“La tecnologia è ovunque! Nei suoni, nella musica, nelle immagini, nella vita di tutti i giorni… ”

Della serie, qualche volta anche Microsoft realizza qualcosa di creativo e innovativo.

Matteo Bernardini, 27 anni, regista, racconta quanto il mondo della tecnologia sia indissolubilmente legato alla realtà dei giovani. Ovviamente lo fa con un film, un documentario in cui ha raccolto le testimonianze di tanti ragazzi e studenti universitari, appassionati Hi-tech e non, che vivono quotidianamente i cambiamenti e gli sviluppi delle nuove tecnologie.

Con il film di Matteo si conclude l’ultima fase del progetto Generation 7 realizzato da Microsoft e dedicato ai giovani talenti, nato per comprendere il rapporto che li lega alla tecnologia. Con il concorso on-line, lanciato per selezionare i testimonial di Windows 7, e il tour nel mese di maggio per le università italiane, Microsoft ha parlato ai giovani, li ha appassionati e spronati a mettersi in gioco.

Ecco quindi che, da Venezia a Roma, passando per Milano, Matteo ha coinvolto gli studenti degli atenei, intervistandoli, raccogliendo il materiale video alla base del lungometraggio.

Il concorso è invece terminato il 30 maggio: due testimonial sono già stati scelti, mentre altri quattro verranno selezionati tra coloro che sono riusciti a distinguersi con gli  application form compilati durante il tour.

http://generation7.msn.it/

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L’Europa, ma l’Italia forse ancor di più, è in un periodo di crisi senza precedenti, almeno in quest’era digitale. E purtroppo uno dei primi settori dove le aziende tagliano i fondi è proprio quello della pubblicità. E allora, come trovar lavoro?

12designer non ti troverà un lavoro, ma da la possibilità di guadagnare qualcosa participando a suon di creatività a contest anche di alto livello.
Un’idea nata a Berlino nel 2009 da un’idea di Eva Missling che voleva applicare il principio del crowdsourcing al design, ed è oggi presente con successo in Francia, Inghilterra, Spagna e Italia.

Nel campo della fotografia questa realtà è già ben diffusa, sia con i contest, che con il microstocking, che anche se in maniera differente, segue sempre quest’ottica di condivisione, dove anche il singolo può imporsi come le più grandi agenzie. Dove non vincono (finalmente) le conoscenze, ma la nostra creatività, la nostra tecnica e la nostra passione.

Vi invito a visitare il sito: http://www.12designer.com/it

Nel frattempo  vorrei farvi vedere questo studio, per me ne traspare tutta l’armonia e la passione che deve avere una start-up di successo.

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Fiorelisa è grafica, ma con un segreto: la calligrafia. Elisa il nome, Fior il cognome. Lei scrive inseguendo la bellezza, una passione che è diventato un mestiere. Con Enzo ha fondato Enpapel, studio di fotografia e grafica per il matrimonio. Un settore antico, dove Elisa riesce ad essere ciò che più le piace: una grafica artigiana. Perché c’è il confronto con gli altri artigiani, le cartotecniche, le legatorie, e perché è una festa costruita sulle emozioni. Ma non solo matrimoni. Elisa mette la calligrafia al servizio del design creativo e collabora con studi grafici, tipografie e fotografi portando avanti, allo stesso tempo, la sua attività artistica. Fiorelisa è molto wabi-sabi (wabi-sabi? ).

Perché la calligrafia?

La grafica è il primo amore. Amore che nel tempo ha scoperto nel lettering un aspetto fondamentale. È a questo punto che la calligrafia è entrata nel mio lavoro e nella mia vita. Ho cominciato ad avere la necessità di dare forma  a nuovi segni che avevo in testa e il computer, da solo, non mi bastava più.  La scrittura a mano costruisce forme di bellezza imperfetta, fatta di piccole attenzioni non casuali, proprio per questo più autentica. Ecco, credo sia questa verità che mi piace più di tutto. La possibilità di creare un segno su misura per una persona, un segno che nessuno potrà più replicare. In poche parole è bellezza delle cose non convenzionali.

Quali sogni gli strumenti del calligrafo?

Carta, pennino, inchiostro. Ma non è così semplice come sembra. Ci sono infiniti tipi di carta, ognuna in cerca di una punta precisa e di un inchiostro che possa essere assorbito correttamente. Ci vuole tanto studio. E continua ricerca.

Un’arte antica, in un mondo moderno.

Il binomio presto e bene non funziona per la calligrafia. La calligrafia ha un suo processo, un rituale in cui tutto è essenziale. Bisogna creare un contesto in cui ci si possa concentrare su sé stessi. Ma soprattutto allenare la scrittura, scaldare bene la mano, testare la carta e l’inchiostro. I tempi di esercizio sono fondamentali. Detto questo confesso che non è semplice adattare i tempi del mio lavoro, con le esigenze economiche e tempistiche dei clienti di oggi. Ma con qualche compromesso i risultati ci sono.

Dove raccogli le tue idee?

Nascono da tante suggestioni. Ogni cosa che incontro mi lascia una traccia che torna a galla nella  mente nel momento in cui  comincio un progetto. Arriva tutto così. E poi c’è un posto segreto dove mi ricarico. Un rifugio nella Marmolada, Pian dei Facconi (piandeifiacconi.com). Qui ritrovo il silenzio da cui nasce tutto. Qui riesco ad impadronirmi del tempo, della lentezza. Tutto quello che poi torna nella mia calligrafia.

Da grande farò il calligrafo: quali sono i tuoi consigli?

Tanta, tantissima curiosità. A livello formativo suggerisco sicuramente di rivolgersi all’ACI,  l’Associazione Calligrafia Italiana (calligrafia.org). Perfetta per iniziare. Ma sopra ogni cosa accettare che vita privata e lavorativa si fondano e confondano.

Elisa è giovane e tosta. Ha 30 anni, ama il profumo del silenzio e quello del rosmarino. L’autore di sempre Italo Calvino, il luogo del cuore la Marmolada. Viaggiare è un progetto di volontariato in Africa. Non si stanca mai di leggere e regalare La danza della realtà di Alejandro Jodorowsky. Elisa ha un sito (fiorelisa.com), anzi due (enpapel.it).

Sushit ringrazia Claudia Zigliotto per il bellissimo articolo!

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Marco Crosera, Treviso, classe 1986.

Laurea con 110 e lode all’Accademia di Belle Arti di Venezia e si vede. Marco sperimenta molte possibilità dell’arte, video, pittura.. con uno stile molto particolare, quasi tetro, ma mai banale.

Questo è il suo sito internet: www.marcocrosera.tk

Ma vediamo di conoscerlo dalle sue parole:

Come vedi il veneto, con precisione il trevigiano per il mondo artistico?

Il Veneto, come un po’ tutta Italia, vive di inerzia del ruolo da regina che ha ricoperto in passato. Ora però il mercato è cambiato con l’entrata in scena di frontiere diverse dettate da nuovi materiali ed approcci, ma le galleria non sembrano rendersene conto (o volerlo fare). La forbice quindi tra la quantità di paesaggi ad olio che si riescono a trovare, rispetto per esempio ad installazioni interattive  o alle videoproiezioni è purtroppo ancora ampia. In quest’ottica Treviso rappresenta tutt’altro che un’eccezione.

