Cos’è il Time-lapse? E’ una tecnica di ripresa cinematografica in cui la frequenza di cattura di ogni fotogramma è molto inferiore rispetto a quella di riproduzione, praticamente l’opposto del rallenty o slowmotion. Il risultato è che la ripresa scorre molto più velocemente della realtà.

E cosa serve per realizzare un Time-Lapse?

Per realizzare un Time-lapse basta un intervallometro. Oppure nelle reflex Canon (ma credo anche nelle Nikon) basta collegare il computer alla macchina fotografica con il software Canon EOS Utility, e settare un intervallo di scatto che può variare a seconda del soggetto, o dell’effetto che vogliamo dare.

Ovviamente ci serve un cavalletto, indispensabile per non muovere la fotocamera quando scattiamo, oppure possiamo utilizzare particolari cavalletti collegati al nostro intervallometro che ci permetteranno di ottenere spettacolari effetti come panning e carrellate.

A seconda del tempo che pensiamo di metterci potrebbero essere utili delle batterie di scorta, sia per la macchina, sia per il portatile (nel caso utilizzassimo questo come intervallometro).

Poi con tutte questo foto cosa ne faccio?

Poi basta montare le foto in sequenza in un qualsiasi software di montaggio video, after effects è il mio preferito, ma vanno benissimo anche quelli più semplici.

Impostiamo il nostro framerate a 24fps (frequenza cinematografica, 25fps se pensiamo di farlo vedere in TV pal) ed esportiamo. Il gioco è fatto.
Come in ogni tecnica l’unico vincolo reale è la fantasia e l’occhio critico di chi la sta utilizzando.

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Nelle sue foto quasi riusciamo a sentire il profumo (gli acidi per qualcuno sono profumo di vita.. ad esempio per chi scrive!) degli agenti di sviluppo e fissaggio, la pace che solo alla rossa luce della camera oscura riscono a far passare.. Alessandro si occupa con un amico di gestire una camera oscura a Bologna, dove tiene corsi di sviluppo e molte altre iniziative..

Abbiamo fatto qualche domanda ad Alessandro, andiamo a conoscerlo tra una foto e l’altra!

Qui il suo flickr

Qui invece la sua galleria pubblicata da LaRepubblica

Cosa significa per te la parola “reportage” e cosa deve avere per esser tale?

Secondo me un reportage, per essere tale, deve rasentare quanto più possibile l’oggettività. È quasi impossibile essere oggettivi in certi momenti, pur non volendo ci si schiera per motivi che spesso lì per lì ignoriamo, ma che ci appaiono chiarissimi solo a lavoro concluso.
Fare un reportage è una grandissima responsabilità verso il lettore, il fotoreporter è colui che “presta” gli occhi a chi non li ha, a chi per un motivo o per un altro non si recherà mai in quel posto, e che grazie a queste foto prenderà coscienza di un luogo in una determinata situazione.
Il fotoreporter è chiamato a testimone di un evento che spesso influenzerà le masse e aiuterà a formare l’opinione comune che verrà “costruita” in base all’informazione ottenuta.
E se adempiendo ad un compito così delicato, c’è chi riesce anche ad infilarci arte e poesia nelle foto…bè quello secondo me è davvero il massimo.

Cosa vedi dell’Italia ogni volta che torni da un viaggio (politica esclusa)?

Politica eslcusa?!
Allora penso che tutto sommato c’è brava gente..

Reportage nel cassetto?

Poter tornare nel mio vecchio liceo il giorno dei colloqui scolastici per cogliere le occhiate di merito o insoddisfazione dei genitori.

In un’ era digitale fai parte di un gruppo di puristi della pellicola, cosa ti tiene così legato al passato?

Niente e tutto. Ho iniziato a scattare in pellicola e per il momento non ho nessuna necessità di passare al digitale. Nella fotografia analogica, oltre alla ottima resa del b/n, ci vedo un pizzico di poesia: scattare ed aspettare di sviluppare un rullino è un’emozione della quale non mi priverei mai nella vita. E poi, come si dice, “quando la fotografia aveva anche un’odore..”

Un’emozione legata alla camera oscura?

Ce ne sono di nuove ogni volta che ci metto piede..ma la più bella in assoluto, anche se scontata, è il veder apparire l’immagine da un foglio bianco man mano che culli la bacinella con l’acido rivelatore.

Descrivimi la tua area di lavoro, la tua scrivania, il tuo angolo di ripostiglio per le macchine

Le mie macchine sono nella libreria in salotto e i rullini sono in frigo affianco la maionese. La mia scrivania era bianca (ormai ricoperta di scritte di ogni tipo e appunti presi al volo), ci sono forbici, pezzetti di negativo sparsi ovunque e peli di gatto. L’albero della vita di klimt dietro il pc ed almeno un centinaio di foto in b/n attaccate al muro.

Un suggerimento per un giovanissimo?

Non chiedere mai consigli a nessuno, soprattutto a chi si dice fotografo.

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Quando la luce non è così forte da bruciare le nostre immagini, e nemmeno così spiovente da creare ombre al limite del film dell’orrore. Ovviamente è la condizione di luce migliore, ma assolutamente non è sbagliato fotografare durante le altre ore del giorno… ci mancherebbe!

I paesaggi hanno sicuramente un vantaggio incredibile, è solo in quelle ore che il cielo si colora di gradazioni che solo lui è in grado di offrirci. Ecco quindi una raccolta di scatti eseguiti con le prime luci dell’alba.

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Magari in caso di nebbia o pioggia è meglio stare molto attenti alla propria attrezzatura, non tutti sono muniti di reflex o compattine tropicalizzate, però possiamo ottenere degli scatti decisamente particolari e pieni di quel fascino che solo il nostro inverno ci permette di raccontare.

La nebbia poi risalta certi luoghi, ma non solo, la nebbia è un softbox ancora più potente delle nuvole!

E poi non è che tutti conoscono la nebbia.. provate a chiederlo ad un Egiziano..

Non facciamoci condizionare dal tempo, usciamo e fotografiamo.

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Se le vostre foto non sono abbastanza buone, non siete abbastanza vicino. Robert Capa

Tutti sempre a parlare di fotografia di moda, di flash e di postproduzione. Foto talmente perfette da essere dimenticate, o spesso peccatrici di aver dimenticato il vero significato della fotografia, catturare istanti, per raccontare storie.

Con questo articolo vorrei farvi conoscere qualche fotogiornalista di fama internazionale, le loro foto vanno oltre la luce perfetta, raccontano attimi di vita da farci venire i brividi, foto che raccontano storie, storie che probabilmente resterebbero senza volti, solo parole, se non fosse per queste persone che armati di passione sfidano pericoli di ogni genere…

Felipe Dana

Il primo fotografa e racconta il Sud America, non spiaggie e spedizioni in amazonia, ma il Sud America delle guerre di quartiere, della polizia armata, della droga e dello sfruttamento…

Mila Teshaieva

Lavora tra Kiev e Berlino, sicuramente un territorio da esplorare e pieno di storie da raccontare, storie di un’europa in bilico tra est e ovest. Vi consiglio di visionare il suo sito per vedere quanti premi ha vinto…

Jasmine Star

Lei l’ho inserita apposta, per tutti quelli che snobbano la fotografia di matrimonio. Forse lo fate perchè NON SAPETE FARLO! Un matrimonio è una storia fantastica da raccontare, forse più spietato di una guerra (provate a perdervi lo scambio degli anelli…). Fotografie che solo per ciò che raccontano riescono a smuovere emozioni.

–

Vorrei riuscire a presentarne 3 a settimana di questi talenti, per una volta vorrei ESCLUDERE completamente il mondo della moda e della foto da studio, vorrei vedere fotografie nate grazie all’occhio attento alla luce.

Se voleste suggerirmi qualcuno non esitate a contattarmi a questo indirizzo email redazione (AT) sushit.net !!

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Oggi vorrei parlare di fotografia invernale, che lo vogliate oppure no, in quasi tutta Italia l’inverno è arrivato con prepotenza, freddo, gelo e in qualche caso anche neve! Anche se vige il luogo comune che le stagioni non esistono più, inverno ed estate da noi sono ben visibili, trasformando paesaggi e persone a noi famigliari in qualcosa di magico!

Preparati, magari al caldo

Importante è prepararsi ad affrontare giornate gelide, con le mani sempre esposte non è facile, una buona arma possono essere dei guanti tagliati oppure questi guanti per touch screen, che dopo qualche ora al gelo vi sembreranno un acessorio indispensabile! Il vin brulè è anche quello un’ ottima soluzione, spesso però non va molto d’accordo con i tempi lunghi, se in più ci mettiamo il tremolio del freddo, il mosso è garantito!

Poi ricordiamoci che le batterie con il freddo durano molto meno, una o più di riserva ci daranno la sicurezza di non perdere mai un attimo.
Che altro.. un termos di caffè può sempre aiutare!

Sovraesposizione

Uno dei problemi della neve (oltre al suo essere umida e letale) è che metterà a dura prova l’esposimetro della vostra macchina fotografica, rendendo le vostre immagini di un grigio che non rispecchierà assolutamente la forza colore della neve, e dell’effetto che fa sui soggetti o sul paesaggio. La soluzione (mi raccomando, provare e riprovare rende esperti..) è quella di sovraesporre di un paio di stop.

Niente neve?

Non farti rattristare dal grigio inverno, la desolazione che porta l’inverno e il grigio del cielo, possono donare alle nostre foto una malinconia unica di questa stagione. Un filtro polarizzatore potrebbe rendere i nostri cieli quasi uniformi più vivi creando una cornice ai paesaggi incredibile.

La pioggia invece è in grado di regalarci in città riflessi inaspettati, giochi di luce, che possono rendere le nostre foto uniche.

Ma ora lasciamo spazio alle immagini, buona ispirazione

Lambert

John I. Andresen

Paulo Brandão

Brent Danley

Andrea Costa

Juan Rubiano

Andreas Wonisch

Gregory Bastien

E altre foto:

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Studiando Architettura impara (e continua a farlo) le regole della cosiddetta “purezza“, come dice lui ispirandosi alle parole “LESS IS MORE“, del ben noto architetto Ludwig Mies van Der Rohe.

