando ero piccolo: leggevo i fumetti di Topolino e mi piacevano le storie. Ricopiando le immagini ho iniziato ad apprezzarne le forme e i colori, e pian piano l’evoluzione dei personaggi dalla loro nascita ai primi anni novanta quando ho iniziato ad avvicinarmene.

Mii piacevano anche i fumetti di Geppo, il diavoletto buono, e li studiavo per comprenderne la forma e per imparare a riprodurli automaticamente.

Ci parli del tuo percorso?

Gli anni dell’Accademia sono stati educativi, di scoperta e di ricerca.. e non solo nell’ambito strettamente artistico. L’arte mi aiuta ad esprimermi, a capire cosa c’è dentro di me.

Il primo anno di università ho continuato il percorso iniziato alle superiori, all’istituto d’arte Michele Fanoli, affacciandomi al mondo dell’incisione, cercando di apprendere le tecniche e i metodi di stampa tra anatomia e disegno. Volevo capire cosa avevo io da proporre all’arte.

Nel percorso di studi poi ho approfondito pubblicità e fotografia, ma durante il terzo anno, quando ho conosciuto il mondo dell’illustrazione, me ne sono subito innamorato. Quella che creo è ancora arte di sviluppo, ma l’illustrazione è la mia via. Non è vista come arte ed è libera da ogni restrizione di pensiero, libera di essere ciò che vuole, libera di raccontare le parole visto che spesso accompagna un testo oppure un racconto.

L’illustrazione è la tua via.. ma, secondo te, come si diventa illustratori?

Mi sento più un piccolo artigiano che un illustratore. Non riesco a comprendere le persone che senza averne diritto si definiscono artisti, come se fossero già definitivamente affermati. Bisogna sempre crescere e migliorarsi, la ricerca costante è fondamentale.

Quando sono davanti ad un racconto lo divido per scene, pensando alla dimensione della pagina, all’inquadratura e agli elementi scenografici e cerco, grazie anche all’uso dei colori, di non renderli visivamente pesanti a discapito dei personaggi principali.

Lo studio riguarda ovviamente anche il target, ovvero i bambini. Per loro i colori sono l’impatto visivo primario e io, personalmente, nell’arte, ho sempre tralasciato il pensiero per concentrarmi sulla composizione e sul colore come Rothko. Cerco di usare linee molto semplici e spesso curve, perché danno un senso di sicurezza ed infine tento di trovare il giusto contrasto tra dimensioni esageratamente grandi e piccole.

Dalle illustrazioni alle fototessere. Ci spieghi il tuo percorso creativo?

Più che percorso è stato un vero e proprio salto, ma sperimentare sempre cose nuove mi stimola! Il filo rosso che collega le illustrazioni alle fototessere è la volontà di rappresentare racconti. Nonostante si immobilizzino la scene, la nostra mente conferisce a queste un movimento, creando storie.

Le fototessere “antiche” mi hanno sempre affascinato perché le ho sempre osservate come un pezzo di passato delle persone ritratte. Queste rappresentano la foto più oggettiva che una persona può avere ed io volevo renderle dei piccoli racconti dove la persona si può perdere tra gli strappi di colore, ma rimane nel presente.

Volevo rappresentare un ricordo evanescente dallo scorrere del tempo.

Quali sono stati i tuoi riferimenti artistici?

In primis, Nicoletta Ceccoli, perché riesce a donare una poetica splendida alle sue illustrazioni. Stefano Ricci, per la morbidezza e l’atmosfera delle sue illustrazioni. Inoltre, Satoshi Dobara per le ambientazioni e i colori. Anna Laura Cantone per la giocosità dei suoi disegni. Alessandra Cimatoribus per l’evanescenza dei suoi lavori ed infine, Lorenzo Mattotti per l’eleganza surreale.

Nelle mie illustrazioni io cerco di esprimere l’allegria delle cose, di vedere il dolce anche dietro le cose più amare e di creare piccoli pezzi di felicità.

Quali consigli daresti a chi vuole intraprendere la strada dell’illustratore?

Non me la sento di dare consigli perché sono il primo a dover crescere e migliorare.

Posso dire di partecipare a tanti concorsi, per l’esperienza e il confronto, e perchè sono una vetrina che aiuta a farsi conoscere nel circuito.

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A Roma, i passanti incuriositi e stupiti si sono trovati davanti ad un manichino senza volto.. intento a leggere un giornale con la copertina che simulava una rivista di design, grafica, fotografica ecc. e che pubblica concorsi, borse di studio e occasioni per mettersi in mostra dal nome Mood (simula, perchè nella realtà non esiste).

L’idea vuole denunciare la situazione attuale in cui si trovano i giovani creativi, designers, fotografi, stilisti, fumettisti e non solo che si trovano soli ad affrontare il mondo del lavoro senza grande successo.

La performance realizzata da Giulia Pira vuole dare un volto a questi giovani senza un identità riconosciuta.

Ma.. chi è Giulia Pira?

Giulia è una giovane che vuole far sentire la propria voce e non perde tempo nel farlo!
Mi sono laureata da pochissimo in disegno industriale e la mia passione è sempre stata comunicare: attraverso la grafica, l’arte, la pubblicità e le parole avvicinare le persone al mondo della creatività. Sono siciliana di origine ma vivo a Roma da 4 anni.. diciamo che ho trovato il mio “habitat”!

Come è nata l’idea di questa campagna?

L’idea in origine è nata per la mia tesi di laurea. Sono partita dalla mia esperienza di tirocinio presso una testata romana che tratta di creatività e ho pensato ad un modo originale per promuoverla.. e quale modo migliore se non il guerrilla marketing?