Pensi riuscirai a vivere d’arte? Oppure hai altri obiettivi?

Più che altro vorrei vivere d’arte, ma oltre all’incognita  del “ma succederà?”, c’è anche quella del “e se sì, quando?” e del “e nel frattempo quindi?”. Essendo davvero fosca come questione mi sforzo di non pormi troppo il problema, e di arrotondare in veste di free lance con i suoi fratellini minori (web design, programmazione, grafica pubblicitaria, modellazione 3D, compositing video..).

Chi ispira maggiormente i tuoi lavori?

Molti mi chiedono se io guardi ai grandi del surrealismo come prima ispirazione, ma non è propriamente corretto. Non che non li consideri, beninteso, anzi li ho sempre studiati con morboso piacere. Quello che maggiormente ricerco però è una sintesi di senzazioni a livello ambientale; ricreare cioè un mood, dettato da determinati elementi catalizzatori, che permetta un’immersione verso ricordi ed odori.
Preferisco quindi dirigermi verso i film di Aronowsky o di Lars von Trier, a cui in realtà sono stato avvicinato da una persona a me molto vicina in tempi relativamente recenti.

Hai qualche amico da presentarci?

Persone che stimo profondamento sia dal lato umano che per la loro competenza e bravura nei rispettivi ambiti sono l’illustratore Stefano Franchetto (una vostra vecchia conoscenza, avendo già scritto di lui in passato) e Matteo Pignatelli (www.matteopignatelli.it) nell’ambito della modellazione 3D e dello sviluppo di filmati flash.

Descrivici il tuo spazio di lavoro.. anche con qualche emozione racchiusa in qualcosa che solo tu puoi vedere.

In realtà c’è ben poco da dire su un angolo della casa più vicina a un magazzino che altro. È un accumulo di strumenti e ricordi (che strizzano spesso l’occhio ad una archeologia informatica  anni ’80-’90). Sono solito infatti conservare i processori di tutti i miei precedenti computer (alcuni drasticamente deceduti, altri semplicememte sostituiti), quasi a riconoscimento dei loro sforzi.

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Dai primi anni ’70 al crollo dell’Unione Sovietica del 1991 l’URSS ha sperimentato in architettura oltre ogni immaginazione, complice un governo in lento sgretolamento,  un idea che stava lentamente cambiando, e un bisogno di evasione da una libertà apparente che spesso entra in collisione con l’arte e con il design.

In questo periodo nascono opere architettoniche (discutibili, ma ricordiamoci gli anni e il governo in ogni caso..) pronte a sfidare ogni logica, da dischi volanti entrati in collisione con nuclei di appartamenti, a torri di controllo guarnite con delfini all’orizzonte.. 90 edifici fotografati nei confini di 14 repubbliche ex sovietiche da Frédéric Chaubin – editor-in-chief di Citizen K, magazine francese, pubblicate da Taschen.

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Cos’è il Time-lapse? E’ una tecnica di ripresa cinematografica in cui la frequenza di cattura di ogni fotogramma è molto inferiore rispetto a quella di riproduzione, praticamente l’opposto del rallenty o slowmotion. Il risultato è che la ripresa scorre molto più velocemente della realtà.

E cosa serve per realizzare un Time-Lapse?

Per realizzare un Time-lapse basta un intervallometro. Oppure nelle reflex Canon (ma credo anche nelle Nikon) basta collegare il computer alla macchina fotografica con il software Canon EOS Utility, e settare un intervallo di scatto che può variare a seconda del soggetto, o dell’effetto che vogliamo dare.

Ovviamente ci serve un cavalletto, indispensabile per non muovere la fotocamera quando scattiamo, oppure possiamo utilizzare particolari cavalletti collegati al nostro intervallometro che ci permetteranno di ottenere spettacolari effetti come panning e carrellate.

A seconda del tempo che pensiamo di metterci potrebbero essere utili delle batterie di scorta, sia per la macchina, sia per il portatile (nel caso utilizzassimo questo come intervallometro).

Poi con tutte questo foto cosa ne faccio?

Poi basta montare le foto in sequenza in un qualsiasi software di montaggio video, after effects è il mio preferito, ma vanno benissimo anche quelli più semplici.

Impostiamo il nostro framerate a 24fps (frequenza cinematografica, 25fps se pensiamo di farlo vedere in TV pal) ed esportiamo. Il gioco è fatto.
Come in ogni tecnica l’unico vincolo reale è la fantasia e l’occhio critico di chi la sta utilizzando.

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Nelle sue foto quasi riusciamo a sentire il profumo (gli acidi per qualcuno sono profumo di vita.. ad esempio per chi scrive!) degli agenti di sviluppo e fissaggio, la pace che solo alla rossa luce della camera oscura riscono a far passare.. Alessandro si occupa con un amico di gestire una camera oscura a Bologna, dove tiene corsi di sviluppo e molte altre iniziative..

Abbiamo fatto qualche domanda ad Alessandro, andiamo a conoscerlo tra una foto e l’altra!

Qui il suo flickr

Qui invece la sua galleria pubblicata da LaRepubblica

Cosa significa per te la parola “reportage” e cosa deve avere per esser tale?

Secondo me un reportage, per essere tale, deve rasentare quanto più possibile l’oggettività. È quasi impossibile essere oggettivi in certi momenti, pur non volendo ci si schiera per motivi che spesso lì per lì ignoriamo, ma che ci appaiono chiarissimi solo a lavoro concluso.
Fare un reportage è una grandissima responsabilità verso il lettore, il fotoreporter è colui che “presta” gli occhi a chi non li ha, a chi per un motivo o per un altro non si recherà mai in quel posto, e che grazie a queste foto prenderà coscienza di un luogo in una determinata situazione.
Il fotoreporter è chiamato a testimone di un evento che spesso influenzerà le masse e aiuterà a formare l’opinione comune che verrà “costruita” in base all’informazione ottenuta.
E se adempiendo ad un compito così delicato, c’è chi riesce anche ad infilarci arte e poesia nelle foto…bè quello secondo me è davvero il massimo.

Cosa vedi dell’Italia ogni volta che torni da un viaggio (politica esclusa)?

Politica eslcusa?!
Allora penso che tutto sommato c’è brava gente..

Reportage nel cassetto?

Poter tornare nel mio vecchio liceo il giorno dei colloqui scolastici per cogliere le occhiate di merito o insoddisfazione dei genitori.

In un’ era digitale fai parte di un gruppo di puristi della pellicola, cosa ti tiene così legato al passato?

Niente e tutto. Ho iniziato a scattare in pellicola e per il momento non ho nessuna necessità di passare al digitale. Nella fotografia analogica, oltre alla ottima resa del b/n, ci vedo un pizzico di poesia: scattare ed aspettare di sviluppare un rullino è un’emozione della quale non mi priverei mai nella vita. E poi, come si dice, “quando la fotografia aveva anche un’odore..”

Un’emozione legata alla camera oscura?

Ce ne sono di nuove ogni volta che ci metto piede..ma la più bella in assoluto, anche se scontata, è il veder apparire l’immagine da un foglio bianco man mano che culli la bacinella con l’acido rivelatore.