Il cinema è fondamentale nel suo lavoro, da sempre appassionato, in lui trova ispirazione, e da quello che ho potuto osservare dalle sue foto, anche una grande forza espressiva.
E come ogni buon utilizzatore di DSLR non tarderà a realizzare qualche video, con la sua passione, speriamo di vederlo in anteprima!

Ma conosciamo meglio HATTERS

Spiegaci meglio il concetto “Less is More”

Letteralmente tradotto, Less is More significa “il meno è il più“.
Cosa vuol dire?Vuol dire che per ottenere un risultato di qualità è meglio togliere che aggiungere, che l’abbondanza non sempre è sinonimo di Qualità migliore. Il modo di dire nacque in un periodo dell’architettura in cui si cercava ti togliere il superfluo,tenere solo l’essenziale, e mostrarlo in tutta la propria eleganza. Se infatti andate a vedere le opere di Mies Van Der Rohe ve ne accorgerete.
Per quanto riguarda il mio modo di operare il principio è lo stesso. Quando creo qualcosa di mio, cerco di farlo denudando la foto di ciò che non serve, tenenedo solo l’anima e il significato.Ovviamente se poi mi viene commissionata  un certo tipo di foto, si rispetta l’esigenza del richiedente, ma quando mi
approccio ad un lavoro mio, cerco di farlo in modo semplice ed elegante, anche se devo dire che ultimamente sono attratto dalle cose più spinte, più rock, più “porno”, e con porno non intendo l’erotismo e la volgarità, ma la spudoratezza nel quale si affronta un tema e lo si porta davanti gli occhi altrui.

Cosa ti piacerebbe cambiare della tua città (Vicenza).

Domanda strana. Eh,della mia città cambierei forse la mentalità di certe persone. I luoghi sono belli, è una cittadina tranquilla e famosa in tutto il mondo per le sue splendide opere architettoniche, ma ciò che funziona poco è la mentalità di molti.Siamo indietro,non abbiamo larghe vedute, e questo nuoce molto alla crescita soprattutto artistica, della città. Qualcosa si è smosso ultimamente, ma ancora molto a rilento.
Bisognerebbe osare di più.

Cosa stimola principalmente le tue idee, la tua creatività?

Ciò che mi stimola maggiormente è la Donna. Il sesso femminile. Il volto, le espressioni che si possono cogliere,le forme che si possono ammirare e toccare, la bellezza che emana, la poesia che lenta scivola dal suo essere.
La donna si sa, è forse la cosa che più affascina l’uomo, o perlomeno la maggior parte degli uomini. E io sono attratto dalla donna per come è e per come potrebbe essere, mi attira nella purezza tanto quanto nell’arroganza, nel momento in cui è naturale e nel momento in cui , da quanto è truccata, sembra
tutt’altro.
La donna, decisamente, mi stimola.
Ma non escludo il resto.

Quale luogo, ora come ora, attira principalmente la tua curiosità?

New York! Manhattan! voglio andare in America, voglio andarci al più presto, e poi girare tutto il resto del mondo. Giappone per secondo!
L’ho sempre sognata fin da piccolo l’America, sono cresciuto con gli americani dietro casa e giocavo con loro, cosa che sicuramente ha dato inizio a tutto. e poi ne sono stato attratto per quanto riguarda il cinema, mia seconda passione (sto scrivendo un corto molto introspettivo), per cui l’America è sicuramente al primo posto. Poi viene il giappone, Paese super tecnologico, Paese da fumetto, e al contempo Paese elegantissimo da usi e costumi antichi, con una storia millenaria alle spalle e un aurea di mistero che non può che attrarre.

Sogni per il futuro?

Sogni, beh, conquistare il mondo.E non scherzo. Non ho paura né mi vergogno a dire che voglio arrivare al top, non ci vedo niente di male. Molti hanno semplicemente paura di sognare, e criticano chi punta in alto solo perché loro non ne avrebbero il coraggio. Io credo in me stesso, e credo in un futuro
uguale a come l’ho sempre sognato. Un futuro in cui aver successo e merito in base a ciò che amo fare.
Dico spesso che entro i 60 anni voglio essere intervistato sul Forbes.
Ce la farò.

Cosa ne pensi dei collettivi?

Se per collettivi intendi le mostre collettive, beh, non c’è niente di male. All’inizio è difficile pretendere di poter fare mostre personali,e i collettivi sono un buon modo per iniziare e farsi conoscere. Bisogna chiaramente stare attenti poi a che collettivi si fa,purtroppo ci sono troppe case d’arte poco serie che impongono all’artista di pagarsi la mostra, che sia collettiva o personale, io credo che se una galleria crede in un’artista, dovrebbe sponsorizzarlo al 100%, infine poi ce ne guadagnano loro.

Vai oltre la fotografia e prova a descrivermi un oggetto sulla scrivania come un’emozione.

Grigio, ma non per questo cupo.
Nero, ma non per questo scontroso.
Luminoso, ma non divino.
Leggero ma al contempo pieno di cose; ampio anche se di dimensioni contenute. Chiaro, seppur misterioso. Fedele,veloce,bello,e mille altri aggettivi.
Compagno indispensabile di avventure,di creazioni,di viaggi,di pensieri,di scoperte, di emozioni,di suoni,di immagini.
Mai potrei vivere senza lui, è una parte fondamentale di me,il suo uso ha riempito le mie giornate, e come me quelle di molti altri. Ma lui è solo mio.
Si è preso il compito di contenere dentro di se tutte le cose a me più care, tutti le mie “figlie”, i miei prodotti, le mie realtà.
Non lasciarmi mai,
MAC.

Un aggettivo per il tuo stile. E uno per la tua scrivania.

Trovare un aggettivo per sè stessi nonè mai facile, soprattutto se lo stile che si persegue è volubile, cambia,si migliora col tempo, esplora nuovi orizzonti e nuovi modi d’essere per questo , forse, il termine adatto è …
non so, forse vorrei quasi non attribuirmene uno,dato che mi piace essere multisfaccettato.fare molte cose,variare,senza rimanere chiuso in un solo aggettivo.
Chiamatei vario, vasto, multifunzionale, multivisionario, multitasking. fate voi.
Io rimango uguale pur cambiando.

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Il suo rapporto con la fotografia nasce un po’ per caso, in seguito all’acquisto di una reflex digitale. La possibilità di vedere i risultati sul computer, quasi immediatamente, dà la possibilità ad Andrea di confrontarsi con i suoi errori e migliorare.

“Considero la fotografia un modo per esprimermi liberamente e per immortalare degli attimi che ritengo importanti e unici. Mi piace sperimentare diversi stili in base a ciò che voglio esprimere, prediligendo foto di paesaggi e foto di architettura, due generi importanti visti gli studi che sto seguendo.”

Chi è, per te, Andrea? E come vede il binomio fotografia/architettura?

La prima domanda è subito la più difficile! Non è semplice parlare di se stessi. Posso dire di essere un sognatore ma con le idee abbastanza chiare su ciò che vuole fare nella vita. Mi pongo spesso obiettivi che so non essere alla mia portata, “sfidando” me stesso cerco continuamente di migliorarmi sia nell’ambito fotografico che nelle tante altre cose che faccio.

Andrea è sicuramente una persona determinata ma che ammette di avere comunque dei limiti che tiene ben presenti.

Il binomio fotografia/architettura è sicuramente parte fondamentale del mio percorso lavorativo e fotografico di Andrea.

Sicuramente un architetto deve saper fotografare ed integrare nelle sue conoscenze anche un poco di fotografia. Un’architettura può essere osservata e percepita in diversi modi, alcune persone apprezzano la maestosità e la grandezza di un edificio, altri i dettagli, altri ancora magari scelte stilistiche come ad esempio l’illuminazione. Ugualmente la fotografia può cogliere tutto questo in modi sempre diversi e personali, quindi un architetto può sfruttare la fotografia come un metodo d’indagine per cogliere e valutare questi elementi sia nei propri lavori che in quelli di altri.

La foto di cui sei più fiero? La foto che vorresti scattare o avresti voluto scattare?

Probabilmente la foto di cui vado più fiero è una che fa parte del reportage sui pescatori di Noli: la foto del pescatore che tende la rete credo che sia la mia preferita per diverse ragioni di cui parlerò anche più avanti…

Non saprei dire quali foto vorrei scattare. Per me la fotografia non è qualcosa di deciso a priori e che va organizzato. Una “bella” foto potrei scattarla in qualunque momento, per questa ragione non posso dire a priori che foto vorrei scattare perché dipende da ciò che mi colpirà e ciò che il mio sguardo riuscirà a cogliere.

La foto che avrei voluto scattare? Tante, purtroppo. Non sempre posso portare la macchina fotografica con me e spesso non ho avuto la possibilità di immortalare momenti di vita nelle vie della mia città oppure anche dei veri spettacoli della natura.. Ricordo che poche settimane fa, percorrendo in macchina una strada di Genova ho potuto vedere un tramonto dai colori pastello che si specchiava sul porto… Quella sarebbe stata una bellissima foto ma che non ho potuto scattare perché non avevo con me la mia macchina fotografica… Però posso sempre sperare di riuscire in futuro ad assistere nuovamente ad un tale spettacolo e a fotografarlo.

Scatti paesaggistici: com’è il tuo rapporto con la natura?

La natura è uno dei principali soggetti da me fotografati, quindi ho ovviamente un buon rapporto con essa. Amo immortalare momenti particolari e quasi irripetibili che la natura ci offre, che possono essere un tramonto dai colori unici come dicevo prima, oppure una giornata di pioggia con le nuvole che incombono; praticamente tutto ciò che attira il mio sguardo e che mi emoziona.

Vivendo in Liguria ho la possibilità di apprezzare il binomio costante tra mare e monti: è semplice passare da una passeggiata in spiaggia ad una camminata sulle colline e questo mi offre degli spunti fotografici notevoli, ad esempio immortalare una montagna innevata e il mare sullo sfondo. Questo fa sicuramente parte del mio bagaglio di esperienze fotografiche.

Di conseguenza.. ci parli del tuo progetto in Liguria?

Il mio progetto riguarda una piccola realtà che si trova qui in Liguria: ho voluto realizzare un reportage sui pescatori di Noli in provincia di Savona. Pur potendo sembrare una tematica “semplice” e di poco interesse è importante pensare che questa è una realtà rimasta inalterata nel corso dei decenni.