Dopo circa un mese di idee andate a vuoto ecco che si illumina la lampadina! Riflettendo sullo stato attuale delle cose e le difficoltà che ci sono ad approcciarsi al mondo del lavoro da parte di noi giovani, mi sono sentita come senza volto perché ho pensato: chi conosce le mie idee? chi sa di me? chi può darmi un opportunità?

Ho immaginato un volto senza bocca per parlare delle proprie idee, senza occhi per guardare al futuro. Il manichino però trova un modo per mettersi in mostra, e quindi un volto, attraverso la copertina del giornale! Ho proposto la mia idea alla suddetta testata ma non è stata approvata e così, ancora più convinta della potenzialità del messaggio che volevo lanciare e del bisogno che abbiamo noi giovani di avere visibilità, ho continuato per la mia strada.

Secondo te, cosa dovrebbero fare i creativi per riuscire a mostrare la loro faccia?

Non è facile rispondere a questa domanda. Secondo me devono perseverare, sbatterci la testa, cadere e ricominciare! Pubblicizzarsi, proporsi e darsi da fare. Mai stare fermo ad aspettare! Andare dalle aziende, fare vedere i propri lavori in giro e dare così valore alle proprie idee.

E dall’altro lato.. cosa dovrebbero fare le aziende e le agenzie?

Beh su questa invece avrei molto da dire! Molto spesso le aziende/agenzie cercano giovani creativi che abbiano però minimo 30 anni o se va bene 2/3 anni di esperienza.. non è giusto! L’esperienza e la creatività sono senza dubbio molto importanti ma anche i giovani talenti hanno molto da dire. Le aziende hanno bisogno di giovani che stiano a contatto con i giovani e si comportino da tale, che conoscano bisogni e tendenze!

Anche agli stessi concorsi proposti dalle aziende per i giovani vincevano i miei professori! Non è paradossale? Dovrebbero darci più fiducia  e opportunità.. reali!

Seguiranno altre campagne o resterà un caso isolato?

Ho visto che molti giovani, ma non solo, appoggiano la mia iniziativa. Mi hanno anche consigliato di crearla veramente la testata Mood. Domandando alla gente per strada ho avuto conferma che il messaggio arriva “forte e chiaro” e incuriosisce tutti! Quindi stavo valutando l’idea di continuare questa campagna, cambiare posti, città. Sicuramente dopo la pausa estiva comunque. In ogni caso sarete i primi a saperlo.

Ringraziamo Giulia per la disponibilità. Tutte le altre foto nella galleria.

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Vie d’Acqua, il festival promosso dal Comune di Vicenza, giunge quest’anno alla sua seconda edizione.
La Fondazione Vignato per l’Arte segnala l’evento che coinvolge quattro artisti chiamati ad interpretare l’acqua.

Andrea Clementi, Anna Fabris, Luca Matteazzi e Michela Gruppach hanno elaborato ciascuno una propria interpretazione di questo elemento naturale. Le quattro opere sono raccolte nella galleria Liberismo di Palazzo Valmarana Braga.

L’esposizione, che sarà visibile dal 29 maggio al 13 giugno, ogni giorno, dalle 10 alle 13 e dalle 15.30 alle 19.30, verrà inaugurata proprio stasera, 29 maggio, alle 18.30.

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La mia mente è così alterata…
sono allucinata
sono strafatta

Sballo psicosomatico
effervescenza fluorescente
paranoia insostanziale
languidezza sensuale
shakerato di algida indifferenza con bollente passione
…miscela fatale per morire d’amore

Alcuni frammenti di un angelo lunatico, o meglio Angelunatica.

Angela Barbato, classe ’87, è un giovanissimo talento nato nella provincia veronese e trapiantato nell’urbe vicentina. O forse è lei, piuttosto, ad aver trapiantato la sua fertile passione artistica su un pianeta lunare, notturno, comunque tutto suo, che SushIT vorrebbe darvi la possibilità di conoscere meglio? Non c’è modo migliore  che lasciare spazio alle sue parole, per calarci nel vivo di un universo costellato di estremi tracciati su carta.

Un talento precoce, approfittiamone per “accedere all’interiorità di un’artista”: raccontaci un pò di te bambina, di cosa ti piaceva disegnare, di quel che provavi e crescendo hai approfondito nella tua attitudine emozionale alla pittura..

Sono stata educata a sviluppare la mia creatività e la mia sensibilità estetica fin dall’infanzia, quando mia madre mi ha insegnato la tecnica degli acquerelli.

Il disegno è sempre stata la mia passione più forte; per ore interminabili disegnavo febbrilmente estraniandomi da ciò che mi circondava, completamente immersa nel mio mondo. I miei soggetti prediletti erano le persone e, soprattutto, gli animali. Avevo un’autentica ossessione per i cavalli, in seguito per i felini e per i cani. Da piccola amavo ritagliare le figure da me disegnate, ottenendo silhouette in carta.

L’interesse per diverse tecniche grafiche, dall’incisione al disegno, passando per il fumetto, un diverso modo di approcciarsi all’arte che permette di…

Più un artista sperimenta e conosce le tecniche artistiche, più possibilità espressive si aprono. Il talento, la sensibilità e l’attitudine artistica devono essere presenti a priori nell’artista, non si  acquisiscono attraverso la conoscenza e la bravura tecnica, arte non è artigianato. Ma se un artista ha già potenzialmente in sé le capacità, più tecniche artistiche egli impara e sperimenta, più la sua creatività può emergere ed esprimersi liberamente.