Descrivimi la tua area di lavoro, la tua scrivania, il tuo angolo di ripostiglio per le macchine

Le mie macchine sono nella libreria in salotto e i rullini sono in frigo affianco la maionese. La mia scrivania era bianca (ormai ricoperta di scritte di ogni tipo e appunti presi al volo), ci sono forbici, pezzetti di negativo sparsi ovunque e peli di gatto. L’albero della vita di klimt dietro il pc ed almeno un centinaio di foto in b/n attaccate al muro.

Un suggerimento per un giovanissimo?

Non chiedere mai consigli a nessuno, soprattutto a chi si dice fotografo.

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Quando la luce non è così forte da bruciare le nostre immagini, e nemmeno così spiovente da creare ombre al limite del film dell’orrore. Ovviamente è la condizione di luce migliore, ma assolutamente non è sbagliato fotografare durante le altre ore del giorno… ci mancherebbe!

I paesaggi hanno sicuramente un vantaggio incredibile, è solo in quelle ore che il cielo si colora di gradazioni che solo lui è in grado di offrirci. Ecco quindi una raccolta di scatti eseguiti con le prime luci dell’alba.

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Magari in caso di nebbia o pioggia è meglio stare molto attenti alla propria attrezzatura, non tutti sono muniti di reflex o compattine tropicalizzate, però possiamo ottenere degli scatti decisamente particolari e pieni di quel fascino che solo il nostro inverno ci permette di raccontare.

La nebbia poi risalta certi luoghi, ma non solo, la nebbia è un softbox ancora più potente delle nuvole!

E poi non è che tutti conoscono la nebbia.. provate a chiederlo ad un Egiziano..

Non facciamoci condizionare dal tempo, usciamo e fotografiamo.

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Se le vostre foto non sono abbastanza buone, non siete abbastanza vicino. Robert Capa

Tutti sempre a parlare di fotografia di moda, di flash e di postproduzione. Foto talmente perfette da essere dimenticate, o spesso peccatrici di aver dimenticato il vero significato della fotografia, catturare istanti, per raccontare storie.

Con questo articolo vorrei farvi conoscere qualche fotogiornalista di fama internazionale, le loro foto vanno oltre la luce perfetta, raccontano attimi di vita da farci venire i brividi, foto che raccontano storie, storie che probabilmente resterebbero senza volti, solo parole, se non fosse per queste persone che armati di passione sfidano pericoli di ogni genere…

Felipe Dana

Il primo fotografa e racconta il Sud America, non spiaggie e spedizioni in amazonia, ma il Sud America delle guerre di quartiere, della polizia armata, della droga e dello sfruttamento…

Mila Teshaieva

Lavora tra Kiev e Berlino, sicuramente un territorio da esplorare e pieno di storie da raccontare, storie di un’europa in bilico tra est e ovest. Vi consiglio di visionare il suo sito per vedere quanti premi ha vinto…

Jasmine Star

Lei l’ho inserita apposta, per tutti quelli che snobbano la fotografia di matrimonio. Forse lo fate perchè NON SAPETE FARLO! Un matrimonio è una storia fantastica da raccontare, forse più spietato di una guerra (provate a perdervi lo scambio degli anelli…). Fotografie che solo per ciò che raccontano riescono a smuovere emozioni.

–

Vorrei riuscire a presentarne 3 a settimana di questi talenti, per una volta vorrei ESCLUDERE completamente il mondo della moda e della foto da studio, vorrei vedere fotografie nate grazie all’occhio attento alla luce.

Se voleste suggerirmi qualcuno non esitate a contattarmi a questo indirizzo email redazione (AT) sushit.net !!

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Con questo articolo apriamo l’ispirazione al mondo del Logo Design, una raccolta (spero di qualità) di ispirazione tematica per creativi, ma non solo, vorrei trasfomarla anche in un punto di dibattito su ciò che piace e non, perchè la discussione, secondo la mia opionione, stimola la creatività.

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Lo ammetto, questo articolo nasce perchè ho dovuto disegnare i miei, che ovviamente non allegherò a questo articolo per non sfigurare!
In questa galleria troviamo 50 esempi diversi di biglietti da visita per ogni professione, perchè la creatività non viene associata solo al mestiere del grafico o del fotografo (altrimenti poi per chi lavoreremo?), ma anche ad avvocati, personal trainer…

Il supporto

E con questo vorrei spezzare una lancia in favore delle tipografie, soprattutto di quelle che hanno investito in ricerca e sviluppo. E’ vero, i loro prezzi sono decisamente più alti rispetto ai concorrenti online, però la qualità di stampa e la varietà di supporti è decisamente migliore!

Spesso non ci servono 1000 biglietti da visita, quindi magari è meglio spendere qualcosa di più, ma distinguersi dalla massa.

Per supporto intendo le carte o le plastiche (o quello che volete) che potete utilizzare, siamo creativi, cerchiamo di sperimentare!

La fustella

I costi di preparazione non facilitano sicuramente il suo utilizzo, ma sicuramente regala uno stile unico al tuo, o al biglietto da visita del cliente che rappresenti. Anche solo proponendola comunque dimostrerete una grande attenzione per i dettagli, e una soluzione diversa da quello che “anche mio nipote potrebbe fare..”

Gli inchiostri

Non esiste solo la quadricroma (CMYK) o il bianco e nero, possiamo utilizzare colori pantoni, decisamente più vivi, oppure vernici speciali, fluorescenti, UV, termiche… quante ne vogliamo. Basta solo chiamare una tipografiae sentire cosa ci propongono.

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Oggi vorrei parlare di fotografia invernale, che lo vogliate oppure no, in quasi tutta Italia l’inverno è arrivato con prepotenza, freddo, gelo e in qualche caso anche neve! Anche se vige il luogo comune che le stagioni non esistono più, inverno ed estate da noi sono ben visibili, trasformando paesaggi e persone a noi famigliari in qualcosa di magico!

Preparati, magari al caldo

Importante è prepararsi ad affrontare giornate gelide, con le mani sempre esposte non è facile, una buona arma possono essere dei guanti tagliati oppure questi guanti per touch screen, che dopo qualche ora al gelo vi sembreranno un acessorio indispensabile! Il vin brulè è anche quello un’ ottima soluzione, spesso però non va molto d’accordo con i tempi lunghi, se in più ci mettiamo il tremolio del freddo, il mosso è garantito!

Poi ricordiamoci che le batterie con il freddo durano molto meno, una o più di riserva ci daranno la sicurezza di non perdere mai un attimo.
Che altro.. un termos di caffè può sempre aiutare!

Sovraesposizione

Uno dei problemi della neve (oltre al suo essere umida e letale) è che metterà a dura prova l’esposimetro della vostra macchina fotografica, rendendo le vostre immagini di un grigio che non rispecchierà assolutamente la forza colore della neve, e dell’effetto che fa sui soggetti o sul paesaggio. La soluzione (mi raccomando, provare e riprovare rende esperti..) è quella di sovraesporre di un paio di stop.

Niente neve?

Non farti rattristare dal grigio inverno, la desolazione che porta l’inverno e il grigio del cielo, possono donare alle nostre foto una malinconia unica di questa stagione. Un filtro polarizzatore potrebbe rendere i nostri cieli quasi uniformi più vivi creando una cornice ai paesaggi incredibile.

La pioggia invece è in grado di regalarci in città riflessi inaspettati, giochi di luce, che possono rendere le nostre foto uniche.