In questo piccolo comune sul mare è possibile ammirare diversi pescatori andare a pesca con i tipici gozzi liguri come avremmo potuto vedere decine e decine di anni fa. Ho voluto immortalare la vita di queste persone passando alcune giornate in questo piccolo paese, a volte anche senza scattare una sola foto, ma solo per cogliere ed apprezzare tanti gesti e vite di persone comuni.

Credo che sia importante poter ricordare e documentare una tradizione e un lavoro di questo tipo che un giorno potrebbe non essere più esistente e anche per consentire ad altre persone di apprezzare questo piccolo spaccato della nostra cultura.

Domanda di rito: a chi ti ispiri per le tua fotografie?

Personalmente mi piace ispirarmi ad altri giovani fotografi come me. Ritengo che quelle sono foto più genuine e naturali, foto che non sono “belle” perché foto d’autore, legate a nomi famosi, ma perché sono scatti che esprimono qualcosa ed emozionano chi le guarda a prescindere da chi ha eseguito lo scatto.

Ultimissima: consiglio ai giovani (architetti e non) che vogliono intraprendere la strada della fotografia..

Dare un consiglio non è semplicissimo perché ognuno vive la fotografia in maniera differente. Posso però dire che è importante iniziare a fotografare tutto ciò che attira il nostro sguardo e il nostro interesse senza pensare troppo se una foto tecnicamente è esatta o meno. E’ importante “allenare” il proprio sguardo a vedere attraverso un obiettivo e a pensare che una foto nasce prima di tutto nella nostra testa. Credo, inomltre, che ognuno debba riuscire in qualche maniera a trovare un proprio stile fotografico che lo renda unico e riconoscibile rispetto agli altri fotografi.

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Come ci aveva già accennato, il suo progetto “Ritratti di Precari” è ora realtà ed è in mostra a Pesaro, allo Scalone Vanvitelliano.

La mostra non è un punto di arrivo, ma una tappa di questo percorso che vuole portare il progetto a chi ancora non lo conosce, nè è incuriosito e a chi vuole vederlo nel suo sviluppo.
Essere precari non è solo una condizione lavorativa, ma un modo di vivere.
Essere precari significa non poter fare progetti,
Non poter stare tranquilli.
Non avere diritti.. o per lo meno, rinunciarvi, per mantenere il proprio impiego.
Non potersi comprare una casa
Una macchina
Progettare di avere figli.
Essere alla continua ricerca del lavoro “dopo”.
Non avere pensione.
Piegarsi e accontentarsi di quello che si trova.
Studiare anni e anni e scoprire che quelle lauree non servono a nulla o poco più.
Essere disillusi.
Rassegnati.
Chiudersi.
Perdere piano piano la nostra dignità
La nostra Individualità.

Non parlarne, non cambierà le cose.
Alzando la testa e raccontandoci, forse, sì!
Questo progetto racconta in maniera totalmente libera e apartitica la realtà oggettiva delle persone, giovani e non, che si trovano in questa condizione.

Chiara Schiaratura.

Inaugurazione il 10 Dicembre alle ore 17. La mostra rimmarrà aperta fino al 24 dicembre, dal martedì alla domenica, dalle 18 alle 20.

www.chiaraschiaratura.com/ritrattidiprecari.html

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Dopo la laurea in Scienze della Comunicazione, Chiara si è iscritta alla specialistica in Progettazione e produzione delle arti visive allo IUAV di Venezia dove ha potuto avvicinarsi al mondo dell’arte e della fotografia in particolare.

Chiara porta avanti un progetto a cui è necessario dare una particolare importanza: Ritratti di precari . Nato nel 2009 come tesi per la laurea specialistica, insieme al fotoreporter Alberto Giuliani, è un progetto che intende dare visibilità all’attuale problema del lavoro precario.*

http://chiaraschiaratura.tumblr.com

Ma parliamone con lei..

Parlaci di te: chi è, per te, Chiara?

Chiara è una sognatrice. Sogna di riuscire ma a volte si sente troppo piccola per farcela.

Chiara è allo stesso tempo ostinata, decisa, dritta alla meta!

Chiara vuole raccontare, ricercare e denunciare.

Ricordi la tua prima soddisfazione come fotografa?

La mia prima soddisfazione come fotografa fu all’università. Per la prima volta dovevo realizzare dei ritratti particolari. Li realizzai davvero con poco, usando la luce naturale, che io amo particolarmente. All’esame ricevetti i complimenti del mio professore (tal Miro Zagnoli). Per una come me, che pensa di non potercela fare, fu davvero una gran spinta a continuare!

Ci parli del tuo progetto “Ritratti di precari”?

Questo progetto nasce per la mia tesi specialistica. Dopo 1 anno ho deciso di riprenderlo perchè vivendo in prima persona la condizione di precario, mi sono davvero resa conto che qualcosa doveva essere fatto, subito. Ora le persone di tutta Italia mi scrivono le loro storie, storie di tutti e storie terribili, di necessità, disperazione, disillusione ma anche di speranza, di voglia di cambiare le cose. Appena riesco a racimolare qualche spiccio, le raggiungo nelle loro città per timbrarle con la data di scadenza del loro ultimo contratto e fotografarle.

E’ il mio primo fotoprogetto in assoluto, e sta andando avanti a passi giganteschi percchè racconta LA REALTA’ dei giovani di oggi.

Anche tu ti definisci precaria.. come ti vedi fra 10 anni?

Tra 10 anni?non ne ho idea! Quello che spero sicuramente, è di aver trovato lavoro con uno stipendio decente che mi permetta almeno l’indipendenza economica.. magari con un marito e un figlio.

Domanda di rito: a chi e a cosa ti ispiri per i tuoi scatti?

Mi ispiro a diversi fotografi, perchè le mie fotografie non seguono un solo filone, ma tanti filoni diversi.

Per Ritratti di Precari mi sono ispirata e mi ispiro tutt’ora a Richard Avedon, con il suo lavoro “In The American West”, dove immortalava i lavoratori di una piccola cittadina americana, elevandoli per la prima volta a modelli. Poi adoro Arno Rafael Minkinnen, con i suoi corpi che si fondono con il paesaggio naturale.. Robert Mapplethorpe, Eugene Atget, Man Ray, Horst, Rodney Smith e anche La Chapelle.

Ultimo, ma non meno importante, è Alberto Giuliani, meno conosciuto rispetto ai precedenti, ma un grande fotoreporter e amico, che mi ha aiutato nella idealizzazione di Ritratti di Precari e nel non arrendermi mai!

* chi volesse partecipare in prima persona a questo progetto può iscriversi al gruppo su Facebook o mandare una mail a ritratti_di_precari@yahoo.it e mettersi in contatto con lei per raccontare la propria storia e farsi immortalare in un ritratto.

tramiciwebmedia.altervista.org/Chiara/rdp.html

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Vi copio quello che mi ha scritto in una mail, la sua biografia.. mi ha fatto sorridere. Si riesce a percepire la passione, ma anche il disagio che si porta dietro questa passione. Cercare di trasmettere qualcosa senza cadere nel banale, senza catalogazioni, senza cadere nel tunnel della tecnologia.. non è facile!

“Mi chiamo Marta Blue, nasco il 7 giugno 1985 a como. Vivo e lavoro in provincia di Milano.
Studi formativi basati sull’arte e sulla comunicazione. Laureata in Ied comunicazione – corso di artdirection. Da circa tre anni lavoro come graphic designer. Purtroppo credo sia paradossale, almeno per me, paragonare la fotografia ad una passione, più che altro la “vivo” come vero e proprio bisogno fisiologico. Scatto fotografie da circa 5 anni, ma diciamo che fino all’anno scorso è stata più una ricerca di tendenza, della propria forma ed espressione. Ora come ora credo d’aver trovato l’espediente esatto per riuscire a comunicare con le persone attraverso le immagini. Il mio obiettivo non è, e non sarà mai, quello di confinarmi in una precisa categoria. Non amo molto che mi si conferisca la nomina di fotografa. Il fatto di attribuirsi in una struttura ben precisa mi ha sempre un pò turbata e col passare del tempo stancata, per questo vorrei continuare a separare il lavoro dai miei piaceri: fotografare mi diverte e mi fa stare bene. Al momento non mi pongo ne mete nè traguardi, ma vorrei continuare a farmi conoscere attraverso ciò che propongo. E che le mie fotografie ricordino le mie fotografie.”

Andiamo a conoscerla meglio con qualche domanda e ovviamente.. qualche immagine!

Analogico o Digitale?
Analogico o digitale.. dal mio punto di vista cambia ben poco.. che sia analogico o digitale o immaginario sempre di arte parliamo. personalmente prediligo la fotografia analogica. La sento più vera, più mia. Ogni volta che scatti una foto è come se ti trovassi a compiere un rituale.. specialmente se usi polaroid. Rimani li e aspetti. E’ divertente!

Siamo tutti alla ricerca della perfezione, colori perfetti, messa a fuoco perfetta… ma spesso vediamo foto dai colori distorti, sfuocate, che riescono a trasmetterci emozioni nuove e forti. Tu come la vivi questa fotografia?
La perfezione non esite. Al massimo potresti impiegare una vita intera alla ricerca di uno stile o di un linguaggio. ma alla perfezione sicuramente non ci arriverai mai. ogni cosa ha una propria forma e un proprio colore. ogni ente trasmette emozioni differenti proprio perchè è unico. come la vivo? in maniera drammatica oserei dire (hihihihi) media e comunicazioni ci sbattono in faccia realtà completamente diverse l’una dall’altra secondo dopo secondo. E’ difficile emergere trovando la propria strada in questo modo.

Che rapporto hai con photoshop?
Photoshop è un programma che, ahimè, saprei usare anche in lingua giapponese. Purtroppo sono “costretta” ad usarlo in ambiente lavorativo. Ma mi fermo li.