Grazie alle scuole ho imparato e affinato diverse tecniche e media artistici e questo è stato un notevole arricchimento per la mia personalità d’artista.

La tua attitudine è spiccatamente ritrattistica, specie per quanto riguarda i personaggi famosi: come ce la spiegheresti?

Ho uno spiccato spirito d’osservazione, un’intensa memoria visiva, un profondo senso critico ed estetico. I volti, l’aspetto fisico, i look e il modo di presentarsi delle persone mi colpiscono e si imprimono in maniera forte nella mia mente, sono molto attenta e analitica nell’osservare gli altri.

Per quanto riguarda i ritratti di personaggi famosi mi interessa scavare nel meccanismo che rende l’immagine di un divo un’icona mass mediatica. In questo lavoro è presente una forte influenza che proviene dal mio amore nei confronti di Andy Warhol.

Il mondo odierno, con le sue infinite contraddizioni, entra prepotente anche, forse soprattutto, nel campo artistico, che avverte il bisogno di far sentire la sua voce. Anche tu, individualmente e in quanto artista, ti sei sentita toccata da determinati fatti che passano dalla politica per  riguardare più profondamente la sfera dei diritti umani fondamentali; vuoi presentarceli e commentarceli personalmente?

Credo che ogni persona sensibile sviluppi una coscienza che le fa sentire responsabile anche in minima parte di ciò che accade nel mondo. Per quanto mi riguarda, credo di avere il dovere di parlare del mondo e di ciò che accade, di pormi e porre domande e provocazioni attraverso l’arte. Penso che gli artisti, avendo le capacità di esprimersi attraverso linguaggi che parlano direttamente alla parte psichica dell’uomo, e non fisica, abbiano una possibilità efficacissima di affrontare e riflettere su determinati argomenti.

L’arte che ragiona, rappresenta e parla di se stessa è già stata fatta, fa parte del passato. Da un pò di tempo essa deve rivolgersi al mondo esterno, abbandonando quell’autoreferenzialità che la caratterizzava soprattutto nei periodi di crisi del pensiero artistico.

Molto affascinante il tuo studio dedicato alle silhouette, oggetto anche della tua tesi di laurea, con particolare attenzione alla tua serie di opere che vedono protagonisti inquietanti personaggi Disney in pose suicide. Come nasce questo interesse e questo progetto in particolare?

Dopo aver intrapreso varie strade stilistiche e contenutistiche, sono giunta alla conclusione che la mia pittura esigeva una purificazione. Avevo bisogno di tornare all’essenziale, spogliando la mia arte prediligendo un minimalismo essenziale ed elegante, come le silhouette. All’inizio, inoltre, l’uso delle silhouette mi permetteva di rappresentare contenuti socialmente scottanti, e difficili, in modo sobrio e discreto, ma al tempo stesso incisivo. La silhouette cela e, al tempo stesso, mostra in una figura monocromatica, accattivante e seducente.

La gallery di silhouette dei personaggi Disney re e regine di un mazzo di carte è un’operazione ironica e spiazzante che scardina i valori di felicità e spensieratezza tipicamente associati a Paperino, Topolino & co., punto di riferimento collettivo di distrazione culturale. I personaggi Disney sono caricature di noi stessi destabilizzanti, inquietanti e ironiche, vittime del sistema iperviolento e impazzito, sovrano della contemporaneità.

L’ispirazione dell’arte delle silhouette, proviene dalle installazioni dell’artista contemporanea Kara Walker. Ho incontrato la sua arte alla Tate Modern di Londra, dove le silhouette grottesche e oniriche dell’arista prendevano vita sulle pareti.

Kara Walker mi ha fornito lo spunto di partenza per la mia produzione artistica che, nel corso del tempo, ho evoluto autonomamente seguendo la mia ricerca e sviluppando il mio stile personale.

Si possono cogliere parallelismi nei temi e nei soggetti affrontati nei miei lavori e in quelli della Walker dove si stagliano silhouette scioccanti e ironiche, grottesche e satiriche, feroci e folli, dove si narra di razzismo, violenza, ingiustizie, vergogna, colpa, delirio, ironia e satira.

Il tuo ideale è anche quello di un’ “arte totale”, che si snoda fra attività di diverso genere, coniugando pittura, teatro e non solo: tanti veicoli per favorire un unico bisogno di esprimersi e sfruttare così ogni propria possibilità?

Mi sento figlia del credo della rivoluzione artistica avvenuta a partire degli anni ’60, secondo cui l’arte deve uscire dai propri limiti coinvolgendo più linguaggi in un’unione di più arti. In Italia c’è una forte limitazione e chiusura mentale che vede ogni arte come ben distinta e rinchiusa nel proprio campo di competenza. Se un artista è versato in diverse discipline, più sa sfruttarle e mescolarle insieme, più è un artista totale.

Sogni per il futuro di una giovanissima artista e consigli ad altri talenti emergenti…

Sogni: molti! Innanzitutto riuscire ad andare avanti con i miei lavori artistici in tutti campi: pittura, teatro, passione per la moda e i costumi di scena. Tarsferirmi all’estero, ma riuscire a risvegliare l’interesse per l’arte anche in Italia.

Consigli: non perdere il senso critico ed estetico, non uccidere la fantasia e non soffocare la creatività, non diventare schiavi del sistema economico che svilisce l’arte ad un lavoro in serie appartenente ad un sistema dove capeggiano indiscusse solo star idolatrate.

www.angelunatica.altervista.org

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L’attesa è una freccia che vola e che resta conficcata nel bersaglio.

