L’Europa, ma l’Italia forse ancor di più, è in un periodo di crisi senza precedenti, almeno in quest’era digitale. E purtroppo uno dei primi settori dove le aziende tagliano i fondi è proprio quello della pubblicità. E allora, come trovar lavoro?

12designer non ti troverà un lavoro, ma da la possibilità di guadagnare qualcosa participando a suon di creatività a contest anche di alto livello.
Un’idea nata a Berlino nel 2009 da un’idea di Eva Missling che voleva applicare il principio del crowdsourcing al design, ed è oggi presente con successo in Francia, Inghilterra, Spagna e Italia.

Nel campo della fotografia questa realtà è già ben diffusa, sia con i contest, che con il microstocking, che anche se in maniera differente, segue sempre quest’ottica di condivisione, dove anche il singolo può imporsi come le più grandi agenzie. Dove non vincono (finalmente) le conoscenze, ma la nostra creatività, la nostra tecnica e la nostra passione.

Vi invito a visitare il sito: http://www.12designer.com/it

Nel frattempo  vorrei farvi vedere questo studio, per me ne traspare tutta l’armonia e la passione che deve avere una start-up di successo.

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Sono molto forti le sue origini da street artist, ma probabilmente, ancor prima, da Topolino, un tratto duro e reale, in perfetta coerenza con la fantasia.

Ma conosciamo un po’ Fulvio, con qualche domanda..

Cosa ispira maggiormente la realizzazione dei tuoi lavori?
Innanzitutto la voglia di creare qualcosa di nuovo, sia per quanto riguarda la forma, fisicamente parlando, sia per quanto riguarda il concetto, ad esempio nella lavorazione dei miei Zippo, e sia per quanto riguarda lo stile, come nelle mie illustrazioni-tele in cui credo di aver introdotto un grafica decorativa che si avvicini anche ad uno stile street. Insomma la voglia di “lasciare un segno” in questo ambiente in cui è fondamentale distinguersi creando qualcosa a cui altri non avevano ancora pensato. Ovviamente alla base di tutto c’è una grande passione verso la creatività, l’arte e il dipingere in generale, che mi porta a trasferire questa esperienza su vari supporti!

Il tuo colore preferito? e lo strumento che più utilizzi…
Il mio colore preferito è sicuramente l’azzurro, sia per una questione di cromia che per una questione di pratico utilizzo, infatti mentre altri colori come il giallo, l’arancio il rosso possono creare fastidio e far perdere parecchio tempo, l’azzurro adempisce al suo compito quasi immediatamente e non crea mai problemi!
Lo strumento che più utilizzo è senza dubbio il pennello, dalle più svariate dimensioni, pensando che vado dalle pareti agli accendini, integrando spesso con l’aerografo che fornisce sempre particolari effetti e sfumature,  ma che non permette il totale controllo come un pennello.

Dove vorresti vedere un tuo lavoro? e c’è una persona dalla quale vorresti essere apprezzato? (critico, giornalista…)
Scuramente mi piacerebbe vedere qualche mio Zippo dipinto a mano, tra le mani di grandi collezionisti, perché vorrebbe dire che sono arrivato a soddisfare il gusto di gente che ha molto a cuore questo accessorio. Per quanto riguarda gli apprezzamenti, quando sono sinceri  i più graditi sono sempre quelli che arrivano colleghi!

Presentaci qualche artista che apprezzi particolarmente. (di qualsiasi disciplina)
Essendo appassionato di writing e streetart, il primo che mi viene in mente è sicuramente Wany, per la sua enorme capacità di illustrazione e per la sua capacità di inventarsi sempre qualcosa di nuovo anche se porta avanti sempre un soggetto, e non dimenticando le grandi proprietà tecniche in suo possesso

Guarda la tua scrivania, descrivici quello che vedi!
Quando lavoro forse è meglio non guardare la mia scrivania. Preso dall’entusiasmo del lavoro e dalla voglia di terminare un opera cado nel disordine assoluto, in cui devo dire però ci navigo senza problemi, magari mettendoci qualche secondo in più a trovare ciò che mi serve, ma alla fine lo trovo sempre. Pennelli, colori, acqua, matite, gomme, fogli,  vanno ad accumularsi sul tavolo fino a  costringermi a lavorare su una piccola porzione di scrivania, fino a che in un attimo di lucidità sposto gli oggetti che mi stavamo assalendo e mi riprendo i miei spazi. Una volta finito ovviamente riordino il tutto fino all’inizio di un nuovo lavoro!

http://WWW.TONELART.IT

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L’iniziativa della “factory” è recente (fine 2009), nata a ridosso di una vita professionale vissuta per entrambi nell’illustrazione, la grafica e, soprattutto, la progettazione editoriale. Esperienze che, in parte, influenzano la produzione.