In Italia si cercano sempre più figure professionali multidisciplinari, al contrario dell’America dove cercano professionisti specializzati. Come vedi questa cosa per il futuro?
In entrambe i casi non credo ci siano grosse problematiche. Certo oggi come oggi essere professionista multidisciplinare aiuta sicuramente. Io mi ritengo una multidisciplinare (definirmi professionista non credo sia corretto ) per il semplice fatto che ciò che è di mio interesse è poi diventato anche un lavoro. Più che altro fino ad oggi si è trattato di studio e di ricerca.. mi occupo di grafica, design, advertising e fotografia. Ma la fotografia credo sia la strada che mi darà maggiori sbocchi. sicuramente in campo giornalistico e non nel nostro paese.

Mollare tutto e?
Mollare tutto e? mollare tutto.
sai, una cosa fondamentale nella mia vita, una delle poche cose che riesce seriamente a tranquillizzarmi è proprio questa. la prospettiva di poter ripartire di nuovo.

Raccontaci una tua foto, descrivine le emozioni le che trasmette e che tu hai provato a scattarla..
“the last winter” la trovi a pagina 2 nel mio stream. legata a quel periodo di vita in cui vivevo in un altro paese. a volte credo sia inutile mostrare alla gente ciò che scatto o peggio ancora tentare di far capire loro l’emozione che ci sta dietro. perchè è impossibile. solo i miei occhi hanno visto quell’istante e solo la mia testa ha elaborato determinati pensieri ed emozioni. credo ci sia un pò di sano egoismo in tutto questo. ma alla fine chissenefotte.

Ecco i suoi link, passatela  a trovare!!

http://www.flickr.com/people/mynameisblue/

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Scopre la fotografia solo recentemente, grazie ad Alessandro Leone, un corso che come dice lui, ha fatto “esplodere” la sua passione.

Il contatto con chi fa per lavoro le nostre passioni, chi riesce a trasmettere informazioni ed emozioni allo stesso momento deve essere una colonna portante della formazione di qualsiasi creativo, la creatività è un dono che va coltivato!

Questo è il suo account flickr, dateci un’occhiata!! http://www.flickr.com/photos/manfredi90/

Ma conosciamo meglio Manfredi, con qualche foto e qualche domanda..

Le tue foto sono molto concettuali, vanno oltre la semplice
tecnica. Da cosa prendi ispirazione?

La fotografia per me è innanzi tutto un mezzo di comunicazione, un
modo per trasmettere un messaggio, per suscitare una emozione. Che
faccia sorride, pensare, rattristare, l’importante è che susciti
qualche cosa. Per l’ispirazione, quindi, il modo migliore è farmi
emozionare da altre forme di comunicazione. Di inverno per esempio,
quando cerco un po’ di serenità, mi preparo una tazza di tè caldo,
scelgo un CD e lo ascolto, pensando a cosa mi suscita e a come possa
rappresentarlo attraverso una immagine. Molte mie foto infatti sono
ispirate a canzoni o ad un passaggio del loro testo.

Un’altra importante forma di ispirazione per me è sicuramente il
cinema… La macchina dei sogni è per me anche una bellissima macchina
di ispirazione, che può venire da un dialogo, da uno sguardo tra i due
protagonisti nella scena più importante, oppure semplicemente da un
paesaggio visto di sfuggita tra una scena e l’altra. Infinite molte
delle mie foto sono ispirate alla mia vita, a ciò che mi è capitato
nei giorni passati, a ciò che ho visto, ma senza mai rendere il
carattere “autobiografico” troppo evidente.

Prova a dirmi per te la differenza emotiva della pellicola sul digitale..

Io sono nato e sto vivendo nell’era del digitale, dove la fotografia è
veramente alla portata di tutti, dove si possono fare 100 tentativi
sulla stessa foto e dove correggere un errore con un programma di foto
ritocco è solo questione di pratica. Di questo ne sono felice perché
probabilmente senza questa semplificazione del processo fotografico
rispetto all’analogico non mi sarei mai avvicinato alla fotografia, o
quantomeno avrei impiegato molto più tempo ad affinare la mia tecnica.
Eppure da un po’ di tempo ho sentito l’esigenza di riscoprire la
fotografia, di vivere ciò che è stata, di provare a scattare in
analogico. Tutto è nato più come una sorta di gioco mista a desiderio
di sperimentare, ma a poco a poco, rullino dopo rullino, ho compreso
che più che il semplice supporto, a differenziare analogico e digitale
è proprio una diversa filosofia. Roteare la leva di carica, aggiustare
il fuoco a mano, assaporare il momento dello scatto consapevole che
sarà unico e poi finalmente sentire il rumore metallico dello specchio
che scroscia… Difficile descrivere tutto questo a parole, so solo che
mi emoziona moltissimo, e non saprei dire neanche il reale motivo.
Probabilmente sapere che il numero di scatti è estremamente limitato,
e che passeranno giorni prima di vederne il risultato, fa assaporare
di più la composizione della foto e lo scatto in se.

Domanda Nerd di rito, con cosa scatti principalmente? Obiettivi? luci…

Sperimentare obiettivi, macchine fotografiche, tecniche e luci per me
fa assolutamente parte del gioco, visto che la fotografia è anche
tecnica e comprensione di ciò che si ha in mano e di come lo si può
spremere fino all’ultima goccia. Attualmente fotografo con una Canon
50d, un sigma 24-70 2.8 e un Canon 80-200 2.8. A ciò affianco una
serie di ottiche fisse Contax degli anni ’80 e ’90 che utilizzo sulla
Canon con degli adattatori con risultati ottimi. Poter utilizzare
obiettivi totalmente manuali su un corpo digitale è abbastanza
interessante e divertente. Gli stessi obiettivi poi, montati su una
Contax 159 rappresentano il mio corredo analogico.
Per quanto riguarda le luci, utilizzo per gli still life due flash a
torcia con beauty dish auto costruiti da dei porta frutta di plastica,
perché un po’ di inventiva non fa mai male e diverte pure!
Detto questo, rimango fermamente convinto che una fotografia bella è
bella scattata con qualsiasi macchina, e che tutta l’attrezzatura più
costosa al mondo non garantisce assolutamente di fare foto belle,
anzi.

Lancia un messaggio alla Palermo creativa.

Il mio messaggio: Dove sei finita?!

Sicuramente la mia è una provocazione probabilmente esagerata, ma
purtroppo, da palermitano, vivo sulla mia pelle la carenza di
iniziative ed eventi rivolte ai giovani artisti. Per fortuna, sapendo
cercare, si trovano manifestazioni interessanti e si incontrano
ragazzi capaci e volenterosi, ma che vengono poco invogliati e
spronati a coltivare le loro passioni.
Il mio auspicio è di poter vedere in un futuro non troppo lontano una
Palermo più aperta all’arte, alla creatività e soprattutto ai giovani
artisti, perché il potenziale di questa terra è estremamente elevato,
e attende solo di essere sfruttato a dovere. Mi piacerebbe per esempio
vedere uno spazio messo a disposizione dal comune dove poter esporre
le proprie opere liberamente, un modo come un altro per invogliare le
persone a conoscere gli artisti e le loro creazioni.

Quali fotografi più ti ispirano, e quale foto vorresti aver scattato tu?

Volendo andare sul classico (ed anche abbastanza ovvio) direi che i
miei modelli sono da un lato Philippe Halsman, per la sua maniacale
cura nei dettagli e soprattutto la sua genialità nel creare opere in
bilico tra fotografia e arte surrealista, e dall’altro Henri
Cartier-Bresson, per la capacità di saper immortalare il mondo per
come è veramente e per la bravura nel cogliere il famoso “attimo” che
caratterizza una foto in grado di stupire.

Passando a qualche artista contemporaneo, seguo con estremo interesse
ed ammirazione la brava Sara Lando, giovane donna che stupisce con le
sue foto, e che riesce a coinvolgere il pubblico grazie ad un blog
realmente interessante e sulle righe. Mi definirei poi un “Flickr
Addicts”. Considero questo sito uno strumento utile per farsi
conoscere e soprattutto per conoscere. E’ incredibile il numero di
talenti che si possono trovare, gente senza un nome famoso, ma con
tanto da dire e che aspetta solo di essere ascoltata.

Infine, di scatti che avrei voluto fare credo di aver perso più volte
il conto, ma in generale ammiro e probabilmente invidio i grandi
fotografi di reportage, capaci di immortalare gli eventi storici e
diventare loro stessi parte della storia. Poter fotografare lo sbarco
in Sicilia degli alleati come ha fatto Rober Capa immagino non abbia
prezzo!

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In un mondo digitale risulta sempre più difficile trovare chi scatta in analogico, il commercio ci si mette pure lui, sempre più difficile reperire pellicole e fissanti..

A mio avviso una foto che nasce dalla pellicola racchiude in se una carica di emozioni, una forza, che il digitale a fatica riesce a raggiungere.

Ma conosciamo meglio bAku, spero  che le sue parole riescano a trasmettere la passione che mi ha fatto assaporare in tante mail scritte.

Perchè questa passione per la pellicola?
Quando ho deciso di iniziare a scattare, neanche un anno fa, ero di fronte ad un bivio: fotografare in digitale per poi editare con photoshop et similia, oppure cercare qualche vecchia macchina e scattare in analogico con la buona cara vecchia pellicola. Nel primo caso sarei andato ad aggiungermi ad una moltitudine, replicando prodotti che già esistono in sovrabbondanza, nel secondo caso avrei dovuto affrontare più spese economiche ed umane, ma sicuramente sarei riuscito a creare qualcosa di maggiormente originale, genuino. Non è che ce l’ho con chi scatta in digitale, solo che non credo ci sia nulla di particolarmente artistico in loro: fare mille foto dello stesso soggetto per poi passarci ore a editarlo in digitale… è da informatici, non da artisti. Sono altissime abilità tecniche, indubbiamente, ma quanta Arte c’è in tutto questo? La differenza tra fotografia digitale ed analogica è la stessa che c’è tra agricoltura intensiva ed agricoltura biologica: con la prima si ricerca un prodotto artificiale che appaia bello anche se non è gustoso e genuino, nella seconda invece il risultato può essere imperfetto ed approssimativo, ma rimane ottimo il contenuto e nobile lo sforzo attuato per arrivarci. La pubblicità digitale lasciamola ai grafici pubblicitari… a chi vuole passione consiglio la materia chimica, non i pixel. Sono sempre stato per l’Arte povera ed istintiva… diciamo un anti-tecnicista punk convinto.