Søren Aabye Kierkegaard

Si sa che a noi di SushIT le commistioni piacciono particolarmente… non parliamone poi se risultano riuscite!

Un esempio è proprio l’esposizione che resterà visitabile sino all’ 8 luglio 2010 presso Lago Spa (Via Dell’Artigianato II 21, Villa Del Conte – Padova).

Attendere, prego è una mostra collettiva temporanea a cura di Caterina Benvegnù e organizzata dalla fondazione march e da Lago S.p.A nello showroom della stessa azienda di mobili, che diventa così una vera e propria Art Waiting Room, progetto nato per stimolare la creatività internazionale e le relazioni interdisciplinari che si propone di cambiare la concezione dell’attesa che precede un incontro generalmente professionale.
L’attesa non è perdita di tempo.
Non è un buco da riempire.
Non è tensione.
È un concetto.
Una possibilità di capire lo spazio che ti accoglie.
È comunicazione.

E così 21 artisti, selezionati attraverso un open call volto ad indagare il concetto di attesa e le forme che esso può assumere attraverso i più diversi linguaggi espressivi, si inseriscono con le loro opere di diversa natura all’interno di spazi solitamente deputati all’esposizione dei prodotti della Lago, andando a trasformarli e destrutturarli attraverso punti di vista non convenzionali che stravolgono la normale fruizione dello spazio.

L’arte entra dunque in azienda e si rappresenta come nuovo mezzo: mezzo di comunicazione, mezzo di coesione e soprattutto mezzo di sviluppo.

E noi di SushIT, presenti all’Opening del 13 maggio, scambiando due parole con la curatrice Caterina Benvegnù e Diego Paccagnella della Lago S.p.A., non abbiamo potuto che concordare con loro: in un periodo come questo, l’innovazione dev’essere continua e propositiva e dunque anche le aziende hanno bisogno di creatività, specie una di mobili modulari che necessitano essi stessi di una dose di originalità di composizione dello stesso cliente per accentuare la loro “vivibilità”. E a tal proposito, perché non calare i propri customers in ambienti esemplificativi, arricchendoli di opere d’arte che ne esaltino le caratteristiche e diano ancor più un’idea di intimità e… CASA?!

Vi proponiamo qualche foto scattata nello showroom/sala d’attesa, sperando vi invitino a farci un salto: ne vale davvero la pena!

photos by: samira

Tra gli artisti esposti e delle cui opere vi abbiamo proposto le immagini:

Lisa Castellani
Almost seven in the morning
installazione rame, cd audio, 2004
Il lavoro rimanda al concetto di attesa come condizione femminile, legata ad un’educazione che pone come valori la
mansuetudine, la cedevolezza e la cura del proprio micromondo quotidiano, casalingo, estetico.

Gaia Ippolita Civiletti
L’attesa
foto su cartoncino, 2007

Tre fotografie scattate a Praga, Repubblica Ceca, in occasione del cambio dei personaggi dell’orologio nella piazza principale.

Elisa Desortes
Dolce attesa
installazione carta, lettore mp3, caramelle, 2009
Un quaderno di appunti, una traccia audio e un sacchetto di caramelle sono i tre elementi di un’installazione che
intrecciandosi danno vita ad un’attesa che trasporta lo spettatore in una dimensione sospesa e particolare.

Marta Maldini
Libro da usare durante l’attesa
libro formato A5, 2009
Libro “scomponibile” in tre sezioni, con le quali il lettore potrà interagire nella composizione di diversi racconti.

Umberto Perico
Yi er san qiezi (one two three cheese)
installazione 64 fotografie, porta foto, riviste, 2009
64 fotografie di turisti che fotografano amici nei maggiori luoghi turistici. Un’attesa di un clic e di una memoria di un
viaggio.

Umberto Rotondella
Dialogue
installazione video, 2008
Installazione video nel quale i protagonisti seduti in poltrona in luoghi esterni della città di Rovereto osservano chi gli
sta intorno ed attendono che gli individui-elementi della città interagiscano con loro.

Catrina Zanirato
I luoghi dell’attesa
11 fotografie su forex, 2007
Foto di finestre di camere di ospedale, come soglie tra interno ed esterno. Come simbolo dell’attesa dei malati di
guarire, come spunto di storie ed immaginazioni.

*Lago SpA
Lago afferma la propria identità di marchio emergente nella produzione di mobili di design attraverso un’apertura alle contaminazioni tra arte e impresa: semplicità nelle forme, personalizzazione attraverso il colore e la componibilità, qualità dei materiali e lavorazioni artigianali, prezzo accessibile. Nel 2006 l’azienda è diventata SpA con un percorso di ristrutturazione dei processi produttivi e gestionali, per affrontare la crescita e le sfide dei mercati internazionali.
www.lago.it

*fondazione march per l’arte contemporanea
fondazione march è uno spazio per l’arte contemporanea che ha la necessità di fondare dei legami con il proprio contesto, approfondendo quelle tracce artistiche che cambiano e trasformano il nostro modo di vedere e vivere. Da  più di un anno la Fondazione propone delle attività espositive e degli incontri grazie ai quali si aprono spazi di possibilità per la conoscenza di realtà sperimentali nel campo artistico: dal ciclo di conferenze “Cos’è il contemporaneo? L’arte si racconta”, alla sua terza edizione, al progetto di residence per artisti legato al circuito internazionale; alle giornate di editing in cui giovani artisti possono presentare il proprio progetto di ricerca, sino a
concorsi che mirano all’esplorazione delle nuove tendenze dell’arte contemporanea, come “cameraVideo”, rivolto ai giovani videoartisti. Dall’altra parte, fondazione march è anche Arte e Impresa, una serie di servizi che permettono di unire il mondo dell’arte a quello dell’imprenditoria, offrendo alle aziende una possibilità di arricchimento attraverso la creatività e l’uso di strumenti del campo audiovisivo. Testimonianza di tale relazione, la mostra “Art&Co. Opere tra arte e impresa”, inaugurata a Villa Contarini il 23 aprile 2010.
www.fondazionemarch.org