Davide Lopopolo è di Milano, diplomato al II° Liceo Artistico di Brera-Milazzo durante uno dei periodi che lui stesso reputa più liberi, creativi e stimolanti. Si è specializzato in fotografia, formandosi in agenzie di pubblicità e scegliendo la libera professione per occuparsi di art direction, progettazione editoriale e graphic design.

Loredana Cattabriga è nata a Napoli e si è diplomata al I° Liceo Artistico di Milano. Si è formata in un piccolo studio creativo di architetti, illustratori e designer milanesi, scegliendo poi la strada della grafica editoriale nelle maggiori case editrici italiane.

L’attuale crisi li ha spinti a riprendere in mano tele, pennelli (e computer Mac), per tuffarsi in quello che è sempre stato il grande amore: l’arte, il creare e la manualità, con la convinzione di avere, forse, qualcosa di interessante da dire.

Davide, dopo alcune partenze che non lo convincevano al cento per cento, è giunto alla creazione tridimensionale di installazioni e robot, con puntate nel figurativo, la grafica e i multipli. Loredana rappresenta invece la parte più creativa e visionaria della factory, grazie anche all’ottima mano nell’uso di colori e pennelli.

Dicono di loro: “Insieme formiamo lo Yin e yang che si equilibra e si sprona a vicenda, anche a costo di aspri conflitti.”

Di seguito, 4 serie diverse:

- Uomo Nero: acrilici su tela di dimensioni varie. L’uomo nero ormai non fa più paura. Oggi l’uomo nero porta giacca e cravatta e macina affari.

- Robot: realizzati con materiali di recupero, cartapesta e acrilici. Le dimensioni variano da 1,80 metri (robot esposti al Superstudio Più), a 55 cm.

- Serie Grafica: poster realizzati in stampa digitale numerata e con interventi che variano dai pastelli a olio al feltro. Formato 70×100.

- Varie: comprendono acrilici su tela (Nirvana, Fiori&Cuori), acquerelli e pastelli (cane&gatto) e acrilici.

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Diplomato all’Accademia di Belle Arti di Venezia è illustratore da sempre, nel 1991 si trasferisce a Milano dove inizia a collaborare con numerose case editrici di fama nazionale e anche con note agenzie pubblicitarie. Ora grazie al digitale, che ha semplificato non poco il lavoro,  abita e lavora in Friuli.

Qui vorrei dare più importanza ai suoi pinguini, idea nata per caso, ma che con il passare degli anni è diventata una vera e propria collezzione.

www.davidebressan.it

Ma facciamogli qualche domanda…

Perchè i pinguini?

I pinguini all’inizio erano presenti in una illustrazione che ho creato per gli amici Enzo Baldoni (carissimo amico-diventato poi noto purtroppo per la sua vicenda in Iraq)
e Maurizio Dal Borgo suo socio-a Milano.
I pinguini sono così diventati via via nel tempo degli elementi che caratterizzavano le mie illustrazioni-mi divertivo-e mi diverto molto a disegnarli.Il pinguino
è un animale tanto elegante in acqua quanto buffo fuori..per scherzo ho iniziato anche a creare una piccola collezione che,se prima contava pochi pezzi
ora è diventata numericamente importante !
Gli amici quando vanno in giro per il mondo mi portano sempre un piccolo pinguino…
non importa se di peluches o di altri materiali..l’importante è che non ci siano dei doppioni!

Illustrazione pubblicitaria, cosa la caratterizza principalmente? e chi ispira di più i tuoi lavori?

Rispetto all’illustrazione per l’editoria quella destinata alla pubblicità ha molti più vincoli da rispettare;
spesso è più banale perché appunto legata al prodotto ma a volte tali limiti per l’illustratore possono diventare una bella sfida.
Per quanto riguarda l’ispirazione l’elenco sarebbe lunghissimo.Le influenze vanno dal cinema alla fotografia ed a tutto ciò che è immagine…
..non importa se l’ispirazione venga da un fotogramma di un film o da un dipinto…od altro;
l’importante è poi l’interpretazione personale,la suggestione e la fantasia che il disegnatore riesce
a “trasferire” dal suo immaginario al lavoro finale.

Com’è il tuo rapporto con il digitale?