Domanda di rito. Con cosa scatti? e nel caso tuo.. pellicola preferita?
Ho iniziato con una Polaroid Supercolor 635CL, poi ho allargato l’armamentario: Polaroid sx-70, Polaroid supercolor 1000, Polaroid Polasonic Autofocus 4000, Diana F +, Lubitel 166 Lomo. La mia preferita rimane la Polaroid SX-70, un gioiellino… senza alcun dubbio. Riguardo le pellicole amo le Polaroid 600, ma le mie preferite in assoluto sono senza dubbio le Art(Z)istic, quelle manipolabili. Il poter spostare la materia chimica con la punta d’una penna scarica o con altri “attrezzi” improvvisati, fino a trasformare le pellicole in quadri beh.. è qualcosa di incredibile. Per scattare con 35mm o 120mm invece cerco principalmente pellicole diapositive, da sviluppare poi in C41 (cross process), ordunque Fuji Provia e Fuji Velvia, ma benvengano anche le Kodak od altre marche. Per quanto riguarda il b/n sempre e solo Rollei. Ovviamente poi, aldilà di polaroid o pellicola 35/120mm, non so resistere alle pellicole scadute: il loro fascino è direttamente proporzionale al periodo di scadenza già avvenuta.

Cosa si potrebbe fare per non rischiare di vedere la fotografia analogica come vecchia o vintage?
Ottima domanda. Bisognerebbe far capire, sopratutto ai neofiti, che la fotografia analogica è un’ottima alternativa a quella digitale, e non qualcosa di “obsoleto”.  E non è poi così difficile o economicamente pesante fotografare in analogico, è semplicemente più “impegnativo”. Ma il sudore viene ampiamente ricompensato. Dal punto di vista pratico, quando qualcuno mi chiede come scatto, cosa utilizzare, dove trovare macchina e pellicole, io cerco di essere di maggior aiuto possibile. Propagandare attivamente l’analogico, mostrare con orgoglio e passione i nostri risultati, condividere le nostre conoscenze…  è la nostra unica arma, ora come ora.

Cosa porti nel tuo zaino da foto?
Quando scatto con la Polaroid ho lei e basta. Se scatto con la Diana f+ porto le varie lenti (fisheye, grandangolo, close up, teleobiettivo, ect) il flash e lo splitzer. Ed ovviamente, se ce l’ho, la pellicola di riserva

Un sogno per domani e un ricordo di ieri.
Un sogno per domani: realizzare una mostra fotografica di soli scatti in analogico, di almeno dieci artisti. Esponendo dal bianco e nero al crossprocess, redscale e giochetti vari, passando ovviamente per le intramontabili ed eternamente vintage-chic Polaroid. Un ricordo di ieri? Non scorderò mai la prima polaroid scattata: Il Nettuno di Piazza Maggiore, Bologna. E’ una delle migliori che mi siano mai venute.

Questo è tutto, non si sa mai che vedrete le sue foto a qualche mostra organizzata da sushit.net, ma di questo ne parleremo più avanti!

Per il momento vi segnalo un gruppo su flickr creato proprio da lui:

Analog will beat! (Vintage is not dead).

e ovviamente la sua pagina!

http://www.flickr.com/photos/b-a-ku/collections/72157622985414450/

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Le sue foto sono in pieno stile Glamour, di una qualità da professionista e con una resa cromatica non da meno. In ogni immagine ci vediamo qualcosa, ci sognamo una storia alla quale forse nemmeno lei ha pensato. Ma così riesce a portare con se ciò che solo la fotografia può fare, racchiudere in un attimo mille emozioni.

Ora facciamo quattro chiacchere con lei, in questa intervista si può percepire la sua innocenza, la sua giovinezza.. sicuramente uno dei suoi pregi!!

Sei giovanissima, quindi da te vogliamo sapere come vedi, in positivo e in negativo il futuro di questa professione.
L’unica cosa che spero di vedere nel futuro di questa professione sono moltissimi giovani dalla mentalità aperta  pieni di iniziativa,creatività che riescano a trasformare l’ordinario in straordinario.
Insomma, avremo una grande eredità da mantenere ma sono sicura che i giovani di oggi siano perfettamente in grado di sostenere questo peso.
Il lato negativo non lo vedo affatto, forse perché sono giovane o forse perché pensare al peggio è la più grossa perdita di tempo.

Chi ispira i tuoi lavori?
Amo moltissimo David Bellemère un fotografo francese con uno stile molto particolare.
Ritrae “au naturel” delle giovani donne e ne cattura tutta la sensualità e soprattutto la semplicità delle loro forme, spesso scattando alla luce naturale del sole.

Chi vorresti posasse per te? Dove?
Al momento non vorrei fotografare nessun in particolare; però ho un piccolo sogno nel cassetto quello di fare un viaggio nelle terre dei nativi americani e captare attraverso la fotografia ogni loro usanza,costume o stile di vita.
Mi affascina molto il loro modo di vivere e il loro rapporto con la natura.

La solita domanda nerd, con cosa scatti? (macchina obiettivi pellicole flash…)
Premettendo che la fotografia non è bella se hai una bella macchina , ma è bella se è semplice e se come prima cosa trasmette un sentimento a te che l’hai scattata.
Dopo questa breve parentesi, posso dire che io scatto con svariate macchine: dalla polaroid alle macchine usa e getta del supermercato, da un’analogica ad una comunissima reflex digitale;
per me è molto relativa la macchina fotografica che si usa , però posso dire che le reflex di oggi sono molto comode per il semplice fatto che puoi scattare una marea di foto senza porti il problema che siano venute male o meno.

Visto che sei così giovane, e ogni disciplina necessita di tanto, tantissimo studio e applicazione, hai già idee su come continuare gli studi? scuola o assitente?
Bella domanda…
Penso di finire il mio liceo perché secondo me è importante avere un istruzione però, confesso che se mai dovesse presentarsi una bella proposta troverei il modo di farla conciliare con la scuola.
Dopo il liceo (se non sarò già a NY a scattare foto alle super modelle  ) farò l’università, la mia prima scelta era quella di frequentare un corso incentrato sulla fotografia se no pensavo all’arredatrice…
Ma è tutto da vedere!

Descrivi in parole, la tua foto più bella, spiegaci quali emozioni vivi tu e quali vorresti trasmettere.. permettici di vederla ad occhi chiusi.
È il ritratto di una ragazza che indossa un cappello di paglia; è molto semplice ma dagli occhi si capisce quanto sia limpida la bellezza ; si annusa quasi l’odore dei campi di grano e dell’estate.
Quello che intendo trasmettere è il mio modo di vedere la bellezza in ogni cosa , che sia un chicco d’uva piuttosto che  dei capelli di una ragazza.
Amo ritrarre i particolari perché ormai nella nostra quotidianità non ci facciamo più caso e questo è un gran peccato!

Per me è una giovane dal grande, grandissimo talento. Speriamo non venga mai demoralizzata da questo mondo, spesso crudele con chi vuole intraprendere questa disciplina.
Continua a studiare! E vedrai che qualcuno si accorgerà di te, le tue immagini non passano inosservate!

Continuate a seguirla qui: http://www.flickr.com/photos/ashes_/

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Qui vediamo alcune foto della sua ricerca “memoria perduta” , foto rubate da cimiteri monumentali, che fanno veramente pensare a quanto i nostri occhi non vedono…

E ora una breve intervista:

Alessandra, vogliamo sapere come è stato il tuo approccio alla fotografia:

Una vecchissima foto del 1980. Un viaggio a Firenze. Mi riscopro a soli 3 anni con una macchinetta fotografica di plastica rossa al collo…di quelle che fanno scorrere le immagini-souvenirs. Forse kitsch ( ma negli anni 80 tutto era ammesso ) ma sicuramente fondamentale: sono sempre stata attratta dalle immagini, dagli strumenti fotografici, dall’odore delle pellicole e della carta da stampa…
Non ho mai frequentato corsi ma ho sempre seguito i consigli di un fotografo: non bisogna vedere ma osservare e soprattutto bisogna visualizzare la foto dentro di sé prima ancora di scattarla.
Quando mi sono trasferita a Reggio Emilia, mi sono messa in gioco cercando di trasformare la passione in qualcosa di piu’ concreto. Il confronto con questa città ( che vanta artisti e fotografi al livello internazionale ) mi ha sicuramente aiutata a capire alcune dinamiche molto importanti: la fotografia deve andare oltre l’estetica, deve avere qualcosa da dire, deve suscitare interesse.

Come vedi la bellezza in quest’era di manipolazione digitale?

La bellezza è soggettiva.
Direi che qualsiasi cosa percepisco interiormente in maniera piacevole, mi da un sensazione che definirei di bellezza.
La manipolazione digitale… è una “operazione” sull’arte ma finchè non nuoce, non offende…potrebbe rientrare nel bello anch’essa!

Chi ti ispira maggiormente nei tuoi lavori?

Ci sono delle atmosfere che mi affascinano moltissimo e appartengono al mondo della fotografia e dell’arte figurativa in genere.
Tra i miei preferiti, le fotografie di Francesca Woodman, Irina Ionesco e Mario Giacomelli; le litografie e alcuni dipinti di Edvard Munch.
Questo non significa che il mio stile sia simile a quello degli artisti sopra citati.
I miei lavori – soprattutto se di ricerca e non di reportage – sono introspettivi e riflettono spesso le mie idee e sensazioni su determinati argomenti.

Qualche sogno nel cassetto? E cosa farai per realizzarli?

Mi piace moltissimo vivere alla giornata, senza programmi…Cosi ogni cosa che arriva si trasforma in una sorpresa meravigliosa ( o in un casino totale!)

Una domanda tecnica per i più nerd, cosa utilizzi per scattare?

Da sempre utilizzo Canon: analogica (EOS5) e digitale (400D) alle quali sostituisco gli obiettivi ( sempre Canon) in base alle mie esigenze.

Perchè fotografi?

per …”catturare” qualcosa della vita?

Non perdetevi la galleria!! E buona fortuna Alessandra!

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Luigi Montebello, 20 anni, è nato ad Ariano Irpino, in provincia di Avellino. Studia Letteratura Musica e Spettacolo a Roma.