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Io sono un cane, sono un animale, sono curioso, sono un ficcanaso, devo toccare devo guardre devo sapere devo riempire un altro bagaglio e infilarlo nel portaoggetti personale. Devo mettere la mano sul fuoco per sapere che una fiamma davvero mi fa bruciare; devo provare una grata per strada e constatare se ci si può cadere, devo strusciare le dita su un muro e sapere se il colore può attaccare. Mi fermo sui tombini tra i bambini tra gli specchi dei camerini per vedere com’è la mia immagine da migliaia di punti visivi e partecipo allo spettacolo dei burattini perché sono metafora leggera del modo in cui vivi. E ti guardo e ti fisso e so come cammini e inseguo le persone e fotografo persone perché le persone sono in divenire quindi, sempre nuove. Ascolto il silenzio e vado a tempo con il caos e penso che sia labile il confine tra rumore e canzone. Mi fermo a parlare con i matti che acoltano, e questa è una citazione; mi affascinano gitani, mendicanti, i nomadi del deserto e i viandanti con la loro condizione di cittadini di nessun luogo e perché ridono nonostante gli stenti. Seguirei una carovana e userei un rametto per lavarmi i denti, mi lancerei con il paracadute e mangerei serpenti, pregherei davanti un masso e mediterei nei templi. Vorrei imparare tutto sui nodi, quelli che tengono fermi e quelli che ti fanno andare misurando i venti. Vorrei essere l’uomo che sussurra agli elefanti. Voglio fare i documentari viaggiando e scrivere diari di bordo. Cerco di leggere il più possibile fino a quando non arriva il sonno e a 22 anni ho letto la Bibbia fino in fondo e ieri sera ho letto i principi chimici dello sgrassatore da forno ma il problema che molte cose non me le ricordo. Costantemente annuso perché credo che ogni cosa abbia un odore, ripetutamente mi sono illuso credendo in fate folletti topi della notte e babbi natale in cui continuo a sperare. Guardo le biciclette e sono convinto che ognuna abbia storie da raccontare e le invidio perché nella loro natura c’è l’esigenza di viaggiare. Mi interesso a chi ha qualcosa da dire, sono arrogante con chi ha la presunzione di sapere. Applaudo “chi” sa cosa vuol dire comunicare.

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Oggi vi parliamo di “eventi mondani”…
Ma no, non vi preoccupate, non abbiamo cambiato linea! SushIT resta sempre il vostro sito di riferimento per tutto quel che riguarda la creatività!
E venerdì ha presenziato all’inaugurazione di un’esposizione presso la galleria Yvonne Artecontemporanea di Vicenza, dove resteranno in mostra sino al 15 maggio i lavori di 7 giovani artisti del territorio selezionati nell’ambito del concorso ArtsLive per la Giovane Arte in Veneto, indetto da DelirioCaneva.

Protagonisti della mostra collettiva di premiazione sono in realtà 22 artisti, le cui opere sono dislocate in tre sedi: Yvonne Artecontemporanea Selection a Vicenza; XX.912.FABBRICArte a Piombino Dese, Padova; Pieve Antica, Ronco all’Adige, Verona.

La curatrice del progetto, Carolina Lio, ha presentato l’esposizione di Vicenza delineando quelle che sono le connessioni tra il concorso, la galleria ospitante e il lavoro degli artisti coinvolti: la volontà di rilettura del presente lungo prospettive che siano in particolare quelle dei giovani, una linea di ricerca estetica che si coniuga con i temi contemporanei e una tensione all’espressione della leggerezza e della positività come approcci al mondo d’oggi.

L’evento è stato inoltre reinterpretato musicalmente da una performance live DJset, secondo l’ideale di contaminazione di Artslive, che si impegna a unire “giovani produttori di significati”, siano essi visual, fotografi, pittori, musicisti e così via, per dare spazio alla loro creatività e creare un’alchimia di suoni e visioni che sia espressione del loro talento.

Siete interessati? Ecco le coordinate giuste e qualche assaggio visuale di quel che troverete:

Yvonne Artecontemporanea
Contrà Porti 21 – VICENZA
periodo: 9 aprile – 15 maggio 2010
orari di apertura: martedì-sabato 15.30-19.30

artslive.it

Cataloghi & DJset

Veronica Organo, Koo-koo, 2010

Nicola Bettale, Il feltrinangolo e La draghicontrada, 2006

Dania Zanotto, Elmo e Vestito

Manuel Coletto, (an)architecture, 2010

photos by: samira

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Sempre a caccia di idee innovative e inusuali, questa volta SUSHIT ha il piacere di proporvi un incontro con un artista parmigiano, Fosco Grisendi!