Ottimo! A volte anche io lavoro in digitale.Dipende dal risultato finale che si vuole ottenere.
Le applicazioni che esistono oggi son fantastiche.La gamma di strumenti crea moltissime possibilità.
Il problema si crea però quando lavorare in digitale
crea stili omologati; spesso infatti si vedono illustrazioni molto simili
anche se sono di autori diversi e questo non è bello.

Prova a descriverci le emozioni che vorresti trasmettere con una tua illustrazione che mi hai allegato.

Difficile spiegare ma se riesco a divertire ed a creare in chi guarda una piccola emozione con una mia immagine allora sono già molto soddisfatto.

La tua scrivania, descrivimi un oggetto tecnico e uno sentimentale che ci vedi sopra..

Il computer è importante come strumento fondamentale per il lavoro ma anche per i contatti con gli amici ed il resto del mondo.
Prediligo da sempre il mac..che trovo straordinario per semplicità d’uso ed è imbattibile per l’estetica elegante e raffinata.
Un oggetto sentimentale?
Uno dei miei pinguini…scelto a caso nella mia grande collezione.

Classe 1964, hai visto un evoluzione dell’illustrazione? C’è qualche under 20 che ti colpisce particolarmente.

Certo! Siamo passati dai fogli ed i colori alla tavoletta grafica ed il monitor piatto..non è poco.
Per quanto riguarda la domanda vado fuori tema volentieri e -senza fare riferimento all’età voglio- fare un po’ di nomi.
Tanta gente brava.I grandi maestri,Sergio Toppi e Lorenzo Mattotti.Amiche belle e brave.AnnaLaura Cantone,
Alessandra Cimatoribus, Costanza Favero,Marina Marcolin,Eva Montanari,Tiziana Romanin.
Aggiungo poi due illustratrici che non conosco ma che ammiro.Beatrice Alemagna e Nicoletta Ceccoli.
Fuori dall’Italia la bravissima Rébecca Dautremer e mille altri.

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Dilomatosi all’Istituto Statale d’Arte Michele Fanoli e attualmente laureando all’Accademia delle Belle Arti di Venezia.

Nonostante ancora uno studente, ha un curriculum invidiabile: stage, lavori, collaborazioni e concorsi. Sappiamo poco di lui.. mi viene descritta come una persona timida ma piena di talento. Ci credo, lo vedo.. e ne ho subito la conferma!

Rivolgiamogli qualche domanda ma, soprattutto, lasciamo parlare le immagini!

Dai parla.. chi sei?

Sono uno studente laureando in arti grafiche all’Accademia di Belle Arti a Venezia.

La passione per l’arte è nata quando ero piccolo: leggevo i fumetti di Topolino e mi piacevano le storie. Ricopiando le immagini ho iniziato ad apprezzarne le forme e i colori, e pian piano l’evoluzione dei personaggi dalla loro nascita ai primi anni novanta quando ho iniziato ad avvicinarmene.

Mii piacevano anche i fumetti di Geppo, il diavoletto buono, e li studiavo per comprenderne la forma e per imparare a riprodurli automaticamente.

Ci parli del tuo percorso?

Gli anni dell’Accademia sono stati educativi, di scoperta e di ricerca.. e non solo nell’ambito strettamente artistico. L’arte mi aiuta ad esprimermi, a capire cosa c’è dentro di me.

Il primo anno di università ho continuato il percorso iniziato alle superiori, all’istituto d’arte Michele Fanoli, affacciandomi al mondo dell’incisione, cercando di apprendere le tecniche e i metodi di stampa tra anatomia e disegno. Volevo capire cosa avevo io da proporre all’arte.

Nel percorso di studi poi ho approfondito pubblicità e fotografia, ma durante il terzo anno, quando ho conosciuto il mondo dell’illustrazione, me ne sono subito innamorato. Quella che creo è ancora arte di sviluppo, ma l’illustrazione è la mia via. Non è vista come arte ed è libera da ogni restrizione di pensiero, libera di essere ciò che vuole, libera di raccontare le parole visto che spesso accompagna un testo oppure un racconto.

L’illustrazione è la tua via.. ma, secondo te, come si diventa illustratori?

Mi sento più un piccolo artigiano che un illustratore. Non riesco a comprendere le persone che senza averne diritto si definiscono artisti, come se fossero già definitivamente affermati. Bisogna sempre crescere e migliorarsi, la ricerca costante è fondamentale.