Ama le arti a 360 gradi.. anche se dice di avere appena iniziato il suo percorso nell’Espressione. La fotografia per adesso è il suo mezzo principale ma il suo sogno nel cassetto è essere un videomaker.  E’ alla ricerca di una commistione di stili e generi al di là di ogni definizione.

Dopo una breve chiacchierata “virtuale”, ci dice subito che non ama parlare di lui.. preferisce che siano le sue foto a farlo per lui! Che dire, ci riesce benissimo.. ma siamo riusciti lo stesso a strappargli qualche risposta..

Qualcosa che parli di te..

“Non più ottico ma spacciatore di lenti
per improvvisare occhi contenti,
perché le pupille abituate a copiare
inventino i mondi sui quali guardare.”
(Fabrizio De Andrè)

Cos’è per te la fotografia? Come la vivi?

Penso che la fotografia sia un potente mezzo espressivo per suscitare emozioni, pensieri e sensazioni nell’osservatore.  E’ una forma con la quale plasmare le idee. Esperienza estetica pura per rapportare il proprio spirito con il mondo.
Penso che ogni scatto debba essere il risultato finale di una elaborazione mentale; universale figurazione di un concetto interpretabile.
Non mi reputo un fotografo ma una coscienza in movimento che oggi usa la fotografia per esprimersi, ma un domani potrebbe usare un altro mezzo. Amo molto il cinema, la poesia e la musica, e mi piacerebbe in futuro fondere insieme tutti questi elementi.

Domanda scontata: a chi ti ispiri per le tue fotografie, per il tuo lavoro?

Non ho mai posto un artista in particolare in cima ad una piramide da scalare per raggiungerlo, ma piuttosto penso di essere influenzato inconsciamente da tutte le cose che mi capitano sotto gli occhi e che suscitano in me qualche emozione particolare.

Mi piace molto l’arte romantica, amo pittori come Caspar David Friederich e Delacroix. Mi piace l’astrazione filosofica di registi come Antonioni, il romanticismo poetico ed incantato di Fellini, l’umorismo pungente di Monicelli. Sono molti i fotografi che mi piacciono, tra cui Irving Penn e Jerry Uelsmann (molto diversi ma ugualmente straordinari nel loro genere). Anche la musica che ascolto penso abbia formato molto il mio modo di concepire la vita.

Penso che la cultura sia molto importante, fondamentale, per un giovane artista. Forse il tratto distintivo per emergere dalla moltitudine, oppure per immergervisi e capirla…

C’è stato un progetto che ha contato particolarmente per te?

Se posso variare leggermente la domanda, affermerei quale “innovazione” ha contato particolarmente per un giovane artista: Internet. E’ una possibilità unica e straordinaria di condivisione e formazione per ogni giovane che voglia intraprendere queste strade. Un calderone di idee, a volte con qualche ingrediente stonato, ma che può fornire un’alimentazione perfetta per una mente creativa. Credo molto negli strumenti di condivisione dell’arte e della letteratura in rete.

In quanto rubrica su giovani talenti per giovani talenti, ti chiediamo infine: che consigli ti sentiresti di dare, in base alla tua esperienza?

Di innamorarsi di ciò che si fa. Di dedicarsi molto allo studio del mezzo d’espressione prescelto per dar miglior forma alle proprie idee. Di pensare, sempre, e non lasciarsi pensare. Di sperimentare. Di non piegarsi ai giudizi negativi. Di ascoltare buona musica

Grazie a Luigi! Adesso godetevi la galleria!

www.luigimontebello.com

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Elena Martinello, 30 anni, Vicenza. Una grande passione: la fotografia. Sportiva da sempre, è amante della bici, che le permette di scollegarsi da tutto.

Tre anni fa il grande passo: ha mollato tutto e se ne è andata in Australia! “Erano da anni che non avevo “l’ispirazione”, ma proprio la terra rossa Australiana mi ha fatto da musa ispiratrice. Ho ritrovato la mia grande passione per la fotografia. Ho cominciato ad acquistare un pezzo per volta, l’atrezzatura minima per poter immortalare i colori meravigliosi di quella terra. Non c’è niente di meglio che venire a contatto con storie e personaggi aborigeni per iniziare a sognare.”

Mettendo insieme lo sport alle emozioni regalate dai paesaggi, Elena partecipa e immortala eventi di livello internazionale come competizioni di ciclismo o di snowboard. La voglia di migliorarsi e imparare cose nuove è grande.

“Porto sempre con me la mia macchina, sempre pronta allo scatto. Cerco di mostrare il più possibile la mia personalità!”.

Cos’è per te la fotografia?

La fotografia è un mondo in cui mi posso nascondere e che allo stesso tempo posso mostrare agli altri. Il cielo è di un blu intenso e tutto ha colori molto accesi. Mi piace deformare un pò la scena, guardare le cose da un punto di vista diverso, un po’ più in basso, quasi a stendermi per terra, o dall’alto come un uccellino!

Cosa deve avere una foto sportiva per essere perfetta, secondo te?

Quando si riesce a dare l’idea dell’azione, l’espressione e l’emozione di un atleta. Quando si vede la polvere sotto le ruote, la percezione di un salto nel vuoto. Non è un tipo di fotografia semplice, anche perchè spesso bisogna bloccare un’immagine molto veloce. Bisogna scattare tante foto per averne qualcuna di buona.

Quando è stata la tua prima foto di cui sei andata orgogliosa?

Una foto fatta durante una lezione di fotografia, a scuola. Eravamo ad una mostra d’arte nella basilica Palladiana. Avevo fotografato un particolare… Purtroppo non trovo più quella foto!

Una persona che stimi?

Stimo molto il mio ragazzo che ha risvegliato in me le mie passioni, portandomi lontano dalla monotonia e della quotidianeità.

www.elenamartinello.com

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C’è un sottile confine tra giovinezza e creatività, che spesso accende lo spazio intorno ad uno scatto. Gloria è ancora una studente, ma con una Nikon D80 in mano riesce ogni volta a stupire. Le sue fotografie, le sue passioni, le sue storie, sono crisalidi da cui ci auguriamo nasca presto una professionista affermata. Con qualche domanda, ci siamo permessi di frugare nei sogni e nelle speranze di una giovane creativa.

Gloria. Fotografa, Art Director, Graphic Designer e cos’ altro? Descrivici il tuo background.
Nessuna di queste tre cose è (per ora) la mia professione. La fotografia è un hobby che porto avanti da 4 anni, quando la mia professoressa di fotografia delle superiori mi mise al collo una reflex digitale. Rimasi incantata dalla solidità della macchina, non era una semplice compatta digitale, era qualcosa di più. Mi incantò, inoltre, la possibilità di decidere tempi e diaframmi: l’esposizione la decido io. E così abbandonai l’automatico, abbandonai una digitale che non mi proponeva una scelta. Volevo essere io la protagonista del gioco. Pochi mesi dopo comprai una reflex digitale ed iniziai a scattare fotografie, misi in piedi un sito internet e l’avventura iniziò. Ora sono al primo anno dell’Accademia di Comunicazione di Milano e devo decidere cosa farne del mio futuro: Art Direction o Graphic Design? Potrei essere uno, potrei essere entrambi. Potrei essere una persona completa o indirizzarmi solo verso una scelta decisa e ben ponderata. Potrei dar retta al momento o farmi consigliare. In qualsiasi caso non abbandonerei mai le immagini.

Quali sono le 3 cose più importanti nella tua vita.
La musica, la mia musa ispiratrice; il mio essere infantile e perdermi nei pensieri come se fossi in un mondo che conosco solo io e che non sono in grado di raccontare (anche perché nessuno capirebbe); il mondo creativo dalla A alla Z.

Quando è nata la tua prima foto di cui sei andata orgogliosa?
Un paio di anni fa stavo sperimentando nuovi luoghi dove scattare e dopo aver viaggiato in lungo ed in largo mi sono accorta che era sotto i miei occhi: il frigorifero di casa mia. Iniziai così a fare scatti veloci (non è salutare mettere una macchina fotografica per 5 minuti a pochi gradi sopra lo zero), provando a trasformare gesti quotidiani in situazioni bizzarre.

Cos’ è per te la fotografia?
E’ il modo più veloce per registrare le emozioni nel tempo. E’ un mondo infinito di creatività in continua evoluzione e digitalizzazione, di abbandono del tradizionale per passare ad un meccanismo più semplice e diretto.

Dove ti vedi tra 5 anni?
All’estero, a fare qualcosa di inerente a quello che sto studiando, sperando che la fotografia sia diventata per me un qualcosa di più professionale, non solo un hobby.

Una persona che stimi.
Chi non usa Photoshop dopo aver fatto una foto (se non per giocare con Livelli o Curve) : una foto deve venire bene al momento dello scatto.

Un tuo pensiero sulla pubblicità italiana.
Potrebbe essere molto più creativa, andare al di là delle solite proposte pubblicitarie che passano in continuazione alla televisione o sulle riviste. L’Italia è un paese alquanto arretrato su questo punto di vista: basta prendere un campione di 10 pubblicità italiane e 10 estere per rendersi conto di quanto le nostre siano ripetitive, fatte con lo stampino e con le stesse impostazioni grafiche. Ma siamo sicuri che nuove proposte pubblicitarie fuori dalle solite idee standard vengano prese in considerazione?

Il sito di Gloria: Gloriaciceri.com

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Oggi vi parliamo di “eventi mondani”…
Ma no, non vi preoccupate, non abbiamo cambiato linea! SushIT resta sempre il vostro sito di riferimento per tutto quel che riguarda la creatività!
E venerdì ha presenziato all’inaugurazione di un’esposizione presso la galleria Yvonne Artecontemporanea di Vicenza, dove resteranno in mostra sino al 15 maggio i lavori di 7 giovani artisti del territorio selezionati nell’ambito del concorso ArtsLive per la Giovane Arte in Veneto, indetto da DelirioCaneva.

Protagonisti della mostra collettiva di premiazione sono in realtà 22 artisti, le cui opere sono dislocate in tre sedi: Yvonne Artecontemporanea Selection a Vicenza; XX.912.FABBRICArte a Piombino Dese, Padova; Pieve Antica, Ronco all’Adige, Verona.