Ma ora lasciamo spazio alle immagini, buona ispirazione

Lambert

John I. Andresen

Paulo Brandão

Brent Danley

Andrea Costa

Juan Rubiano

Andreas Wonisch

Gregory Bastien

E altre foto:

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Siamo giunti alla conclusione, e come ogni buon concorso che si rispetti abbiamo anche i nomi dei vincitori.. anzi i video!

Sono stati più di 80 (nella sola Italia) i video mandati al sito www.pamperofundacion.it, ognuno con il suo stile, a dimostrare che di giovani talenti promettenti in Italia ne abbiamo molti, e sicuramente non legati a stereotipi e conformi a mode e stili del momento..

Più di 70.000 utenti hanno visitato il sito durante il concorso, con oltre 110.000 visualizzazioni per i video in concorso (Direi un ottima vetrina no??)

Ma lasciamo parlare i video vincitori, che si sono portati a casa una telecamera Sony HVR-Z5E (premio della giuria), strumento perfetto per il giovane documentarista e una macchina fotografica Canon 5D Mark (premio del pubblico).

“L’altro lato del giardino dei sensi”

“Gatta rossa”

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Questa loro nuova collezione aggiunge altre 4 grafiche alla scorsa edizione,uscita in tiratura limitata  lo scorso anno, ma non è solo questo, è libertà di espressione nei mezzi che loro preferiscono, fotografia, video.. infatti in queste foto troviamo la creatività di DAVID HATTERS (in maiuscolo!ne abbiamo parlato qui).
Ma vediamo di farci raccontare proprio da loro questa nuova collezione tra una foto e l’altra!

Per informazioni su Heroes_Art: heroes_art@hotmail.it

Presentaci la nuova collezione Heroes_Art.
La nuova collezione, prevede l’inserimento a catalogo di 4 nuove grafiche che vanno ad aggiungersi alle 4 gia proposte in serie limitatissima la scorsa estate. Abbiamo aggiunto, diversificazioni di modelli e colori, per andare incontro il piu possibile alle esigenze del pubblico. Particolare attenzione la stiamo riservando alla promozione delle nostre nuove creazioni e circondandoci di ottimi collaboratori abbiamo prodotto e lo stiam facendo tutt’ora, materiale di indubbia qualità come foto e video per dare un idea più ampia di cosa sia Heroes_Art e non fermarci semplicemente alla promozione di una particolare T-Shirt.

Perchè Heroes_Art ha una marcia in più, cosa vi distingue dalla massa.
Crediamo che sia necessario, portare idee, aria fresca in questo settore. Unire l’ideale “bella maglia” o “bel capo di abbigliamento”, ad un significato, un senso, un pensiero. Ogni nostro studio grafico parte essenzialmente da un concetto, un tema molto forte, che sia attualità, pensieri nella testa di tutti, che non vengono espressi o comunque mai interpretati da una matita. Si trasporta tutto su carta e si cerca il modo migliore, il più diretto e chiaro possibile per rappresentarlo. Heroes_Art è anche divertimento, perche pensiamo fortemente che collaborare alla creazione di eventi e party, sia un ottimo modo per diffondere e valorizzare questi princìpi.

Dove sarà Heroes_Art tra un anno?
Non sappiam nemmeno che faremo domani! prevedere un anno è difficile! Apparte gli scherzi, vediamo Heroes_Art crescere giorno dopo giorno, incontrando gli apprezzamenti di molti, che ringraziamo qui pubblicamente, quindi continuando cosi non c’è motivo di guardare al futuro con preoccupazione. La spensieratezza e il noto “Carpe Diem”,sono valori che ci portiamo nella vita di tutti i giorni, e li vogliamo fortemente presenti anche come segno distintivo per Heroes_Art.

Programmi di propaganda futuri???
Stiamo attivando in questo periodo molti canali, che crediam in un futuro prossimo possano dare i frutti sperati. Collaborare nella creazione di eventi resta una priorità, perchè intrattenere e dare nuovi stimoli è una priorità in Heroes_Art. Troviamo collettivi molto disponibili nei confronti del nostro progetto, e pensiamo sia un grande punto a favore circondarsi di collaborazioni entusiaste del nostro lavoro. Per questo ringraziamo anche Sushit per il forte sostegno che da a diverse realtà, anche come la nostra, permettendoci di rendere maggiormente fruibili le buone idee e progetti che si affacciano al grande pubblico.

E ora torno a parlare io, anzi, lascio parlare la foto che proclama Heroes_Art un duo terribilmente BULLO!

Complimenti ragazzi, farete strada!

Questa è tutta la collezione.

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Studiando Architettura impara (e continua a farlo) le regole della cosiddetta “purezza“, come dice lui ispirandosi alle parole “LESS IS MORE“, del ben noto architetto Ludwig Mies van Der Rohe.

Il cinema è fondamentale nel suo lavoro, da sempre appassionato, in lui trova ispirazione, e da quello che ho potuto osservare dalle sue foto, anche una grande forza espressiva.
E come ogni buon utilizzatore di DSLR non tarderà a realizzare qualche video, con la sua passione, speriamo di vederlo in anteprima!

Ma conosciamo meglio HATTERS

Spiegaci meglio il concetto “Less is More”

Letteralmente tradotto, Less is More significa “il meno è il più“.
Cosa vuol dire?Vuol dire che per ottenere un risultato di qualità è meglio togliere che aggiungere, che l’abbondanza non sempre è sinonimo di Qualità migliore. Il modo di dire nacque in un periodo dell’architettura in cui si cercava ti togliere il superfluo,tenere solo l’essenziale, e mostrarlo in tutta la propria eleganza. Se infatti andate a vedere le opere di Mies Van Der Rohe ve ne accorgerete.
Per quanto riguarda il mio modo di operare il principio è lo stesso. Quando creo qualcosa di mio, cerco di farlo denudando la foto di ciò che non serve, tenenedo solo l’anima e il significato.Ovviamente se poi mi viene commissionata  un certo tipo di foto, si rispetta l’esigenza del richiedente, ma quando mi
approccio ad un lavoro mio, cerco di farlo in modo semplice ed elegante, anche se devo dire che ultimamente sono attratto dalle cose più spinte, più rock, più “porno”, e con porno non intendo l’erotismo e la volgarità, ma la spudoratezza nel quale si affronta un tema e lo si porta davanti gli occhi altrui.

Cosa ti piacerebbe cambiare della tua città (Vicenza).

Domanda strana. Eh,della mia città cambierei forse la mentalità di certe persone. I luoghi sono belli, è una cittadina tranquilla e famosa in tutto il mondo per le sue splendide opere architettoniche, ma ciò che funziona poco è la mentalità di molti.Siamo indietro,non abbiamo larghe vedute, e questo nuoce molto alla crescita soprattutto artistica, della città. Qualcosa si è smosso ultimamente, ma ancora molto a rilento.
Bisognerebbe osare di più.

Cosa stimola principalmente le tue idee, la tua creatività?

Ciò che mi stimola maggiormente è la Donna. Il sesso femminile. Il volto, le espressioni che si possono cogliere,le forme che si possono ammirare e toccare, la bellezza che emana, la poesia che lenta scivola dal suo essere.
La donna si sa, è forse la cosa che più affascina l’uomo, o perlomeno la maggior parte degli uomini. E io sono attratto dalla donna per come è e per come potrebbe essere, mi attira nella purezza tanto quanto nell’arroganza, nel momento in cui è naturale e nel momento in cui , da quanto è truccata, sembra
tutt’altro.
La donna, decisamente, mi stimola.
Ma non escludo il resto.