Quando sono davanti ad un racconto lo divido per scene, pensando alla dimensione della pagina, all’inquadratura e agli elementi scenografici e cerco, grazie anche all’uso dei colori, di non renderli visivamente pesanti a discapito dei personaggi principali.

Lo studio riguarda ovviamente anche il target, ovvero i bambini. Per loro i colori sono l’impatto visivo primario e io, personalmente, nell’arte, ho sempre tralasciato il pensiero per concentrarmi sulla composizione e sul colore come Rothko. Cerco di usare linee molto semplici e spesso curve, perché danno un senso di sicurezza ed infine tento di trovare il giusto contrasto tra dimensioni esageratamente grandi e piccole.

Dalle illustrazioni alle fototessere. Ci spieghi il tuo percorso creativo?

Più che percorso è stato un vero e proprio salto, ma sperimentare sempre cose nuove mi stimola! Il filo rosso che collega le illustrazioni alle fototessere è la volontà di rappresentare racconti. Nonostante si immobilizzino la scene, la nostra mente conferisce a queste un movimento, creando storie.

Le fototessere “antiche” mi hanno sempre affascinato perché le ho sempre osservate come un pezzo di passato delle persone ritratte. Queste rappresentano la foto più oggettiva che una persona può avere ed io volevo renderle dei piccoli racconti dove la persona si può perdere tra gli strappi di colore, ma rimane nel presente.

Volevo rappresentare un ricordo evanescente dallo scorrere del tempo.

Quali sono stati i tuoi riferimenti artistici?

In primis, Nicoletta Ceccoli, perché riesce a donare una poetica splendida alle sue illustrazioni. Stefano Ricci, per la morbidezza e l’atmosfera delle sue illustrazioni. Inoltre, Satoshi Dobara per le ambientazioni e i colori. Anna Laura Cantone per la giocosità dei suoi disegni. Alessandra Cimatoribus per l’evanescenza dei suoi lavori ed infine, Lorenzo Mattotti per l’eleganza surreale.

Nelle mie illustrazioni io cerco di esprimere l’allegria delle cose, di vedere il dolce anche dietro le cose più amare e di creare piccoli pezzi di felicità.

Quali consigli daresti a chi vuole intraprendere la strada dell’illustratore?

Non me la sento di dare consigli perché sono il primo a dover crescere e migliorare.

Posso dire di partecipare a tanti concorsi, per l’esperienza e il confronto, e perchè sono una vetrina che aiuta a farsi conoscere nel circuito.

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Ale Giorgini è è illustratore, cartoonist, fumettista. Ha creato i personaggi protagonisti di spot, video e campagne per vari brands (QOOB TV, Island Records, Virgin Atlantic, Cramps Music, Kronos), nato a Vicenza, dove vive e lavora.

Dal 2008 collabora con la galleria MondoPOP di Roma per la quale cura la sezione video/cartoon. É l‘ultimo arrivo nel gruppo dei disegnatori de La Repubblica XL, dove, dal 2008, ogni mese pubblica le storie a fumetti di Ted Bunny.

http://abnormale.blogspot.com/

Continua l’intervista…

Facciamogli qualche domanda per capire di più sul suo lavoro..

Quali sono le tue fonti di ispirazione quotidiana per le tue strisce?

Tutto. I giornali, la televisione, il web, le persone che incontro. Anche i discorsi che di sfuggita mi capita di sentire per strada. Tutto è ispirazione. A volte calco la mano. Altre volte, invece, la realtà è talmente assurda che basta riportarla così com’è.

Com’è nata l’amicizia con AlePOP?

Ho incontrato per la prima volta AlePOP nel 1992. Avevo 15 anni e da poco avevo iniziato una collaborazione con “I Ragazzi Non Piangono”: una fanzine che in quegli anni ha riscosso un discreto successo e con la quale collaborava anche AlePOP che era già un conosciuto illustratore e fumettista (aveva già pubblicato su AlterAlter, Frigidaire, Il Cuore, Rumore, solo per citarne alcuni). Lo conoscevo artisticamente, perchè da tempo perdevo gli occhi guardando i suoi psichedelici sgorbi. Una giorno mi si è presentata l’occasione di poterlo incontrare di persona ad una cena con un amico comune. Ricordo che la mia timidezza non mi ha permesso di aprire bocca per tutta la sera, quando invece avrei avuto migliaia di cose da chiedergli. Da allora non ci siamo più rivisti nè sentiti fino al 2007, quando, dopo aver visitato una mostra da lui organizzata a Vicenza (Gnam!), decisi di mandargli alcuni miei disegni. Mi rispose immediatamente, dicendo che gli piacevano. Tanto da decidere di inserirmi “al volo” fra gli artisti delle mostra, che da Vicenza si trasferì poco dopo a Treviso. Quel giorno ha segnato una svolta nel mio lavoro e l’inizio di una bella amicizia con AlePOP. Negli anni successivi abbiamo collaborato insieme su molti progetti, ultimo dei quali una serie di mostre targate AgitPOP che avranno luogo a Vicenza e provincia nei prossimi mesi.