La curatrice del progetto, Carolina Lio, ha presentato l’esposizione di Vicenza delineando quelle che sono le connessioni tra il concorso, la galleria ospitante e il lavoro degli artisti coinvolti: la volontà di rilettura del presente lungo prospettive che siano in particolare quelle dei giovani, una linea di ricerca estetica che si coniuga con i temi contemporanei e una tensione all’espressione della leggerezza e della positività come approcci al mondo d’oggi.

L’evento è stato inoltre reinterpretato musicalmente da una performance live DJset, secondo l’ideale di contaminazione di Artslive, che si impegna a unire “giovani produttori di significati”, siano essi visual, fotografi, pittori, musicisti e così via, per dare spazio alla loro creatività e creare un’alchimia di suoni e visioni che sia espressione del loro talento.

Siete interessati? Ecco le coordinate giuste e qualche assaggio visuale di quel che troverete:

Yvonne Artecontemporanea
Contrà Porti 21 – VICENZA
periodo: 9 aprile – 15 maggio 2010
orari di apertura: martedì-sabato 15.30-19.30

artslive.it

Cataloghi & DJset

Veronica Organo, Koo-koo, 2010

Nicola Bettale, Il feltrinangolo e La draghicontrada, 2006

Dania Zanotto, Elmo e Vestito

Manuel Coletto, (an)architecture, 2010

photos by: samira

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Ingredienti:

Milano: la caotica e popolosa metropoli – i sobborghi desolati.
Il Paesaggio: deserti interminabili, immense montagne, sconfinati cieli, nuvole incontrastate.
Viaggiare: un Grand Tour all’inverso per raggiungere l’apice della bellezza nordica.
Ricordare: la Storia che non cessa di impressionare la pellicola del nostro presente.

…mescolate con cura ed otterrete un risultato strepitoso!

Ma… dimentichiamo forse qualcosa? Ops! L’agente chimico scatenante: un pizzico di mente sveglia con aggiunta di un occhio fotografico attento, geniale e affascinato.

Questa la ricetta di Enrico G. Agostoni, ventitreenne studente milanese di Agraria nonché fotografo appassionato e appassionante, specie secondo noi di SushIT, che l’abbiamo intervistato per voi… e siamo sicuri non vi deluderà!

Uno studente di Agraria - a Milano – che si diletta con la street photography: raccontaci un po’ di te per districare questa strana combinazione!

Quando ho cominciato a scattare, uscivo essenzialmente di sabato pomeriggio, quindi con molte persone in giro per la città e migliaia di potenziali soggetti da riprendere; c’è poi da dire che la street photography mi è sempre piaciuta, anche quando ancora non mi dilettavo con la fotografia. Posso sicuramente affermare di essere stato influenzato dalla famosissima foto de “Il Bacio”, di Doisneau, il cui poster troneggia in casa mia.

Come si fondono gli ambienti iperurbani delle metropoli di cui cogli istanti quotidiani con la straniante dimensione del panorama dove l’umano scompare?

Nonostante siano ambienti così diversi, paradossalmente, si può dire che siano legati tra loro: nelle metropoli l’umano, inteso come il singolo, scompare nella “massa”. Nel panorama naturale, invece, scompare diventandone parte.

Una passione per i viaggi, testimoniata da vari reportage… una destinazione che ti piacerebbe particolarmente raggiungere e fotografare?

Mi piacerebbe moltissimo fotografare l’Islanda e i suoi ampissimi spazi aperti, che per certi veri ricordano la desolazione delle periferie urbane. Oltre all’Islanda metto nella lista dei viaggi la Svezia (che ho già avuto modo di visitare due volte, ma di cui ho potuto fotografare solo Stoccolma) e il “Grande Nord” in generale. In dicembre in queste zone la luce è poca, ma estremamente particolare: calda, soffusa e… bellissima. Una vera manna per un fotografo. Inoltre, personalmente amo la neve, il freddo e l’”atmosfera” di questi territori così lontani e diversi dalla nostra quotidianità.

Ci spieghi un po’ come nasce e come si sviluppa l’idea di un progetto tutto dedicato ai Konzentrationslagern nazisti? Qualche “dietro le quinte emozionale” di quest’esperienza?

Viaggio da quando sono bambino in Germania e in Austria, ho avuto modo di vederle in lungo ed in largo, compresi i campi di concentramento: Dachau, Mauthausen, Buchenwald e così via. Trovo sia molto importante dedicare una parte del lavoro fotografico all’Olocausto, quasi un imperativo. L’uomo ha creato cose di incredibile bellezza, ma anche di terribile malvagità. Siamo capaci di grandi cose, di assoluta perfezione: sia nel bene che nel male.

Quello che ho voluto sottolineare nei miei scatti è stata proprio questa terribile e perfetta macchina di morte.

L’incontro con il paragliding: viverlo toglie il fiato come guardare i tuoi scatti?

Certamente, e anche di più! L’esperienza di fare un volo in parapendio è qualcosa di difficilmente spiegabile, persino con la fotografia. Quando i piedi si staccano dal suolo la paura può prendere il sopravvento, ma è subito rimpiazzata da un senso estremo di libertà. Essere in cielo e toccarlo letteralmente con un dito è un’esperienza divina, oserei dire.

Quando ho scattato le foto relative al paragliding, ho cercato di condensare, per quanto difficile fosse, queste emozioni: la vela si gonfia, una veloce rincorsa e poi via, in volo verso l’eternità.

Digital Art: semplicemente un modo per giocare con Photoshop CS4 o uno strumento tecnico per restituire un nuovo e diverso sguardo sul mondo?

La digital art è, per me, sia uno svago sia uno strumento per stravolgere e raccontare una realtà diversa: insomma, unisco l’utile al dilettevole. Con la fotografia si è, relativamente, vincolati a ciò che si inquadra; con la digital art (che io chiamo foto-”grafica”), invece, sento personalmente di poter dare sfogo alla mia fantasia e dare vita a nuovi mondi: creare è il potere più prezioso e sconvolgente per una persona.

Che sogni ha nel cassetto, o meglio forse nel mirino della sua Pentax, Enrico?

Il primo è sicuramente laurearmi e trovarmi un lavoro che possa (spero!) coniugare la mia passione fotografica con quella di agronomo e ovviamente migliorare e migliorare ancora. Può sembrare un desiderio puerile, ma il sogno che vedo nel mirino della mia Pentax è diventare un grande fotografo!

In quanto rubrica su giovani talenti per giovani talenti, ti chiediamo infine: che consigli ti sentiresti di dare, in base alla tua esperienza?

Nella mia infinita… inesperienza(!), posso dire a tutti i giovani (e mi rivolgo anche a me stesso), di avere e mettere passione in ciò che si fa (che sia la fotografia, il design o qualunque altra cosa), di avere umiltà e saper ascoltare chi ne sa di più.

Anche chiedere, informarsi, leggere tutto ciò che vi capita a tiro può esservi utile: non costa nulla! Personalmente, in campo fotografico, ho fatto molti progressi frequentando diversi forum o scaricando guide dal web. Per farla breve: Internet è la più grande risorsa di sapere che abbiamo a disposizione, sfruttiamola fino in fondo!

Ed ora ecco a voi qualche scatto di Enrico, ma andate a visitare anche il suo sito personale e il suo spazio su Flickr: estasi garantita!

www.enricoagostoni.com

www.flickr.com/photos/enricoagostoni

Bricks and Windows

Railway

Desolation

Coming Soon

The Sleeping Guard

Two Mothers

Path

Sound of Silence

Clouds Over

The Silent of  Thunder

Modern Sky

The Windows of Mauthausen

The Paraglider

Through the Dreams

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Diana Debord nasce a Novara nel 1984. Molte persone hanno descritto la sua fotografia e i suoi autoritratti come una mescolanza di Alice nel paese delle meraviglie e Amélie, per il loro romanticismo decadente e le atmosfere sognanti.

Lei si definisce così: “Voglio che i miei colori rappresentino una ribellione verso il grigiore e l’alienazione della vita moderna. Il mio scopo principale è quello di catturare la magia nella vita quotidiana, donandole un tocco onirico”.

A ottobre 2009 la sua prima mostra personale intitolata “Il sogno di Ofelia”. Abbiamo scambiato quattro chiacchiere con lei..

Chi è Diana Debord in 3 parole?

Diana Debord in realtà è un personaggio che esiste soltanto nelle fotografie, ed è una sorta di Ofelia che, trascinata sul fondo in un regno onirico e misterioso, si rende conto di non voler più tornare a galla. Mi piacerebbe dare un nuovo significato alla femminilità, magari ingenuo e puro, ma sicuramente soggetto anziché oggetto passivo.

Domanda scontata: a chi ti ispiri per le tue fotografie, per il tuo lavoro?

Le mie foto nascono solitamente da un pensiero o da una parola: mi piace sviluppare delle idee sfogliando il dizionario etimologico e indagando sulle origini dei vocaboli; oppure partire da un sogno o incubo che ho accuratamente annotato su quella che Sylvia Plath definirebbe una “Bibbia dei sogni” che tengo vicino al letto. Altre volte  mi ispiro alle opere di artisti, non solo visivi ma anche poeti e registi: Edgar Allan Poe e Georges Méliès su tutti. Tra i miei fotografi preferiti ci sono invece Man Ray, Lee Miller, Diane Arbus, Yelena Yemchuk, William Klein, Tim Walker.

Pellicola o digitale?

Sperimentare le varie tecniche fotografiche è indispensabile per migliorare, ecco perchè non lavoro esclusivamente in digitale ma anche a pellicola. Adoro tutto ciò che è vintage e spesso girovago per i mercatini curiosando tra foto e cartoline d’epoca: il digitale ha sicuramente innumerevoli vantaggi, ma certamente non ha quello della durata nel tempo, caratteristica che mi affascina molto.

Che rapporto hai con le tue macchine fotografiche?

La fotografia è sempre stato un hobby costoso, e credo che qualsiasi appassionato vorrebbe una Hasselblad! Anche io come molti ho iniziato con una semplice macchina 35mm da bambina e da lì la mia passione è cresciuta. Adoro le macchine Polaroid e le Lomo, in particolare la Holga perchè utilizza il formato quadrato. Ho anche una reflex analogica che adopero specialmente per quanto riguarda il bianco e nero: le pellicole Ilford hanno un resa incredibile che nessuna action di Photoshop può ricreare. (SUSHIT approva! ndr.)