Classe 1976, vive e lavora a Montecavolo di Reggio Emilia, dove espone in diverse gallerie, tra cui CSArt Vetrina, di cui vi abbiamo già parlato a febbraio scorso per Dieci di Cuori, la mostra temporanea che ospitava tra l’altro una delle sue tele, Are we out of sight?.
Ora invece è giunto il momento per lui di un’esperienza a nostro giudizio particolarmente interessante: Fosco sarà protagonista dal 27 marzo al 29 maggio di una personale allestita nello show room robertodallari di Parma.

Dodici dipinti ad olio su tela (e non solo!) che affrontano i temi più importanti dell’attualità: dalla famiglia al disagio giovanile, dalla violenza alla ricerca del proprio nome, della propria identità. E appunto a questo filo conduttore si richiama il titolo della mostra: My Name, in riferimento ad una pittura che muove alla ricerca di un significato personale e allo stesso tempo collettivo e che rimane, come quest’ultimo, riconoscibile ma sempre enigmatica, coi suoi personaggi e simboli estrapolati dalla vita quotidiana e ricombinati in un mondo a tinte forti.
La particolarità di questo evento e soprattutto della ricerca dell’artista? Una modalità espressiva che rompe gli schemi tradizionali che vogliono l’arte pittorica vincolata a una parete, e questa stessa arte che si proietta su un’altra tela, quella delle comuni t-shirts che ogni giorno indossiamo: l’elemento estetico tenta ancora di infiltrarsi nella trama di un sistema sempre più commercializzato e omologante, il desiderio di unicità bussa ancora alla porta per trovare espressione. Proprio durante il vernissage dell’esposizione verranno presentate le tees dipinte a mano da Fosco, veri e propri pezzi unici in grande stile.
Ma facciamoci introdurre da Fosco stesso nel suo mondo!

Come presenteresti te stesso, come persona e come artista, in poche righe?

Incontro sempre molte difficoltà nel parlare di me ed è proprio attraverso la pittura che do sfogo a dei sentimenti che raramente riesco a esprimere a parole. Ancora più complicato è per me scindere l’artista dalla mia persona: nella mia arte c’è tutto me stesso.

In che modo ti sei avvicinato al mondo dell’arte e cosa ti ha spinto a tentare di farne parte?

Fin da piccolo i miei pensieri si sono sempre manifestati sotto forma d’immagini. Inizialmente non avevo il coraggio di riprodurle perché non credevo di poterne essere in grado visto che mi mancava la tecnica. All’età di ventisette anni, visitando il Museo Van Gogh di Amsterdam, ho capito che non è indispensabile aver studiato la tecnica per poter diventare un artista, ma che è forse più importante saper trasferire sulla tela un sentimento, operazione che nessuna scuola può insegnarti. È stato dal quel momento che ho deciso di iniziare a dipingere. La mia speranza è di riuscire un giorno a trasmettere, attraverso le mie tele, le stesse emozioni che provo di fronte a certe opere d’arte.

Sei parmigiano e vivi e lavori a Reggio Emilia; ti piacerebbe che il tuo lavoro avesse risonanza anche in territorio nazionale e magari all’estero?

Credo che l’arte, in quanto forma d’espressione, debba farsi sentire ovunque e che ogni artista, per compiere un proprio percorso di crescita, debba necessariamente confrontarsi con nuove realtà.

My name: qualche notizia e commento sulla tua prossima e vicinissima esposizione personale ?

My name nasce da un’idea piuttosto innovativa di Roberto Dallari, titolare dell’omonimo negozio d’abbigliamento nonché spazio espositivo al centro di Parma, il quale, vedendo le mie opere, mi ha proposto di esporre i quadri assieme alle t-shirt da me realizzate. La mostra, grazie alla preziosa collaborazione di Chiara Serri, vuole narrare,  attraverso opere recenti e non, il mio percorso personale, da qui il titolo dell’esposizione.

Parlaci un po’ delle tue opere: come si collega il lavoro pittorico più tradizionale con quello più innovativo e commerciale dei “dipinti su t-shirt”?

Sia per il lavoro pittorico che per i dipinti su t-shirt parto da un mio sentimento personale. Colori, soggetti e tecnica sono gli stessi. Le t-shirt nascono in un momento successivo ai quadri. L’arte pittorica, rinchiusa fra le mura di una galleria d’arte, spesso mi risulta fine a se stessa, pare riservata ad un pubblico ristretto. La t-shirt invece mi ha permesso di dare più visibilità all’arte, di avvicinarla alla gente dando la possibilità a ciascuno di personalizzare il proprio modo di vestire. Mi piace l’idea di un capo d’abbigliamento non necessariamente commerciale ed omologato.

Domanda un po’ più canonica: tinte decise, campi cromatici definiti, silhouettes  un po’ alla Keith Haring, scenari riecheggianti De Chirico in cui si intersecano simboli emozionali e strani congegni moderni… a quali artisti ti ispiri particolarmente?

Da un punto di vista estetico mi sento molto vicino a Keith Haring , Roy Lichtenstein e alla Pop Art in generale. Da un punto di vista concettuale invece mi rivedo molto in Basquiat , Van Gogh e Banksy: i primi per la loro capacità di esprimere un loro disagio interiore, l’ultimo per la maestria nel sintetizzare messaggi molto importanti attraverso poche immagini.

Un giovane talento ad altri giovani talenti: la tua personale esperienza e qualche consiglio?