La tecnica che usi é mista: non solo strisce cartacee colorate e acrilico ma anche animazione di figure 2d e 3d de La Famiglia Maskerata. Diventeranno dei cartoni animati?

Mi piace sperimentare, miscelando stili, tecniche e materiali diversi: trovo sia noioso fare sempre le stesse cose. Negli ultimi anni mi sono occupato molto di animazione. Sono così nati Deaddy Bear, trasmesso da QOOB TV, il videoclip per DJ Shadow, alcuni spot televisivi ed un progetto che ho finito di recente di cui non posso parlare perchè “top secret”. Posso solo dire che si tratta della puntata pilota di una serie animata per la televisione. Quello de La Famiglia Maskerata è un’idea di cartone animato in 3D nata in collaborazione un gruppo di talentuosi animatori con sede a Barcellona. Poi, per una serie di motivi, abbiamo dovuto fermare la lavorazione che spero di poter riprendere il prima possibile. Lo stesso Ted Bunny ha preso vita in una serie di strisce animate, così come “i Figurini” che sono diventati protagonisti di un episodio animato di Carosello News, un progetto realizzato con MondoPop un paio di anni fa. Tutte queste cose possono essere viste on line sulla mia pagina Vimeo.
http://www.vimeo.com/user1125339
Ho sempre cercato di alimentare le mie conoscenze tecniche, in modo da poter essere al passo con lo sviluppo dei media. La carta rimane il primo amore, ma oggi sarebbe stupido limitarsi solo a quella. Voglio che i miei personaggi prendano vita sul video di una tv, sul monitor di un computer, sullo schermo di un cellulare e, perchè no, su quello di un I-Pad.

Quali sono e sono stati i tuoi riferimenti artistici?

Sono figlio della televisione. Il tubo catodico è stato, negli anni ottanta, il mio primo insegnante di cultura pop. Primo ed ultimo, visto che poi non ho seguito studi artistici. Ma ho la fortuna di essere molto curioso: nel corso degli anni ho divorato fumetti, libri, cartoni animati, cinema, mostre, riviste. É stato proprio attraverso questa personale ricerca che ho scoperto e conosciuto quelli che posso definire miei riferimenti: Robert Crumb, Andy Warhol, Takashi Murakami, Joseph Barbera e William Hanna, Jay Ward, Jamie Hewlett, Chris Ware e gli italiani Bruno Bozzetto, Andrea Pazienza, Carlo Peroni, lo stesso AlePOP e Diavù. Artisti, questi ultimi due, che leggevo ed ammiravo quand’ero più giovane su riviste come “Katzyvari” e con i quali, oggi, ho l’opportunità di poter collaborare.

Hai lavorato per QOOB TV, Island Records, Virgin Atlantic, Kronos… Quanto hanno inciso le manifestazioni artistiche sulla possibilità di far notare il tuo talento?

Direi molto. Ho avuto modo di conoscere davvero tante persone: colleghi italiani e stranieri, addetti ai lavori e persone comuni con i quali ho potuto confrontarmi, scambiare idee ed esperienze. Tutto questo mi ha fatto crescere sia dal punto di vista artistico che da quello umano. Non ti nascondo poi che avere il mio nome nei cartelloni di alcune manifestazioni, mi ha aiutato poi a far passare un po’ meno inosservato il mio curriculum.

Vivi e lavori a Vicenza: i tuoi progetti per il futuro sono legati a questa città? Sto pensando alla necessità di spostarsi in città più “all’avanguardia” come Milano o Roma, per poter trovare alternative alla “provincia sonnecchiosa” come ha definito Vicenza.

Molte delle cose che ho in cantiere in questo periodo verranno realizzate a Vicenza e provincia. Questo nasce dalla volontà mia e di AlePOP di portare qui un po’ di quell’avanguardia a cui fai riferimento. L’impressione che ho è che Vicenza in questi ultimi anni si sia risvegliata da un lungo letargo. C’è un grande fermento e credo sia il momento giusto per aprire le finestre per cambiare aria.