Quale luogo, ora come ora, attira principalmente la tua curiosità?

New York! Manhattan! voglio andare in America, voglio andarci al più presto, e poi girare tutto il resto del mondo. Giappone per secondo!
L’ho sempre sognata fin da piccolo l’America, sono cresciuto con gli americani dietro casa e giocavo con loro, cosa che sicuramente ha dato inizio a tutto. e poi ne sono stato attratto per quanto riguarda il cinema, mia seconda passione (sto scrivendo un corto molto introspettivo), per cui l’America è sicuramente al primo posto. Poi viene il giappone, Paese super tecnologico, Paese da fumetto, e al contempo Paese elegantissimo da usi e costumi antichi, con una storia millenaria alle spalle e un aurea di mistero che non può che attrarre.

Sogni per il futuro?

Sogni, beh, conquistare il mondo.E non scherzo. Non ho paura né mi vergogno a dire che voglio arrivare al top, non ci vedo niente di male. Molti hanno semplicemente paura di sognare, e criticano chi punta in alto solo perché loro non ne avrebbero il coraggio. Io credo in me stesso, e credo in un futuro
uguale a come l’ho sempre sognato. Un futuro in cui aver successo e merito in base a ciò che amo fare.
Dico spesso che entro i 60 anni voglio essere intervistato sul Forbes.
Ce la farò.

Cosa ne pensi dei collettivi?

Se per collettivi intendi le mostre collettive, beh, non c’è niente di male. All’inizio è difficile pretendere di poter fare mostre personali,e i collettivi sono un buon modo per iniziare e farsi conoscere. Bisogna chiaramente stare attenti poi a che collettivi si fa,purtroppo ci sono troppe case d’arte poco serie che impongono all’artista di pagarsi la mostra, che sia collettiva o personale, io credo che se una galleria crede in un’artista, dovrebbe sponsorizzarlo al 100%, infine poi ce ne guadagnano loro.

Vai oltre la fotografia e prova a descrivermi un oggetto sulla scrivania come un’emozione.

Grigio, ma non per questo cupo.
Nero, ma non per questo scontroso.
Luminoso, ma non divino.
Leggero ma al contempo pieno di cose; ampio anche se di dimensioni contenute. Chiaro, seppur misterioso. Fedele,veloce,bello,e mille altri aggettivi.
Compagno indispensabile di avventure,di creazioni,di viaggi,di pensieri,di scoperte, di emozioni,di suoni,di immagini.
Mai potrei vivere senza lui, è una parte fondamentale di me,il suo uso ha riempito le mie giornate, e come me quelle di molti altri. Ma lui è solo mio.
Si è preso il compito di contenere dentro di se tutte le cose a me più care, tutti le mie “figlie”, i miei prodotti, le mie realtà.
Non lasciarmi mai,
MAC.

Un aggettivo per il tuo stile. E uno per la tua scrivania.

Trovare un aggettivo per sè stessi nonè mai facile, soprattutto se lo stile che si persegue è volubile, cambia,si migliora col tempo, esplora nuovi orizzonti e nuovi modi d’essere per questo , forse, il termine adatto è …
non so, forse vorrei quasi non attribuirmene uno,dato che mi piace essere multisfaccettato.fare molte cose,variare,senza rimanere chiuso in un solo aggettivo.
Chiamatei vario, vasto, multifunzionale, multivisionario, multitasking. fate voi.
Io rimango uguale pur cambiando.

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I suoi collegamenti:

www.artereazione.org

www.vimeo.com/bornholmer

E ora qualche domanda per capire meglio il suo lavoro, come la pensa, e come si vive a Berlino.

1. Nelle tue immagini vedo il colore come parte integrante della forma, quasi a
realizzarne un’unica visione astratta, in parole cosa vorresti trasmettere?
Parto subito da un esempio. In elektro-kokon si parte da una riflessione sulla struttura
dell’universo. L’universo come rete di onde elettro-magnetiche. Quando un essere compie
un’azione (nasce, si evolve, procrea, muore) sprigiona un’energia che tocca una o più di
queste onde che, come corde di un violino, vibrano e suonano. La “macchia” di colore nero,
il performer, nel video cosi come nella performance live, vuole rappresentare uno
qualunque di questi esseri: animale, pianta, pianeta, galassia che sia. Per tal ragione è
astratta, indefinita, universale.

Descrivimi le emozioni che vorresti trasmettere con le tue immagini, spesso coincide
con quello che ci vedono gli altri?
Nei miei progetti individuali così come in quelli di Artereazione si parte spesso da teorie biofisiche
o socio-antropologiche complesse, in un certo qual modo affascinanti perchè si
trovano al limite tra scienza e filosofia. Tutto passa però per il processo artistico che
scardina, semplifica, porta all’essenza la ragione per renderla emozione. L’emozione è
linguaggio universale e nel progetto artistico la teoria quasi si perde. Ma grazie
all’approccio multimediale, interattivo il visitatore/spettatore ha la possibilità di entrare
nell’opera, ricevere e dare feedback, vivere un’esperienza artistica che diventa una vera e
propria esperienza di vita.

Dall’estero come vedi l’Italia? E perchè siamo visti come i migliori creativi (forse di
un tempo) del mondo, ma il nostro sogno rimane quello di andare altrove?
Molto creativi noi italiani, è vero, spesso però pecchiamo di “romanticismo”. Ci crogioliamo
nell’etichetta dell’artista, nel suo clichè. O forse l’ambiente che ci circonda ci fa comportare
così. In altri paesi il settore artistico è più al passo coi tempi. Gli artisti si costruiscono
professionalità, competenze, specializzazioni; fanno investimenti, partnership; hanno a che
fare con clienti, investitori. Insomma gli artisti sono professionisti che rispondono ad un
mercato dell’arte che non è fatto più solo di gallerie, festival e teatri, ma anche di privati,
fondazioni, aziende che investono nell’arte, o ancora meglio, che comprano un prodotto
artistico. Forse per questo noi italiani andiamo altrove. Per sentirci e comportarci come
professionisti.
Berlino, cosa ne pensi?
Premessa: Berlino è al momento senza dubbio la capitale europea dell’arte. Premessa
necessaria visto ciò che dirò: a mio parere, la quantità di “arte” prodotta ed esposta a
Berlino è superiore alla sua qualità. E’ davvero difficile trovare qualcosa di interessante tra
le decine di vernissage e finissage che allietano ogni weekend berlinese. Credo che il
motivo principale (ce ne sono altri) per cui tanti artisti (me compreso) siano attratti da
questa città è molto semplice e schietto: Berlino costa poco. Questo aumenta la quantità e
abbassa la qualità. Tuttavia nella moltitudine nascono anche il confronto e la competizione.
Per esempio nel mio specifico ambito artistico multimediale ho trovato una professionalità a
livello tecnico e organizzativo che mi ha aiutato a ridimensionare il mio Ego e mi ha spinto
ad acquisire maggiori competenze per poter competere con gli altri.