A chi, come me, cerca di districarsi nel mondo dell´arte, posso riportare la mia personale esperienza di sacrifici e rinunce. Non è facile trovare persone disposte ad investire sui giovani, ma negli ultimi anni mi sono accorto che se ci si riunisce in gruppo si possono ottenere grandi risultati.

www.csart.it/foscogrisendi

Fosco Grisendi, My Name, 2009, olio su tela di juta, cm.60×80

Fosco-Grisendi, In your message you said, 2010, olio su tela di juta, cm.80×60

FoscoGrisendi, There’s a hill on an Island, 2010, olio su tela di juta, cm.80×100

Fosco Grisendi, Good Trip

Fosco Grisendi, I can’t stay

Fosco Grisendi, It’s better than I thought

Fosco Grisendi, One

Fosco Grisendi, Someday

Fosco Grisendi, Twisted

Fosco Grisendi, Harder to Breathe

Un ritratto dell’artista

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Diana Debord nasce a Novara nel 1984. Molte persone hanno descritto la sua fotografia e i suoi autoritratti come una mescolanza di Alice nel paese delle meraviglie e Amélie, per il loro romanticismo decadente e le atmosfere sognanti.

Lei si definisce così: “Voglio che i miei colori rappresentino una ribellione verso il grigiore e l’alienazione della vita moderna. Il mio scopo principale è quello di catturare la magia nella vita quotidiana, donandole un tocco onirico”.

A ottobre 2009 la sua prima mostra personale intitolata “Il sogno di Ofelia”. Abbiamo scambiato quattro chiacchiere con lei..

Chi è Diana Debord in 3 parole?

Diana Debord in realtà è un personaggio che esiste soltanto nelle fotografie, ed è una sorta di Ofelia che, trascinata sul fondo in un regno onirico e misterioso, si rende conto di non voler più tornare a galla. Mi piacerebbe dare un nuovo significato alla femminilità, magari ingenuo e puro, ma sicuramente soggetto anziché oggetto passivo.

Domanda scontata: a chi ti ispiri per le tue fotografie, per il tuo lavoro?

Le mie foto nascono solitamente da un pensiero o da una parola: mi piace sviluppare delle idee sfogliando il dizionario etimologico e indagando sulle origini dei vocaboli; oppure partire da un sogno o incubo che ho accuratamente annotato su quella che Sylvia Plath definirebbe una “Bibbia dei sogni” che tengo vicino al letto. Altre volte  mi ispiro alle opere di artisti, non solo visivi ma anche poeti e registi: Edgar Allan Poe e Georges Méliès su tutti. Tra i miei fotografi preferiti ci sono invece Man Ray, Lee Miller, Diane Arbus, Yelena Yemchuk, William Klein, Tim Walker.

Pellicola o digitale?

Sperimentare le varie tecniche fotografiche è indispensabile per migliorare, ecco perchè non lavoro esclusivamente in digitale ma anche a pellicola. Adoro tutto ciò che è vintage e spesso girovago per i mercatini curiosando tra foto e cartoline d’epoca: il digitale ha sicuramente innumerevoli vantaggi, ma certamente non ha quello della durata nel tempo, caratteristica che mi affascina molto.

Che rapporto hai con le tue macchine fotografiche?

La fotografia è sempre stato un hobby costoso, e credo che qualsiasi appassionato vorrebbe una Hasselblad! Anche io come molti ho iniziato con una semplice macchina 35mm da bambina e da lì la mia passione è cresciuta. Adoro le macchine Polaroid e le Lomo, in particolare la Holga perchè utilizza il formato quadrato. Ho anche una reflex analogica che adopero specialmente per quanto riguarda il bianco e nero: le pellicole Ilford hanno un resa incredibile che nessuna action di Photoshop può ricreare. (SUSHIT approva! ndr.)

Progetti per il futuro? Cosa farà Diana da grande?

Vorrei seguire il Bianconiglio in fondo alla tana senza sbucciarmi le ginocchia.

Questa è una rubrica di giovani talenti per giovani talenti: il primo consiglio che ti viene in mente?

Studiare e sudare. Molti in questo periodo si avvicinano al mondo della fotografia spinti più dalla moda che dalla passione, e anche se questa tendenza ha sicuramente dei risvolti positivi, dall’altra porta le persone a pensare di poter fotografare senza considerare la parte tecnica. Per fotografare bene non è indispensabile una costosa reflex, ma conoscenze tecniche derivate da tanto studio teorico e pratico. Anche la creatività, che il più delle volte è una dote innata, si può acquisire almeno in parte osservando i lavori di altri. Consiglierei anche di osare e di non piantare dei paletti mentali che intrappolano soltanto l’arte in una gabbia dorata ma dolorosa.

www.debored.it

www.flickr.com/photos/vodkapsychosis/

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Un ampio tavolo da lavoro, materiali di ogni genere sparsi qui e là, buona musica di sottofondo… così inizia il viaggio nell’opera di Lisa Castellani, giovane artista vicentina che racconta a noi di SUSHIT un po’ di sé e della sua esperienza artistica.

Una breve presentazione della tua formazione e del tuo lavoro?

Si può dire che abbia quella che si definisce una formazione classica: ho frequentato scuole artistiche e mi sono laureata all’Accademia di Belle Arti di Venezia in Pittura, ma nel corso del tempo ho ampliato sempre più i miei interessi, cercando di unire tradizione – tecnica e storica – e sperimentazione in un lavoro che fosse a tutto tondo e di costante ricerca, che mi rispecchiasse quanto ad eclettismo. Ho sempre cercato di servirmi delle tecniche per ottenere un certo risultato, non puntando alla perfezione formale, bensì al fine veicolare un preciso messaggio. La domanda a mio parere da porsi, infatti, non è “è arte o non è arte?”, ma “qual è la poetica dell’arte visiva?”.

Di cosa ti occupi più nello specifico?