Quali consigli daresti a chi vuole intraprendere la strada dell’illustratore freelance?

Di lasciare perdere. Oppure di non far trascorrere nemmeno un giorno senza aver disegnato, di non smettere mai di essere curiosi e di armarsi di tanta, tanta pazienza.

E con questa abbiamo finito, ringraziamo Giulia Cignacco per l’intervista, che ci ha dato modo di conoscere questo artista.

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Allora, Giulio nato a L’Aquila nel 1983, lui dice nato già con la matita in mano, e noi ci crediamo, perchè questo non è un tratto inventato, si vede che è frutto di un lungo lavoro di perfezionamento.. alla fine bisogna studiare, in ogni disciplina!
Fino al 2009 predilige la manualità, meno computer più uomo.. poi per cause maggiori, nel 2010 compra una tavoletta grafica, visto che il suo studio ormai non c’è più, e con gli spazi ridotti, si trova a esplorare questo nuovo mondo.. con ottimi risultati!

Giulio è sempre alla ricerca di nuove collaborazioni, lui vuole presentarsi al mondo, e ha capito che per farlo bisogna sudare..

http://giuliorossi.weebly.com/

http://www.trendsmagazine.it/

http://www.iwally.it/

E ora qualche domanda.

Illustratori e fotografi in italia non sono assolutamente tutelati, tu vedi una soluzione, quale?

ho voluto chiedere in giro ad un paio di amici che lavorano nel settore da un po’ di annetti ed è venuto fuori che l’ideale sarebbe istituire un albo apposito, come per le altre professioni, in modo da garantirsi una maggiore tutela in termini di riconoscimento professionale ma anche qualitativo ed economico. Ammetto che in parte sono d’accordo anche se credo che il valore di simili professioni (grafico, illustratore, fotografo) dipende soprattutto dal livello degli autori che è difficilmente quantificabile, a mio avviso, in quanto il metro di giudizio dei nostri lavori è fortemente vincolato alla soggettività e al gusto personale di chi guarda.

chi ti affascina particolarmente nel passato?presente?futuro? vogliamo i nomi!

In generale amo molto quegli artisti che si sono contraddistinti con uno stile tutto loro. Credo che ogni corrente artistica ci abbia donato dei capolavori, gioie per i nostri occhi e per l’anima, preziose visioni che arricchiscono il nostro spirito creativo. In particolare apprezzo la cura del dettaglio e la pulizia del tratto in pratica tutti quei lavori che al solo guardarli mi fanno pensare: “Wow!!!Ma come caspita ha fatto!?”. Facciamo qualche nome:
Monet: perché è Monet, e dovendone nominare uno sputtanato direi proprio lui è il mio preferito fra gli artisti più amati;
Tamara De Lempicka: perché i suoi ritratti sono favolosi e il tratto e lo stile inimitabile;
Chuck Close: perché è il baluardo dell’iperrealismo americano e la scelta dei soggetti la trovo una genialata;
Turner, Burke, Friedrich: perché da piccolo io mi ci perdevo nei loro paesaggi incantati e poi sono proprio ad un altro livello;
Le mie correnti artistiche preferite: Iperrealismo, Realismo negli Stati Uniti, Sud America e Messico.

Un sogno nel cassetto?

Sarebbe il massimo riuscire a concretizzare questa mia passione in una professione, poi se devo proprio sognare allora vorrei fare tutto ciò vivendo alle Hawaii!

illustraci il tuo processo creativo.

Dunque vediamo….adesso ho in mente solo che illustrazione potrei fare per voi! Va bene mi impegno un po’…di solito inizio sempre da una raffigurazione mentale, almeno a me piace considerare i pensieri sottoforma di immagini che si delineano e prendono colore man mano che li penso. Spesso mi capita di vedere un film, restarne talmente colpito che il giorno dopo realizzo un ritratto. Altre volte mi metto all’opera per un puro esercizio di stile, prendo una foto ispirante e mi esercito un po’ fin quando non ottengo quel particolare effetto di verosimiglianza.  Chiaramente la musica non può mancare e mi accompagna in tutte le mie elaborazioni artistiche, è lei di solito a scandire il ritmo della pennellata! In pratica lo definirei un processo creativo in divenire, difficilmente il risultato finale rispecchia fedelmente l’idea di partenza, diciamo che strada facendo mi lascio guidare dall’istinto, svuoto la mente e mi ci butto fin quando non ottengo un qualcosa di soddisfacente infondo l’unica cosa che conta è che debba piacere a me in primis poi se anche altri apprezzano ben venga.