Progetti per il futuro? Cosa farà Diana da grande?

Vorrei seguire il Bianconiglio in fondo alla tana senza sbucciarmi le ginocchia.

Questa è una rubrica di giovani talenti per giovani talenti: il primo consiglio che ti viene in mente?

Studiare e sudare. Molti in questo periodo si avvicinano al mondo della fotografia spinti più dalla moda che dalla passione, e anche se questa tendenza ha sicuramente dei risvolti positivi, dall’altra porta le persone a pensare di poter fotografare senza considerare la parte tecnica. Per fotografare bene non è indispensabile una costosa reflex, ma conoscenze tecniche derivate da tanto studio teorico e pratico. Anche la creatività, che il più delle volte è una dote innata, si può acquisire almeno in parte osservando i lavori di altri. Consiglierei anche di osare e di non piantare dei paletti mentali che intrappolano soltanto l’arte in una gabbia dorata ma dolorosa.

www.debored.it

www.flickr.com/photos/vodkapsychosis/

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Un ampio tavolo da lavoro, materiali di ogni genere sparsi qui e là, buona musica di sottofondo… così inizia il viaggio nell’opera di Lisa Castellani, giovane artista vicentina che racconta a noi di SUSHIT un po’ di sé e della sua esperienza artistica.

Una breve presentazione della tua formazione e del tuo lavoro?

Si può dire che abbia quella che si definisce una formazione classica: ho frequentato scuole artistiche e mi sono laureata all’Accademia di Belle Arti di Venezia in Pittura, ma nel corso del tempo ho ampliato sempre più i miei interessi, cercando di unire tradizione – tecnica e storica – e sperimentazione in un lavoro che fosse a tutto tondo e di costante ricerca, che mi rispecchiasse quanto ad eclettismo. Ho sempre cercato di servirmi delle tecniche per ottenere un certo risultato, non puntando alla perfezione formale, bensì al fine veicolare un preciso messaggio. La domanda a mio parere da porsi, infatti, non è “è arte o non è arte?”, ma “qual è la poetica dell’arte visiva?”.

Di cosa ti occupi più nello specifico?

Mi sono sempre dedicata in particolare alle arti visive, appunto, mescolando in una fusione di stili pittura, fotografia, arte relazionale e videoinstallazioni, anche grazie alla collaborazione con amici musicisti che mi hanno stimolata molto nell’apertura dei miei orizzonti.

C’è stato un progetto che ha contato particolarmente per te in quanto giovane artista?

Ero all’ultimo anno di Accademia quando mi è stato proposto di partecipare a un workshop che andava oltre le materie canoniche del mio corso di studi. Si trattava di un progetto di narrative art coordinato da C. Pietroiusti e R. Caldura, intitolato Riserva Artificiale, che prevedeva la creazione di un percorso sensoriale attraverso il paesaggio naturale-industriale di Porto Marghera. Non si seguiva lo schema classico di una mostra ma si proponeva un viaggio da vivere con gli occhi e la sensibilità di un artista. Il progetto ha partecipato poi alla 50ma Biennale d’Arte di Venezia, nel 2002. Posso dire che abbia costituito per me il salto fondamentale: dalla fuoriuscita dell’arte nell’area pubblica alla consapevolezza della possibilità di usare qualsiasi cosa, anche e soprattutto se stessi, per fare arte.

Una panoramica di dove e che cosa hai esposto?

Ho avuto occasione di partecipare sia a esposizioni collettive che personali, sia in spazi pubblici che in gallerie private, in Italia come pure all’estero (per esempio in Germania, in Slovenia e in Spagna). Ho esposto le mie opere non solo nell’ambito classiche mostre in galleria, ma anche in siti meno usuali come sulla riva dell’isola di Pellestrina a Venezia…
Anche le idee dei due Festival di Norimberga cui ho partecipato sono interessanti: uno, Gastspiel, prevede che ognuno degli artisti tedeschi coinvolti ospiti nel suo atelier un artista straniero ed esponga le opere (io ero ospite di Lutz Krutein); secondo, Kunstraum Weissenohe, si svolge in un birrificio legato a un antico monastero e coinvolge sia artisti tedeschi che internazionali.

A questo punto sorge spontanea una domanda: viste tutte queste tue esperienze in campo artistico, cosa ci puoi dire dei giovani talenti oggi? Che possibilità hanno secondo te di emergere e che speranze hanno per il futuro?

E’ difficile avere una visione positiva della situazione… I giovani talenti in Italia ci sono e lavorano davvero seriamente, oramai nessuno può permettersi di “improvvisarsi” artista. Purtroppo però si finisce per costituire una sorta di circuito chiuso: nell’ambiente ci si conosce, ma c’è poco scambio con l’esterno, con altri ambiti della creatività, della culura e del mercato. Gli investimenti in campo artistico sono veramente pochi, e gli “illuminati” dei nostri giorni pure. Bisogna avere fortuna e talento insieme, è come se avvenisse una “selezione naturale” propria degli anni di crisi. Sono necessari tanto entusiasmo e una buona dose di autocritica, serietà e conoscenze per incamminarsi e continuare su questa strada… Il futuro? E’ come un muro di gomma su cui continuamente si rimbalza: anche con un curriculum splendido non si innesca una catena virtuosa, ma ogni opera rimane a sé, qualsiasi iniziativa non ha seguito, i progetti vanno a costituire una costellazione che si può rimanere ad ammirare, ma non permette di spingersi più in là.
Poi, diciamolo, di arte nel mondo contemporaneo non si vive, persino a livello legale esistono carenze enormi di norme che tutelino determinate figure. In Italia, soprattutto, un artista ha come l’impressione di dover dare giustificazione di sé, come fosse un “mascalzone” che pretende di vivere senza lavorare. All’estero non è così: per esempio, se si dimostra di avere determinati requisiti e lavori alle spalle si può ottenere un finanziamento fisso che poi si integra di progetto in progetto.
Il problema è che nell’artista non si vede una risorsa e non si favorisce la ricerca, l’unica che può “salvare” l’Arte.

www.loftarte.com [ Lisa espone alla Galleria Loftarte di Valdagno -VI-]

www.lovedifference.org

www.urbanlab.it

http://blog.jpeggy.it [ Wild growing 5 di Lisa è stata selezionata tra le 52 migliori foto del 2009 da jpeggy - ricordate? di questa galleria virtuale vi abbiamo già parlato qui ]

le interviste di jpeggy [inseriamo un'altra pillola delle parole di Lisa fornendovi il link al botta e risposta liberamente ispirato al questionario di Proust propostole da jpeggy]

www.flickr.com

Trovate Lisa anche a pagina 119 del numero di marzo della rivista Arte , in un articolo su 30 artisti emergenti del Veneto. Buona lettura!

Alcune delle più recenti opere di Lisa, che negli ultimi progetti si sta concentrando sullo studio delle corrispondenze e del confronto tra l’organico, il naturale e il lavorato, l’artificiale:

Walk2 (stampa digitale e acrilico su pvc elettrostatico 2010)

Never I (stampa digitale su raso intelaiato, 6 elementi, 2009-10)

Wild growing 5 (stampa digitale su alluminio, dittico, 2009-10)

Wild growing2 (stampa digitale su alluminio, dittico, 2009-10)

Waves of me (aquilone + capelli sintetici, 2008)

Rosso (veduta dell’installazione – parziale, 2008; dal progetto Tir nan Og – terra dei giovani)

Dall’installazione interattiva Relocate: un dettaglio dei pop corn + scatole e un collage dell’allestimento e dell’inaugurazione, 2009

Video di Waves of me – first flight (2008)

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Guido Meschiari. Con l’inaugurazione della mostra DOWNLOAD che si terrà a Modena dal 23 gennaio al 6 marzo 2010 presso la galleria d’arte contemporanea Betta Frigieri cogliamo l’occasione per presentare questo nuovo talento della fotografia Italiana, Guido Meschiari (Capri, 1982).

Durante la mostra presenterà “Beautiful Agony” , l’idea ed il conseguente progetto nasce ancora una volta da uno strano
prodotto della rete: Beautiful Agony. (www.beautifulagony.com).
In questo progetto evidenzia come una smorfia di piacere può essere fraintesa per un grido di dolore.

“Non c’è niente di proibito o di vietato ai minori, proprio perché non si vede assolutamente niente, se non facce e corpi che si contorcono in espressioni assurde. In questo modo l’allusione diventa l’unica protagonista e proprio da questo passaggio lo spunto per creare un progetto fotografico a partire da qui. Infatti grazie a questo sito e grazie alla nascita di qualcosa che può essere definito come un rito moderno partorito da internet il discorso si rovescia; infatti nell’ambito dell’hard capita molto spesso che le persone vogliano fisicamente partecipare alle situazioni possibili solo in questo tipo di film, escludendo però il proprio volto, riconosciuto da sempre come primo elemento distintivo e
caratterizzante di un individuo. Invece le persone che caricano video su beautiful agony paradossalmente sono disposte a fare esattamente il
ragionamento inverso, ovvero coprire il loro corpo; quello che succede in questo modo è che escludendolo dall’inquadratura si dichiara comunque la sua presenza con l’allusione e inoltre ci si autoriprende mostrando ciò che di più intimo una persona è disposta a mostrare: il suo volto mentre prova piacere fisico attraversando una “dolce agonia”.”

Con questo vi invitiamo ad andare a visitare la mostra, sushit.net sicuramente sarà presente!

Orari d’apertura
mercoledì-sabato 16.00-19.30
oppure su appuntamento

Betta Frigieri Arte Contemporanea
via Giovanni Muzzioli 8, 41121 Modena
tel. +39 3393766367
info@associazioneculturalebettafrigieri.it

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Vogliamo dare spazio anche alle nuove promesse, in questo caso nel campo della fotografia.

Brando Giannoni è un giovane fotografo che lavora tra Roma e Barcellona, ha già lavorato per nomi noti come Mumm, Perrier Jouet, Propagandagem, Mondadori, Gucci, Epolis… sicuramente di grande impatto le sue fotografie, e nulla da invidiare a nomi già affermati del settore.

brandogiannoni.com

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