Descrivi il tuo percorso formativo e dai un consiglio a chi è alla prime armi?
Un percorso che può sembrare forse atipico. Learning-by-doing. Senza alcun tipo di
formazione accademica, ho cominciato a lavorare saltuariamente come assistente,
collaboratore a progetti artistici di vario genere. Così ho imparato un approccio pratico al
lavoro artistico. Ed ogni volta ho imparato e sviluppato delle tecniche, dei linguaggi. Poesia,
performance, video, multimedia. Varie discipline certo, ma ho capito pian piano che non
erano indisciplinate le mie inclinazioni, solo multidisciplinari. Così ho cominciato a
sviluppare un mio proprio linguaggio artistico lavorando su miei progetti e coinvolgendo altri
giovani artisti. Insieme ad alcuni di loro si è deciso poi di dar vita ad un network artistico,
Artereazione, per continuare ad imparare dal mutuo confronto e sperimentare nuove
modalità di espressione artistica. Per onor di cronaca ho poi deciso di frequentare una
scuola, corso serale a quella del cinema.
Il consiglio?Prima di tutto bisogna trovare il proprio mezzo di espressione. Poi viene il resto.
Credi nei collettivi? E perchè è così difficile realizzarli e coordinarli?
Reputo imprescindibile il lavoro di gruppo in alcuni ambiti artistici quali produzioni video,
teatrali o multimediali. Poi il collettivo permette lo scambio di idee e tecniche, processi
creativi multiprospettici e la divisione di responsabilità e competenze. Spesso però i
collettivi diventano una firma e quindi si chiudono in sé stessi e rischiano di diventare
statici. Noi con Artereazione abbiamo scelto una formula diversa: il network artistico (si
potrebbe forse chiamare anche cooperativa). Il nome Artereazione vale solo come
produzione e non come autore. Esiste ovviamente una direzione artistica (linea estetica,
concettuale, tecnica, etc…), ma di fatto un progetto può avere autori e collaboratori diversi
dipendendo dalle necessità, dalle caratteristiche del progetto stesso.

Domanda geek. Strumenti che utilizzi?
Nell’ambito multimediale sono davvero tanti gli strumenti che bisogna padroneggiare. Io
personalmente utilizzo: come software, principalmente le suite FCP e Adobe per grafica e
video editing, VVVV per interazione e generazione audiovideo realtime, Resolume per live
streaming; come hardware, MIDI controller Korg, sensori di movimento e bio-metrici IcubeX
e vari modelli di videocamere e videoproiettori; e poi i cari vecchi attrezzi da
carpenteria per gli allestimenti! Poi durante i progetti collaboro sempre con qualcuno che
complementa le mie competenze così all’interno di Artereazione ci sono persone
specializzate in software e hardware per live streaming (isadora, vdmx), physical computing
(arduino), sound design (reaktor, processing, max/msp), progettazione scenografica
(vector, autocad) e poi gli immancabili performer specializzati in vari generi performativi.

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In questo caso parliamo di Mirko Santangelo (qui l’articolo) che ha vinto la competition Arrivano i Guru 2010.

Premiato niente meno che da Mr. Dave Cross, uno dei massimi esponenti della NAPP e della Photoshop User TV.

Un grande onore per lui, e un grande onore per noi averti conosciuto.
Complimenti Mirko, e come te ne aspettiamo molti altri!

http://www.mirkosantangelo.com

http://www.arrivanoiguru.com/

http://www.adobeguru.com/

il vincitore

le foto dell’evento

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Sono molto forti le sue origini da street artist, ma probabilmente, ancor prima, da Topolino, un tratto duro e reale, in perfetta coerenza con la fantasia.

Ma conosciamo un po’ Fulvio, con qualche domanda..

Cosa ispira maggiormente la realizzazione dei tuoi lavori?
Innanzitutto la voglia di creare qualcosa di nuovo, sia per quanto riguarda la forma, fisicamente parlando, sia per quanto riguarda il concetto, ad esempio nella lavorazione dei miei Zippo, e sia per quanto riguarda lo stile, come nelle mie illustrazioni-tele in cui credo di aver introdotto un grafica decorativa che si avvicini anche ad uno stile street. Insomma la voglia di “lasciare un segno” in questo ambiente in cui è fondamentale distinguersi creando qualcosa a cui altri non avevano ancora pensato. Ovviamente alla base di tutto c’è una grande passione verso la creatività, l’arte e il dipingere in generale, che mi porta a trasferire questa esperienza su vari supporti!

Il tuo colore preferito? e lo strumento che più utilizzi…
Il mio colore preferito è sicuramente l’azzurro, sia per una questione di cromia che per una questione di pratico utilizzo, infatti mentre altri colori come il giallo, l’arancio il rosso possono creare fastidio e far perdere parecchio tempo, l’azzurro adempisce al suo compito quasi immediatamente e non crea mai problemi!
Lo strumento che più utilizzo è senza dubbio il pennello, dalle più svariate dimensioni, pensando che vado dalle pareti agli accendini, integrando spesso con l’aerografo che fornisce sempre particolari effetti e sfumature,  ma che non permette il totale controllo come un pennello.

Dove vorresti vedere un tuo lavoro? e c’è una persona dalla quale vorresti essere apprezzato? (critico, giornalista…)
Scuramente mi piacerebbe vedere qualche mio Zippo dipinto a mano, tra le mani di grandi collezionisti, perché vorrebbe dire che sono arrivato a soddisfare il gusto di gente che ha molto a cuore questo accessorio. Per quanto riguarda gli apprezzamenti, quando sono sinceri  i più graditi sono sempre quelli che arrivano colleghi!

Presentaci qualche artista che apprezzi particolarmente. (di qualsiasi disciplina)
Essendo appassionato di writing e streetart, il primo che mi viene in mente è sicuramente Wany, per la sua enorme capacità di illustrazione e per la sua capacità di inventarsi sempre qualcosa di nuovo anche se porta avanti sempre un soggetto, e non dimenticando le grandi proprietà tecniche in suo possesso

Guarda la tua scrivania, descrivici quello che vedi!
Quando lavoro forse è meglio non guardare la mia scrivania. Preso dall’entusiasmo del lavoro e dalla voglia di terminare un opera cado nel disordine assoluto, in cui devo dire però ci navigo senza problemi, magari mettendoci qualche secondo in più a trovare ciò che mi serve, ma alla fine lo trovo sempre. Pennelli, colori, acqua, matite, gomme, fogli,  vanno ad accumularsi sul tavolo fino a  costringermi a lavorare su una piccola porzione di scrivania, fino a che in un attimo di lucidità sposto gli oggetti che mi stavamo assalendo e mi riprendo i miei spazi. Una volta finito ovviamente riordino il tutto fino all’inizio di un nuovo lavoro!

http://WWW.TONELART.IT

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Il suo rapporto con la fotografia nasce un po’ per caso, in seguito all’acquisto di una reflex digitale. La possibilità di vedere i risultati sul computer, quasi immediatamente, dà la possibilità ad Andrea di confrontarsi con i suoi errori e migliorare.

“Considero la fotografia un modo per esprimermi liberamente e per immortalare degli attimi che ritengo importanti e unici. Mi piace sperimentare diversi stili in base a ciò che voglio esprimere, prediligendo foto di paesaggi e foto di architettura, due generi importanti visti gli studi che sto seguendo.”