E con questo vi invitiamo a guardare la galleria! Per una serie di lavori di grande livello!!
E con Giulio ci sentiamo presto perchè sushit ha molte idee in serbo!

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Vi invitiamo a visitare i loro siti internet:

www.woozystore.com
www.woozydesign.com

E mi raccomando, se acquistate da loro vogliamo le foto dei vostri uffici o delle vostre case!! Così potremmo fare una bella raccolta di uffici/case creative!!(mandate le foto a redazione AT sushit.net).

Ora facciamogli qualche domanda, così per curiosare nella vita di chi è andato all’estero per liberare la propria creatività, qualche sacrificio ed obbligo, ma a me sembrano proprio felici.

Com’è la vita per un designer a Londra, e come vedete l’italia da li?

Londra è una città dove è facile respirare creatività. Designer ed artisti da tutto il modo vivono qui, confrontandosi ogni giorno con svariate realtà, e questo è un buon punto per stimolare la creatività, il fatto di vivere una quotidianità sempre diversa con gente che vive, che pensa e che ha una stile di vita completamente differente dal tuo, e quidi progetta in modo singolare, aiuta la creatività a svilupparsi con punti di vista diversi.
Inoltre la generale apertura mentale qui, rende il designer o l’ artista molto libero nell’esprimersi e nell’esporsi.
Ad ogni modo Londra non è una città facile da gestire, specialmente all’inizio che sicuramente non ti abbraccia.

L’Italia da qui non la vediamo molto bene, nonostante sia una terra che amiamo moltissimo, ma purtroppo sembra essere un posto dove tutto rimane fermo e nulla si evolve. Il sistema meritocratico è quasi inesistente e questo è uno dei motivi che ci ha spinti a venire qui
La realizzazione dei nostri sogni e progetti appariva troppo piena di ostacoli lì in Italia, poichè i giovani non vengono supportati a sufficienza, sia a livello sociale che a livello economico.

Siamo curiosi, brevemente, come nasce una vostra idea? Il vostro processo creativo..

In 2 modi,il primo è quello di captare input da qualsiasi fonte necessaria, frequentando e aggiornandosi continuamente attraverso ambienti sensibili.
Il secondo è l’insostituibile Caso…guai se non ci fosse!

La vostra giornata tipo londinese?

Gran parte del tempo lo passimo a lavorare, ma fortunatamente essendo freelances riusciamo a gestire il tempo abbastanza a nostro piacimento,  nonostante questo cerchiamo di avere degli orari, specialmente per seguire i clienti, anche se succede di trasgredire a questa regola.
Nel tempo libero si fanno diverse cose, Londra offre molto, ci si incontra con gli amici, si va al cinema, al teatro, a qualche  mostra o semplicemente pizza e film sul divano.

Avete qualcosa da suggerire a tutti quei creativi che vorrebbero scappare all’estero?

Scappare all’estero per fare un’esperienza è fondamentale, arrichisce dentro ed è un investimento su se stessi. I giovani sono il futuro dell’Italia e se ci saranno giovani con esperienze di vita differrenti questo sarà un valore aggiunto per lo sviluppo del nostro Paese.

Cosa ne dite di un adesivo sushit.net? ^_^

Woozy – Sushit sounds good

Ma chi è Woozy?

Erika Fontanive: Designer creativa specializzata in graphic design, comunicazioni visive, fotografia e web design. Eccellente nell’elaborare nuove idee.
Roberto Conti: Freelance designer, specializzato in graphic design, illustrazione digitale e manuale magazine layout , web design e interior design. Ottima padronanza di tecniche illustrative.

E un grande in bocca al lupo da www.sushit.net!!!

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Kaloian Toshev, artista, illustratore, web designer e grafico bulgaro ventitreenne, ricerca la perfezione nello charm con un’arte che non ha bisogno di parole, ma solo di essere ammirata.

Per questo non attendiamo oltre e vi presentiamo una selezione delle sue migliori illustrazioni. Se invece volete saperne di più sui suoi lavori (loghi per aziende, grafiche per il web, sperimentazioni tipografiche…) non esitate a fare un salto sul suo sito: www.kaloiantoshev.com!

I dream of you

Art is hard

Björk

The RZP Girl

Dust

Helium Freedom [Freedom is all we want. Helium is all we need.]

Dull Life

Nate (means beauty)

* Aggiungiamo una nota di colore: lo studio di un artista riflette profondamente la sua personalità e la sua arte… e in questo caso dobbiamo proprio confermarlo! Impossibile non adorare l’ambiente creativo che Kaloian Toshev ha creato attorno a sé!