Mi sono sempre dedicata in particolare alle arti visive, appunto, mescolando in una fusione di stili pittura, fotografia, arte relazionale e videoinstallazioni, anche grazie alla collaborazione con amici musicisti che mi hanno stimolata molto nell’apertura dei miei orizzonti.

C’è stato un progetto che ha contato particolarmente per te in quanto giovane artista?

Ero all’ultimo anno di Accademia quando mi è stato proposto di partecipare a un workshop che andava oltre le materie canoniche del mio corso di studi. Si trattava di un progetto di narrative art coordinato da C. Pietroiusti e R. Caldura, intitolato Riserva Artificiale, che prevedeva la creazione di un percorso sensoriale attraverso il paesaggio naturale-industriale di Porto Marghera. Non si seguiva lo schema classico di una mostra ma si proponeva un viaggio da vivere con gli occhi e la sensibilità di un artista. Il progetto ha partecipato poi alla 50ma Biennale d’Arte di Venezia, nel 2002. Posso dire che abbia costituito per me il salto fondamentale: dalla fuoriuscita dell’arte nell’area pubblica alla consapevolezza della possibilità di usare qualsiasi cosa, anche e soprattutto se stessi, per fare arte.

Una panoramica di dove e che cosa hai esposto?

Ho avuto occasione di partecipare sia a esposizioni collettive che personali, sia in spazi pubblici che in gallerie private, in Italia come pure all’estero (per esempio in Germania, in Slovenia e in Spagna). Ho esposto le mie opere non solo nell’ambito classiche mostre in galleria, ma anche in siti meno usuali come sulla riva dell’isola di Pellestrina a Venezia…
Anche le idee dei due Festival di Norimberga cui ho partecipato sono interessanti: uno, Gastspiel, prevede che ognuno degli artisti tedeschi coinvolti ospiti nel suo atelier un artista straniero ed esponga le opere (io ero ospite di Lutz Krutein); secondo, Kunstraum Weissenohe, si svolge in un birrificio legato a un antico monastero e coinvolge sia artisti tedeschi che internazionali.

A questo punto sorge spontanea una domanda: viste tutte queste tue esperienze in campo artistico, cosa ci puoi dire dei giovani talenti oggi? Che possibilità hanno secondo te di emergere e che speranze hanno per il futuro?

E’ difficile avere una visione positiva della situazione… I giovani talenti in Italia ci sono e lavorano davvero seriamente, oramai nessuno può permettersi di “improvvisarsi” artista. Purtroppo però si finisce per costituire una sorta di circuito chiuso: nell’ambiente ci si conosce, ma c’è poco scambio con l’esterno, con altri ambiti della creatività, della culura e del mercato. Gli investimenti in campo artistico sono veramente pochi, e gli “illuminati” dei nostri giorni pure. Bisogna avere fortuna e talento insieme, è come se avvenisse una “selezione naturale” propria degli anni di crisi. Sono necessari tanto entusiasmo e una buona dose di autocritica, serietà e conoscenze per incamminarsi e continuare su questa strada… Il futuro? E’ come un muro di gomma su cui continuamente si rimbalza: anche con un curriculum splendido non si innesca una catena virtuosa, ma ogni opera rimane a sé, qualsiasi iniziativa non ha seguito, i progetti vanno a costituire una costellazione che si può rimanere ad ammirare, ma non permette di spingersi più in là.
Poi, diciamolo, di arte nel mondo contemporaneo non si vive, persino a livello legale esistono carenze enormi di norme che tutelino determinate figure. In Italia, soprattutto, un artista ha come l’impressione di dover dare giustificazione di sé, come fosse un “mascalzone” che pretende di vivere senza lavorare. All’estero non è così: per esempio, se si dimostra di avere determinati requisiti e lavori alle spalle si può ottenere un finanziamento fisso che poi si integra di progetto in progetto.
Il problema è che nell’artista non si vede una risorsa e non si favorisce la ricerca, l’unica che può “salvare” l’Arte.

www.loftarte.com [ Lisa espone alla Galleria Loftarte di Valdagno -VI-]

www.lovedifference.org

www.urbanlab.it

http://blog.jpeggy.it [ Wild growing 5 di Lisa è stata selezionata tra le 52 migliori foto del 2009 da jpeggy - ricordate? di questa galleria virtuale vi abbiamo già parlato qui ]

le interviste di jpeggy [inseriamo un'altra pillola delle parole di Lisa fornendovi il link al botta e risposta liberamente ispirato al questionario di Proust propostole da jpeggy]

www.flickr.com

Trovate Lisa anche a pagina 119 del numero di marzo della rivista Arte , in un articolo su 30 artisti emergenti del Veneto. Buona lettura!

Alcune delle più recenti opere di Lisa, che negli ultimi progetti si sta concentrando sullo studio delle corrispondenze e del confronto tra l’organico, il naturale e il lavorato, l’artificiale:

Walk2 (stampa digitale e acrilico su pvc elettrostatico 2010)

Never I (stampa digitale su raso intelaiato, 6 elementi, 2009-10)

Wild growing 5 (stampa digitale su alluminio, dittico, 2009-10)

Wild growing2 (stampa digitale su alluminio, dittico, 2009-10)

Waves of me (aquilone + capelli sintetici, 2008)

Rosso (veduta dell’installazione – parziale, 2008; dal progetto Tir nan Og – terra dei giovani)

Dall’installazione interattiva Relocate: un dettaglio dei pop corn + scatole e un collage dell’allestimento e dell’inaugurazione, 2009

Video di Waves of me – first flight (2008)

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