Chi è, per te, Andrea? E come vede il binomio fotografia/architettura?

La prima domanda è subito la più difficile! Non è semplice parlare di se stessi. Posso dire di essere un sognatore ma con le idee abbastanza chiare su ciò che vuole fare nella vita. Mi pongo spesso obiettivi che so non essere alla mia portata, “sfidando” me stesso cerco continuamente di migliorarmi sia nell’ambito fotografico che nelle tante altre cose che faccio.

Andrea è sicuramente una persona determinata ma che ammette di avere comunque dei limiti che tiene ben presenti.

Il binomio fotografia/architettura è sicuramente parte fondamentale del mio percorso lavorativo e fotografico di Andrea.

Sicuramente un architetto deve saper fotografare ed integrare nelle sue conoscenze anche un poco di fotografia. Un’architettura può essere osservata e percepita in diversi modi, alcune persone apprezzano la maestosità e la grandezza di un edificio, altri i dettagli, altri ancora magari scelte stilistiche come ad esempio l’illuminazione. Ugualmente la fotografia può cogliere tutto questo in modi sempre diversi e personali, quindi un architetto può sfruttare la fotografia come un metodo d’indagine per cogliere e valutare questi elementi sia nei propri lavori che in quelli di altri.

La foto di cui sei più fiero? La foto che vorresti scattare o avresti voluto scattare?

Probabilmente la foto di cui vado più fiero è una che fa parte del reportage sui pescatori di Noli: la foto del pescatore che tende la rete credo che sia la mia preferita per diverse ragioni di cui parlerò anche più avanti…

Non saprei dire quali foto vorrei scattare. Per me la fotografia non è qualcosa di deciso a priori e che va organizzato. Una “bella” foto potrei scattarla in qualunque momento, per questa ragione non posso dire a priori che foto vorrei scattare perché dipende da ciò che mi colpirà e ciò che il mio sguardo riuscirà a cogliere.

La foto che avrei voluto scattare? Tante, purtroppo. Non sempre posso portare la macchina fotografica con me e spesso non ho avuto la possibilità di immortalare momenti di vita nelle vie della mia città oppure anche dei veri spettacoli della natura.. Ricordo che poche settimane fa, percorrendo in macchina una strada di Genova ho potuto vedere un tramonto dai colori pastello che si specchiava sul porto… Quella sarebbe stata una bellissima foto ma che non ho potuto scattare perché non avevo con me la mia macchina fotografica… Però posso sempre sperare di riuscire in futuro ad assistere nuovamente ad un tale spettacolo e a fotografarlo.

Scatti paesaggistici: com’è il tuo rapporto con la natura?

La natura è uno dei principali soggetti da me fotografati, quindi ho ovviamente un buon rapporto con essa. Amo immortalare momenti particolari e quasi irripetibili che la natura ci offre, che possono essere un tramonto dai colori unici come dicevo prima, oppure una giornata di pioggia con le nuvole che incombono; praticamente tutto ciò che attira il mio sguardo e che mi emoziona.

Vivendo in Liguria ho la possibilità di apprezzare il binomio costante tra mare e monti: è semplice passare da una passeggiata in spiaggia ad una camminata sulle colline e questo mi offre degli spunti fotografici notevoli, ad esempio immortalare una montagna innevata e il mare sullo sfondo. Questo fa sicuramente parte del mio bagaglio di esperienze fotografiche.

Di conseguenza.. ci parli del tuo progetto in Liguria?

Il mio progetto riguarda una piccola realtà che si trova qui in Liguria: ho voluto realizzare un reportage sui pescatori di Noli in provincia di Savona. Pur potendo sembrare una tematica “semplice” e di poco interesse è importante pensare che questa è una realtà rimasta inalterata nel corso dei decenni.

In questo piccolo comune sul mare è possibile ammirare diversi pescatori andare a pesca con i tipici gozzi liguri come avremmo potuto vedere decine e decine di anni fa. Ho voluto immortalare la vita di queste persone passando alcune giornate in questo piccolo paese, a volte anche senza scattare una sola foto, ma solo per cogliere ed apprezzare tanti gesti e vite di persone comuni.

Credo che sia importante poter ricordare e documentare una tradizione e un lavoro di questo tipo che un giorno potrebbe non essere più esistente e anche per consentire ad altre persone di apprezzare questo piccolo spaccato della nostra cultura.

Domanda di rito: a chi ti ispiri per le tua fotografie?

Personalmente mi piace ispirarmi ad altri giovani fotografi come me. Ritengo che quelle sono foto più genuine e naturali, foto che non sono “belle” perché foto d’autore, legate a nomi famosi, ma perché sono scatti che esprimono qualcosa ed emozionano chi le guarda a prescindere da chi ha eseguito lo scatto.

Ultimissima: consiglio ai giovani (architetti e non) che vogliono intraprendere la strada della fotografia..

Dare un consiglio non è semplicissimo perché ognuno vive la fotografia in maniera differente. Posso però dire che è importante iniziare a fotografare tutto ciò che attira il nostro sguardo e il nostro interesse senza pensare troppo se una foto tecnicamente è esatta o meno. E’ importante “allenare” il proprio sguardo a vedere attraverso un obiettivo e a pensare che una foto nasce prima di tutto nella nostra testa. Credo, inomltre, che ognuno debba riuscire in qualche maniera a trovare un proprio stile fotografico che lo renda unico e riconoscibile rispetto agli altri fotografi.

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Ecco in breve cosa succederà in questi tre giorni:

COSA: Temporary shop di Design, Complementi, Accessori, Food, Illustrazione, Fotografia

QUANDO: Venerdì 17 dicembre dalle ore 10.00 alle 20:00/Sabato 18 dicembre dalle ore 10.00 alle 22:00/Domenica 19 dicembre dalle ore 10.00 alle 20:00

DOVE: Drugstore Gallery – Antica Necropoli Portuense, Via Portuense 317 – Roma, Italy

COME: Gli artigiani/designers che vogliano partecipare al temporary shop sono invitati ad inviare una mail ai nostri contatti con una sintetica descrizione dei loro oggetti e prodotti. La partecipazione prevede una quota d’iscrizione.

Ogni partecipante avrà a disposizione uno spazio espositivo allestito con moduli di supporto in cartone, uno stand metallico e un punto luce.

INFO: info@designtrasparente.com, michelefanfulli@hotmali.it

CONCEPT: Atelier Designtrasparente (Emiliano Brinci, Francesca Soluzioni), MicheleFanfulliStudio (Michele Fanfulli), Giampietro Preziosa.

Il tempo stringe, affrettatevi e partecipate numerosi!

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Come ci aveva già accennato, il suo progetto “Ritratti di Precari” è ora realtà ed è in mostra a Pesaro, allo Scalone Vanvitelliano.

La mostra non è un punto di arrivo, ma una tappa di questo percorso che vuole portare il progetto a chi ancora non lo conosce, nè è incuriosito e a chi vuole vederlo nel suo sviluppo.
Essere precari non è solo una condizione lavorativa, ma un modo di vivere.
Essere precari significa non poter fare progetti,
Non poter stare tranquilli.
Non avere diritti.. o per lo meno, rinunciarvi, per mantenere il proprio impiego.
Non potersi comprare una casa
Una macchina
Progettare di avere figli.
Essere alla continua ricerca del lavoro “dopo”.
Non avere pensione.
Piegarsi e accontentarsi di quello che si trova.
Studiare anni e anni e scoprire che quelle lauree non servono a nulla o poco più.
Essere disillusi.
Rassegnati.
Chiudersi.
Perdere piano piano la nostra dignità
La nostra Individualità.