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Anna Francesca Scarpino o, più semplicemente, Franna.

Diplomata all’istituto d’arte e laureata poi in educazione ambientale, attualmente lavora come educatrice ambientale in Legambiente, progettando e realizzando attività di manipolazione con materiali di recupero.

Si occupa della rubrica “Io non mi rifiuto” sul portaledeibambini.it, proponendo attività creative sul riutilizzo di materiali.

Tra educazione all’ambiente e all’ecologia, porta avanti da anni l’hobby dell’illustrazione, della grafica e della creatività in generale.

Più che un hobby, una vera e propria passione! Ha realizzato illustrazioni per diversi concorsi nazionali e internazionali e adesso collabora con diversi mensili per adolescenti, tra cui la guida sull’alimentazione dedicata a bambini e ragazzi prodotta e stampata dal Circolo Festambiente.

Illustrazioni semplici e divertenti, ci sono dentro sogni e fiabe. A Sushit piace perché con il suo lavoro riesce a conciliare la passione per le illustrazioni, l’ambiente e i bambini!

www.frannas.blogspot.com

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Carla Manea vive a Malo, Vicenza, e ha cominciato a lavorare come illustratrice a 23 anni.

Coltiva la sua passione per il disegno sin da piccola e dopo il Liceo Artistico si diploma a Milano come illustratrice.

Ottiene un attestato di web-designer e lavora per diverse agenzie di grafica pubblicitaria. Pubblica per varie case editrici italiane e straniere, per diverse agenzie pubblicitarie e comuni. Ha esposto i suoi lavori in collettive in Italia e all’estero. Ha vinto concorsi e menzioni d’onore.

Questo è il riassunto del suo lunghissimo e colorato curriculum.. ma basta dare uno sguardo alle sue illustrazioni per capire che c’è molto di più!

C’è sogno, mondi di fiaba, divertimento e dolcezza.. ma anche tanta passione e determinazione!

La maggior parte dei testi da lei illustrati rientrano nella letteratura per l’infanzia. Carla ha la capacità di essere rimasta, “fortunatamente”, un pò bambina.. ma come dice lei: “..ci vuole applicazione per farlo!”.

Il “mondo di Carla” però non è tutto qui.. date un’occhiata alla galleria per scoprire i suoi lavori!

www.carlamanea.com

carlamanea.blogspot.com

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Miss Mirma, alias Martina Corradi, è una giovane artista modenese, pittrice e illustratrice.

Diplomata in Grafica Pubblicitaria e laureata poi in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna, ha lavorato poi come visual designer/stilista presso l’ufficio stile di Alessandra Gandolfi per brand quali Guru, Ferrari e Lapin House.

Nelle sue opere tende a raffigurare un mondo fantastico, sognante e velato, avvolto in un alone di malinconica cupezza.

“Amo raffigurare ritratti di donne, volti i cui occhi devono  esprimere stati d’animo ed emozioni, che il più delle volte sono pacate ma ugualmente incisive.”

Il suo universo è popolato da animali, come se ad ogni persona raffigurata si associasse una creatura del mondo animale. Ama cervi, civette, corvi, falene.. animali del bosco che possano ricoprire un ruolo fiabesco.

“Le mie ispirazioni nascono dai paesi nordici, dagli antichi libri di favole  delle fiandre amo il simbolismo tipico di quei luoghi. Sono stata a Bruges e sono rimasta colpita dalla assoluta irriverenza degli artisti del primo novecento,tra cui Delville, Fernand Khnopff, Splinder.. e poi ho amato la assoluta negazione dei soliti canoni ecclesiastici di rappresentazione.”

Il pullulare di simboli l’ha ispirata quindi a creare la sua prima linea  di T-shirt, “Black Forest“, che si ispira infatti al popolo del bosco: il cervo rappresenta il mondo animale, la donna rappresenta il genere umano sovrastato da una farfalla, simbolo dell’aria e di ciò che non riusciamo ad afferrare, poi vi  è il teschio, specchiato simbolo di morte del corpo e dell’ anima. Infine un triangolo racchiude i tre elementi come la vita racchiude noi…

Questa t-shirt, per Martina, funge da mezzo di rapida diffusione di un’idea che deve arrivare alle persone sottoforma di oggetto d’uso comune, una sorta di messaggio subliminale, per far sì che la sua arte possa viaggiare oltre le mura di una galleria.

www.missmirma.com

Lo store: missmirma.bigcartel.com

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