Non parlarne, non cambierà le cose.
Alzando la testa e raccontandoci, forse, sì!
Questo progetto racconta in maniera totalmente libera e apartitica la realtà oggettiva delle persone, giovani e non, che si trovano in questa condizione.

Chiara Schiaratura.

Inaugurazione il 10 Dicembre alle ore 17. La mostra rimmarrà aperta fino al 24 dicembre, dal martedì alla domenica, dalle 18 alle 20.

www.chiaraschiaratura.com/ritrattidiprecari.html

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Chiara Cremon è vicentina e mamma del piccolo Sebastian. La sua storia comincia con un diploma come operatrice di moda, gli studi in storia dell’arte e un lavoro in laboratori creativi per bambini. La svolta quattro anni fa, quando si trasferisce in Germania con la famiglia. Qui scopre un’attenzione viva per le tematiche ambientali e sposa la causa verde. I suoi piedi amano fare lunghe pedalate e stare all’aria aperta. La sua mano è invece instancabilmente attratta dalla libertà di ago e filo e dai colori dell’arte contemporanea. Queste sue passioni sono la base dell’idea delle Eco Bag.

Chiara ama il giardinaggio, il cinema e il jazz. Ha scritto un libro di cucina con gli altri stranieri della cittadina tedesca in cui vive.

Claudia Zigliotto l’ha intervistata per noi..

Perchè le EcoBag?

Un piccolo gesto quotidiano di rispetto per la natura. Nelle piccole cose possiamo fare la differenza. Una ECObag significa fare la spesa in modo più intelligente e ridurre l’inquinamento dei sacchetti di plastica. Pensare eco è uno stile di vita. Cerco di trasmettere la mia anima verde nel lavoro.

Come scegli i tessuti per le tue stoffe?

I tessuti vengono scelti e comprati in piccoli stock in base a due criteri fondamentali: la resistenza e l’estetica. Imprescindibili l’uno dall’altro.

A cosa ti ispiri quando crei?

Io sono una spugna, come i bambini assorbo tutto. Profumi, odori, colori. Dalla natura in particolare, ma anche dai viaggi, dalla musica, dall’arte. Poi sono una mamma e penso al lato pratico ed etico delle mie borse. Ecco, credo che in ogni mia borsa ci sia un pezzetto di tutto questo, una parte della mia vita.

Ambiente e arte. Parlaci del progetto Nim.

Nim (neuroni in movimento) è un gruppo teatrale sperimentale formato da giovani professionisti.  Condivido la loro idea: salvare una forma d’arte in via di estinzione, il teatro. Le borse che ho creato per loro sono vendute durante i loro spettacoli per autofinanziasi. Una forma di arte imprenditoriale. Sono con loro e con chi crede in un sogno e lo coltiva con onestà e convinzione.

Nuovi progetti?

La mia vita è casuale. Mi lascio ispirare da quello che mi circonda. I prossimi progetti saranno una sorpresa anche per me.

Chiara ha un sito (nimitecobag.wordpress.com), una galleria fotografica con le sue borse su flickr (flickr.com/photos/nimit-ecobag) e una pagina su facebook (www.facebook.com).

Ringraziamo di vero cuore Claudia per l’articolo e l’intervista a Chiara.. grazie!

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L’iniziativa della “factory” è recente (fine 2009), nata a ridosso di una vita professionale vissuta per entrambi nell’illustrazione, la grafica e, soprattutto, la progettazione editoriale. Esperienze che, in parte, influenzano la produzione.

Davide Lopopolo è di Milano, diplomato al II° Liceo Artistico di Brera-Milazzo durante uno dei periodi che lui stesso reputa più liberi, creativi e stimolanti. Si è specializzato in fotografia, formandosi in agenzie di pubblicità e scegliendo la libera professione per occuparsi di art direction, progettazione editoriale e graphic design.

Loredana Cattabriga è nata a Napoli e si è diplomata al I° Liceo Artistico di Milano. Si è formata in un piccolo studio creativo di architetti, illustratori e designer milanesi, scegliendo poi la strada della grafica editoriale nelle maggiori case editrici italiane.

L’attuale crisi li ha spinti a riprendere in mano tele, pennelli (e computer Mac), per tuffarsi in quello che è sempre stato il grande amore: l’arte, il creare e la manualità, con la convinzione di avere, forse, qualcosa di interessante da dire.

Davide, dopo alcune partenze che non lo convincevano al cento per cento, è giunto alla creazione tridimensionale di installazioni e robot, con puntate nel figurativo, la grafica e i multipli. Loredana rappresenta invece la parte più creativa e visionaria della factory, grazie anche all’ottima mano nell’uso di colori e pennelli.

Dicono di loro: “Insieme formiamo lo Yin e yang che si equilibra e si sprona a vicenda, anche a costo di aspri conflitti.”

Di seguito, 4 serie diverse:

- Uomo Nero: acrilici su tela di dimensioni varie. L’uomo nero ormai non fa più paura. Oggi l’uomo nero porta giacca e cravatta e macina affari.

- Robot: realizzati con materiali di recupero, cartapesta e acrilici. Le dimensioni variano da 1,80 metri (robot esposti al Superstudio Più), a 55 cm.

- Serie Grafica: poster realizzati in stampa digitale numerata e con interventi che variano dai pastelli a olio al feltro. Formato 70×100.

- Varie: comprendono acrilici su tela (Nirvana, Fiori&Cuori), acquerelli e pastelli (cane&gatto) e acrilici.

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A chi si rivolge? Ai filmakers emergenti, a chi ha voglia di raccontare una storia e mettersi in gioco; a chi cerca uno spazio per pubblicare il proprio lavoro; a chi vuole confrontarsi con il giudizio di un pubblico e di una giuria.

Il contest consiste nel realizzare un documentario della durata dai 2 agli 8 minuti incentrato sul proprio bar preferito: una serata particolare, la quotidianità, la storia dei clienti e dei proprietari.. tutto è lasciato alla creatività del regista.

Come si legge sul sito, l’obiettivo di Pampero Fundaciòn è “aggregare persone interessate a produrre, scrivere, montare, dirigere, o anche solo guardare dei bei documentari, e dare loro una serie di servizi ineguagliati nel panorama culturale che ci circonda. Diventare un punto di riferimento per tutti coloro che potrebbero essere interessati al mondo del cinema e del documentario, ma che non hanno ancora preso in mano una telecamera.”

Ed è proprio il sito pamperofundacion.it il punto di partenza per rimanere informati sugli eventi organizzati dalla fondazione; tra questi ultimi spiccano i seminari e gli interventi tenuti da registi e professionisti del settore, anche internazionali.

Perchè partecipare? Perchè è un occasione unica che offrirà un’importante vetrina a chiunque sia interessato al mondo dei documentari e soprattutto 2 fantastici premi: una videocamera professionale Sony Z5 al primo classificato e una Canon 5D Mark II, al secondo.

Cosa state aspettando? Creatività e videocamera alla mano, avete tempo fino al 30 novembre!

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